Acosta Miguel

 n. Caracas, 8.11.1953

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

  1 Vida y obra

Escultor, pintor y dibujante. Hijo de Domingo Acosta Viera y Mercedes González Daboín. Realiza estudios de arquitectura en la UCV entre 1972 y 1979. Inicia su incursión en las artes plásticas en 1975 cuando se inscribe en el taller de dibujo clásico dictado por Charles Ventrillon-Horber en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, en el cual permanecerá hasta 1977. Posteriormente, en 1979, cursa el Taller de Pintura a cargo de José Mohamed. Entre 1979 y 1984 reside en París, período durante el cual profundiza sus estudios de arquitectura con un posgrado en la Unité Pédagogique d'Arquitecture de Villeneuve d'Asq de Lille (1980-1982) y desarrolla proyectos junto al arquitecto Ricardo Porro. Su obra inicial presenta una marcada influencia de las premisas del dibujo académico provenientes de sus estudios con Ventrillon, en las que utiliza esta técnica como herramienta fundamental para la descripción de las formas y el análisis estructural de la naturaleza. Durante su estadía en París —combinada con frecuentes visitas a Italia— desarrolla nociones relacionadas con el arte y la arquitectura en tanto configuradores socio-culturales de la ciudad, y con la historia como escenario definitorio de la urbe. Este período contempla dibujos y notas en los que predomina el estudio de las dimensiones urbanas y la integración del arte en los espacios de la ciudad. Posteriormente incursiona en la pintura con la exploración del cuerpo humano, descrito de manera explícita con una sólida base de dibujo, y más tarde sugerido a través de texturas y representación de detalles descontextualizados. A lo largo de esta etapa la obra de Acosta se dirige progresivamente hacia la abstracción matérica: las masas corporales logradas con pasta pictórica y collage logran expresarse sin disminuir la naturaleza esencial de los materiales. En las obras pertenecientes a este período se dejan entrever algunos elementos geométricos que distinguirán una etapa posterior, fundamentada en premisas constructivas. A partir de este momento la abstracción del cuerpo humano —en términos de materia, de textura— da paso a una reflexión sobre lo constructivo: en palabras del artista, "lo constructivo surge de lo descriptivo". En este sentido, Acosta da un giro a su trabajo figurativo para incursionar en las cualidades expresivas de la abstracción, proceso en el cual su participación en el Salón Conac del Encuentro Americano (1990) con la obra Dios desconocido constituye un momento decisivo.

  A partir de 1992 desarrolla su etapa de síntesis constructivista, la cual se caracteriza en un primer momento por la valoración del bastidor como obra de arte y las cualidades expresivas que se derivan de este elemento como configurador de coordenadas y dimensiones. Las obras en las que interpreta esta noción consisten en grandes bastidores de metal —a modo de obras que muestran el reverso— los cuales son intervenidos a su vez por capas del mismo material y elementos longitudinales que establecen nuevas relaciones espaciales. Estas piezas —consideradas por el artista como pertenecientes al género pictórico— representan también los primeros pasos de Acosta en el campo de la escultura. Ya en el ámbito tridimensional, comienza a interpretar el espacio a través de elementos específicos —línea, plano, volumen y punto—, sus coordenadas de ubicación y su cualidad material. Tal como lo hiciera con la pintura, el artista maneja la descontextualización y el desmembramiento de objetos para hacer explícito el valor plástico de sus componentes. En ocasiones, el análisis de la estructura y la mutabilidad de las formas deriva en obras transformables —manipulables— que se desligan de la pared y de una forma estática para ubicar al espectador en una nueva posición con respecto al objeto. Dentro de esta tendencia realiza la serie Trampas. De igual modo, con una propuesta de este tipo, Contra el piso (1993), en la que se establece un juego entre plano y volumen, Acosta obtiene el primer premio en la categoría tridimensional en el XVIII Salón Aragua (MACMMA, 1993). El año 1992 también marca el paso de la escultura a la instalación con obras que funcionan como "contenedores" del espectador y donde la idea de recinto plantea un retorno a las premisas arquitectónicas, tales como Instalación, pieza realizada para la I Bienal Barro de América (1992). En 1994 forma parte del I Taller de Estética del Acero, llevado a cabo durante tres semanas en los espacios de Sidor.

  A lo largo de la década de los noventa el artista incursionó en el diseño de diversas propuestas de integración arte-arquitectura en construcciones de la ciudad capital y del interior del país. Ha ejercido la docencia en el área del diseño arquitectónico y el dibujo en la UCV (desde 1984), la UJMV (1985-1986) y la USB (1987). Se ha desempeñado igualmente como profesor invitado en las Escuelas de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile, de la Universidad Nacional de Colombia y de la Pontificia Universidad Católica de Medellín (Colombia). Entre 1990 y 1997 desarrolla propuestas curatoriales en torno al quehacer arquitectónico, el diseño y sus relaciones con el arte, así como eventos de confrontación expositiva en el ámbito de las artes visuales, las cuales tienen como sede la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV y el MAO. Estos planteamientos, unidos estrechamente a su labor docente, apuntan a una comprensión de la arquitectura y el diseño en su dimensión artística y cultural, y al abordaje de estas disciplinas como unidades intrínsecamente ligadas a las experiencias estéticas. Actualmente vive y trabaja en Caracas.

  2 Exposiciones individuales

1985 "Estela poética", Sala Arquitecturarte, Los Caobos, Caracas

1990 "Sur. Exposición permanente", Conmemoración de los 35 años de la CVG, Club de Empleados de Edelca, Puerto Ordaz

  3 Premios

1978 Primer premio, modalidad dibujo, XV Salón de Arte de Alumnos de Arquitectura, UCV

1993 Primer premio, modalidad tres dimensiones, XVIII Salón Aragua, MACMMA / Reconocimiento del Conac, Programa Estímulo a la Creación, Caracas

  4 Colecciones

Club de Empleados Edelca, Puerto Ordaz / MACMMA / MAO

  5 Fuentes

- Archivo del artista.

- Cinap, A. 261.

- Guevara, Roberto. Primera Bienal Barro de América. Caracas: Conac-MACCSI, 1992.

- Planchart Licea, Eduardo. "Espacio y arqueología". En: Imagen, n° 100-187. Caracas: Conac, marzo 1992.

- Planchart Licea, Eduardo. La estética del acero. Caracas: Sidor, 1994.

 

  Adams Lewis Brian

 n. Inglaterra, 1809 (datos en estudio)

m. Caracas, 27.5.1853

 1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

  1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Brian Adams, agente inglés que entre 1831 y 1832 participó en la compra de las minas de Aroa y Cocorote que habían pertenecido a Simón Bolívar. Brian Adams parte hacia Nueva York el 26 de mayo de 1832 y cuatro años después su hijo llega a Venezuela, el 31 de octubre de 1836. Sir Robert Ker Porter lo comisiona para realizar una copia de un retrato de su amigo George Villiers a partir de Federico de Madrazo y Kuntz, que termina el 7 de noviembre de 1837, concluyendo en su Diario que Adams no era sino "un lamentable ejecutante de mano torpe" ("a sorry heavy handed performer"). A petición del encargado de negocios de Estados Unidos, John G. Williamson, Adams inicia el 7 de septiembre de 1838 un retrato del general José Antonio Páez (colección MRE) que debió estar muy adelantado nueve días después ya que Williamson lo describe como "tolerablemente bueno". El 6 de abril de 1840 inicia el retrato del diplomático norteamericano y de su esposa, actualmente perdido, y en diciembre trabaja en el retrato del escéptico Porter (colección Fundación Boulton), quien escribe entre sus anotaciones del día 23: "un muy excelente producto", corrigiendo tal vez sus duros comentarios sobre su colega.

  El 15 de marzo de 1842, en El Venezolano, Adams se ofrece en la prensa local como retratista establecido en Caracas, en su taller ubicado en la calle Orinoco, 80, entre las esquinas de Colón y Dr. Díaz. El 19 de enero de 1843, el Concejo Municipal le encargó un retrato de Simón Bolívar, que le es cancelado en 100 pesos, y le comisiona una réplica de su retrato de Páez. En abril de 1843 conoce a Ferdinand Bellermann, que estaba en el país desde julio de 1842 y quien en una carta a su prometida, fechada el 23 de abril de 1843 escribe: "actualmente me ocupo de pintar figuras humanas, para tener algo que hacer. La amistad con el pintor inglés Adam[s] me viene muy a propósito y trabajamos mucho juntos. Aquí él es muy conocido y se puede hacer entender mucho mejor que yo, además es un hombre realmente gentil y un artista hábil" (1992, p. 85). Adams acompañó a Bellermann en algunas de sus excursiones junto al botánico alemán Karl Moritz, visitando Valencia, Maracaibo y Cumaná, de donde regresa el 3 de octubre. En realidad el pintor debe haber sido un incesante viajero, ya que Porter registró su regreso de Maracay tan temprano como el 29 de noviembre de 1837. En agosto de 1844, Adams realiza el retrato del valenciano José Toribio de Iribarren (colección GAN) y, en diciembre, con motivo de la "Exposición nacional de productos naturales y de las artes liberales y mecánicas del país", formó parte de la comisión de pintura, donde estuvo acompañado, entre otros, por Antonio José Carranza, Carmelo Fernández y Juan Pablo Huizi. Los cuadros del inglés fueron celebrados y recibieron un premio (El Liberal, 23 de diciembre). El pintor vivió una temporada en La Guaira, de donde regresó a comienzos de 1846 (El Liberal, 17 de enero). Adams remitió obras para las exposiciones de las galerías de la calle Suffolk de la Society of Artists (Londres), entre 1829 y 1844, año en que envió cuatro lienzos: La Plaza Mayor y la Catedral de Valencia, Sur América (tema pintado también por Bellermann); Los gallineros o El vendedor de pollos; Una choza rústica: el indio guajiro, y El jefe de una tribu india (cerca de Maracaibo). Entre 1826 y 1836 el artista expuso en la Royal Academy de Londres, de la cual fue alumno y donde exhibió por última vez, en 1844, un óleo de tema venezolano: Un indio moledor de trigo, Venezuela. En noviembre de 1849 el Concejo Municipal de Caracas le encomendó un retrato de Francisco de Miranda. Una réplica de esta obra se encuentra en la colección BCV. Al morir, Adams fue enterrado en el Cementerio de los Ingleses (que se había comenzado a construir en 1831 por iniciativa de sir Robert Ker Porter y de cuya Junta Directiva formó parte el mismo Adams).

  Aunque llegó a ser el retratista más celebrado de una sociedad a la cual cumplía sus exigencias de ostentación, entre otras cosas por su impecable acabado y el aire de refinamiento y pureza racial con que distinguía a sus personajes, Adams cayó pronto en el olvido: en 1872, cuando James Mudie Spence organiza la exposición del Café del Ávila, su retrato de Páez le es atribuido a Porter y ya en este siglo Vicente Lecuna adjudicaba el retrato de María Antonia Bolívar a "un pintor alemán de paso en la ciudad". En Venezuela se han registrado cerca de 35 obras suyas: los retratos de Martín Tovar Ponte (colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas); Santos Michelena (colección Mercedes Arroyo de Michelena); José Toribio de Iribarren y uno señalado como del presbítero José Antonio Uzcátegui (ambos en la colección GAN); el arzobispo Ramón Ignacio Méndez (colección Palacio Arzobispal de Caracas), y el general José de la Cruz Paredes y Juan Bolívar de Palacios (ambos en la colección Casa Natal del Libertador), son algunas de las más resaltantes. Adams realizó también retratos femeninos, tal vez no tan felices: María Antonia Bolívar de Clemente (colección Casa Natal del Libertador), Belén Vasallo y Ferrol de Nevett (colección Óscar Antonio Blanco Sosa), Inés Echezuría y Gedler de McClong (colección Adolfo Nass) y los retratos de las hijas del coronel Francisco Avendaño: Inés, Teresa e Isabel. Adams realizó también un retrato de Cristóbal Mendoza a partir de Juan Lovera. En 1997, la GAN realizó una importante retrospectiva del pintor inglés. Al referirse a las características de su pintura, Carlos F. Duarte afirma que sus mayores aciertos "se concentran en los rostros de sus personajes y en los trajes de los mismos" aunque no deja de observar la poca habilidad en la representación de brazos y manos que denotan "gran torpeza en el dibujo y dureza en el modelado, lo cual indica una falta de trabajo y de estudio" (1997, s.p.). Alfredo Boulton por su parte ha escrito: "no es difícil reconocer la pintura del inglés. Tiene un estilo por demás formalista, y a decir verdad, extraño, absolutamente ajeno a nuestro ambiente pictórico. Adams lucía un academicismo nacido en la escuela tradicional inglesa, de un género tan diferente y alejado del de la escuela francesa, española o italiana y por esa razón su pintura llama más la atención en nuestro medio, acostumbrado a la expresión de temperamento latino" (1968, p. 114).

2 Premios

1844 Premio, "Exposición nacional de productos naturales y de las artes liberales y mecánicas del país"

3 Colecciones

BCV / Cabildo Eclesiástico, Catedral de Caracas / Casa Natal del Libertador, Caracas / Fundación Boulton / GAN / MRE / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas / Museo Lisandro Alvarado, El Tocuyo, Edo. Lara

 

4 Fuentes

- Bellermann, Ferdinand. "Cartas de Ferdinand Bellermann a Friederike Möller". En: Ferdinand Bellermann en Venezuela. Memoria del paisaje, 1842-1845 (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1992.

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Duarte, Carlos F. "Adams en Venezuela". En: Lewis Brian Adams. Retratista del romanticismo paecista (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1997.

- Pineda, Rafael. Catálogo de las obras de arte del Ministerio de Relaciones Exteriores. Caracas: Impresos Moranduzzo, 1977.

- Porter, Robert Ker (sir). Sir Robert Ker Porter's Caracas Diary, 1825-1842. A British Diplomat in a Newborn Nation. Caracas: Walter Dupouy Editor, 1966.

- Williamson, John G. Caracas Diary 1835-1840. Baton Rouge: Camellia Publishing Company, Inc., 1954.

Aglialoro Domenica

 n. Caracas, 10.5.1962

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Artista de medios mixtos. Hija de Domenico Aglialoro y Giuseppa Cassata. Realizó estudios en la Escuela Cristóbal Rojas y en la Academia de Bellas Artes de Palermo (Italia), donde se gradúa en 1987. Fue integrante del Centro de Arte Priapo (Monreale, Italia, 1986-1987). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas, "Palermo Arte Donna 92: poetiche e tendence" (Palazzo Comitini, Palermo, Italia) e "Intercambio 3" (Mujabo, 1998). Sus instalaciones han establecido un anecdotario sobre la condición femenina, como en Mucho camisón pa' Petro (1999), expuesta en el LVII Salón Arturo Michelena, o Ex abundantia cordis os loquiter, reconocida en el mismo salón al año siguiente. Según Ricardo Bello, algunas de sus obras recuperan "una faceta oculta en las relaciones humanas: es el vestigio de una memoria que aflora en condiciones extremas, en la experiencia del cuerpo reducido a su mínima expresión, a las formas del desierto y la locura" (2000).

2 Exposiciones individuales

1989 "Domenica Aglialoro", Centro de Arte Priapo, Monreale, Italia

1997 "Ojos de perro azul", Sala Mendoza

1999 "Ecce mulier", Sala RG

2000 "Ecce mulier", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / "Ecce mulier",CAMLB

2001 "Domenica Aglialoro", Galería Moros, Maracaibo

3 Premios

1994 Mención, XXI Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar / Mención en escultura, III Bienal Nacional de Artes Plásticas y I Colombo-Venezolana

1995 Segundo premio, obra tridimensional, XX Salón Aragua, MACMMA

1996 Premio Ángel Ramos Giugni, XXIII Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar / Mención plástica interactiva, Ateneo de Caracas

1997 Premio Guayana, XXIV Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar

1998 Premio Guayana, XXV Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar

1999 Premio Harijs Liepins, LVII Salón Arturo Michelena / Premio de escultura, IX Salón Municipal de Arte Alejandro Otero, Cemic

2000 Premio Francisco Narváez, LVIII Salón Arturo Michelena / Premio Conac para las Artes del Fuego, Caracas

2005 Premio Andrés Pérez Mujica, LXII Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / CAMLB / MACMMA / Museo Carmelo Fernández, San Felipe / UC

5 Fuentes

- Bello, Ricardo. LVIII Salón Arturo Michelena (catálogo de exposición). Valencia: Ateneo de Valencia, 2000.

- Ecce Mulier (catálogo de exposición). Caracas: Celarg, 1999.

Aguilera Silva Gerardo

  n. Barcelona, Edo. Anzoátegui, 22.4.1907

m. Barcelona, Edo. Anzoátegui, 13.10.1976

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Pedro Manuel Aguilera y Sofía Silva. Sus biógrafos han dado distintas fechas de su nacimiento (por ejemplo, h. 1919 según Francisco Da Antonio). Cursó estudios en el colegio del bachiller Matías Núñez, hasta el tercer año. En su juventud escribió poesía y se aficionó por la historia, de donde proviene su gusto por la iconografía de los héroes nacionales. No tuvo formación académica, pero su interés por el arte lo llevó a pintar sus primeras obras: retratos familiares y un autorretrato, entre 1926 y 1930. En 1964 fue identificado por Luis Luksic y dos años después fue dado a conocer por Jacobo Borges y Josefina Jordán, en una exposición en el MBA, donde expuso 41 pinturas y 12 dibujos. Con motivo de ésta realizó su único viaje fuera de Barcelona, pasó un mes en Caracas y fue ampliamente reseñado por la prensa. Ese año participó en el XXVII Salón Oficial con tres desnudos. Al año siguiente de su fallecimiento la GAN adquiere 30 de sus obras, entre las que figuran el Autorretrato, Bolívar, Desnudo, Miranda y Torero.

Juan Calzadilla se refiere a Aguilera Silva como a un artista cuya rebeldía encontró referencias plásticas en la obra de los clásicos, acercándose a éstos a través de reproducciones de cuadros y grabados divulgados en revistas; de este modo intentaba hacerse comparable a maestros como Arturo Michelena y Tito Salas. Aguilera Silva usó medios de gran simplicidad —soportes de cartón y, ocasionalmente, tela y pigmentos de esmalte industrial (sapolín) con retoques en pastel— para conseguir un acabado único, lleno de sugerencias texturales y características gestuales similares al expresionismo. Para Calzadilla, la manera en que este artista utiliza la materia, el claroscuro, las luces y la atmósfera, es la respuesta a la organización especial exigida por los modelos en que se basaba y que encontraba pacientemente, mientras desarrollaba su minuciosa y compleja obra. La lenta expansión del tema a partir de un pequeño trozo de cartón, tomado como punto de partida, requería de sucesivos montajes de otros fragmentos sobre el soporte, que acababan por dar a las obras concluidas un aspecto de extraños collages hechos de fragmentos ensamblados. "Aguilera reflexiona sobre cada pincelada; descubre valores y los acentúa, lucha con el espacio y gesticula, inventa volúmenes, construye vacíos y protuberancias y los llena con carnaciones opulentas y grotescas, donde el desnudo femenino es un constante símbolo de su desamparo social y emocional, de su naturaleza disminuida y contrahecha por los años, que él trata de compensar, no sólo con la ferocidad de su orgullo, sino también con los trajes marciales y las maneras que presta a los retratos del Libertador, donde cree reconocerse" (Calzadilla, 1977).

2 Exposiciones individuales

1966 "Dibujos y pinturas", MBA

1967 "Galería XX2", Caracas

1974 "Gerardo Aguilera: pintor ingenuo de Barcelona", Sala Ocre, Caracas

3 Exposiciones póstumas

1977 GAN / Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui

1978 Galería de Arte Universitaria Rafael Monasterios, Ucla / Galería La Otra Banda, Mérida / Galería Ariete, San Cristóbal / Galería Carmelo Fernández, Caracas

1979 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1980 Galería Carmelo Fernández, Caracas / Galería Lisandro Alvarado, Barquisimeto / Museo de las Tradiciones Emilia Rosa Gil, Humocaro Bajo, Edo. Lara

1981 "Óleos", GAES

1982 Gobernación del Distrito Federal, Caracas

1985 Museo de Petare

4 Colecciones

GAN

5 Fuentes

- Calzadilla, Juan. Gerardo Aguilera Silva (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1977.

- Calzadilla, Juan. Gerardo Aguilera Silva (catálogo de exposición). Caracas: Museo de Petare, 1985.

- Cinap, A 8.

- Da Antonio, Francisco. "Pintores ingenuos". En: Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.

Agüín J. Rafael

n. ¿Guanare?, h. 1890

m. ¿Guanare?, d. 1957

 1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

  1 Vida y obra

Pintor y escultor. En el concurso de la Academia de Bellas Artes de 1905, su pintura El preso mereció mención honorífica, y en 1907 su conjunto de pinturas, entre ellas Paisaje fue reconocido con un accésit (El Constitucional, 27 de julio de 1907), aunque Jesús Semprum comentó que su Vista de El Calvario tenía "ciertos pormenores que desentonan en el conjunto" (El Cojo Ilustrado, 1 de septiembre de 1907). En 1909 algunas de sus esculturas presentadas en la exposición de la Academia, el Busto de Cruz Álvarez García, Fugitivo, Dolor, Resignación y dos cabezas de expresión, fueron reproducidas en El Cojo Ilustrado (1 de septiembre de 1909). Ese año pintó, con indicaciones del padre Constantino de la Vega, Tránsito de N.S.P. San Francisco para el presbiterio de la Iglesia de Nuestra Señora de las Mercedes (Caracas), de excelente acabado académico. Fue miembro fundador del Círculo de Bellas Artes (El Universal, 28 de agosto de 1912). Entre 1956 y 1957 expuso paisajes de Caracas y escenas costumbristas en el Salón Julio T. Arze, y en el XI Salón de Artistas Plásticos Independientes (Caracas), Paisaje de Guarenas y Diablos danzantes.

2 Premios

1905 Mención honorífica, Academia de Bellas Artes

1907 Accésit, Academia de Bellas Artes

  3 Colecciones

Iglesia de Nuestra Señora de las Mercedes, Caracas / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

  4 Fuentes

- Carrocera, Cayetano de. Apostolado de los franciscanos capuchinos en Caracas (1891-1925). Caracas: Tipografía Americana, 1926.

Albánez Jaime

n. Caracas, 2.6.1915

m. Caracas, 19.7.1993

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Se inició en el oficio con Eduardo Cambellas y posteriormente fue laboratorista del Taller Caraballo-Gramcko de Puerto Cabello. Trabajó en la sección de cine educativo del ME, que dirigía el cineasta Antonio Bacé (1938). Retratista desde 1929, recreaba ambientes con escenografía de estudio, maquillaba a sus modelos y no desdeñó la técnica del retoque. Fue fotógrafo de gabinete de Isaías Medina Angarita (hasta 1945), a quien retrató en momentos históricos como el inicio de la demolición de El Silencio. Fue miembro fundador del Círculo de Reporteros Gráficos y de la AVP, junto a Juan Avilán, Aníbal Rivero, Luis Noguera y Edmundo "Gordo" Pérez. Entre 1938 y 1943 trabajó en el diario La Esfera, donde cubría sucesos, sociales y deportes. En 1942 trabajó en Cartografía Nacional e inauguró la fotografía científica en el Hospital Vargas. Este mismo año recibió el Premio Gazeta de Caracas por su fotografía de Rómulo Gallegos, el presidente Medina Angarita y el presidente de Colombia, Alfonso López, en su visita a Venezuela. En 1949 se incorporó a Bolívar Films como iluminador y foto fija, además de colaborar en las revistas Mi Film, Élite, Venezuela Gráfica, Visor Social y en los diarios El Nacional, Últimas Noticias y El Heraldo. Fue el primer luminotécnico de la televisión venezolana en Televisa y se le conoció como el "fotógrafo de los artistas". En 1978 formó parte de la muestra "100 rostros venezolanos" (Sala CANTV) y recibió el Premio Bernardo Dolante. En 1981 fue incluido en la colectiva "Los venezolanos", expuesta en The Photographers Gallery de Londres.

2 Premios

1942 Premio Gazeta de Caracas

1978 Premio Bernardo Dolante, Círculo de Reporteros Gráficos, Consejo Venezolano de la Fotografía, Caracas

3 Colecciones

BN / MBA

4 Fuentes

- Boulton, María Teresa. Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea. Caracas: Monte Ávila, 1990.

Alcaide Ricardo

n. Caracas, 24.11.1967

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Recibe su formación profesional en el taller de Ricardo Armas, de quien fue asistente (1987-1988). Ha participado en talleres de escenografía en el Teatro Teresa Carreño y en seminarios de lenguaje y comunicación visual dictados por María Elena Ramos. Sus inicios guardan relación con el mundo del canto lírico y del teatro, influencia que se ve reflejada en buena parte de su obra. A finales de los ochenta trabajó en la realización y montaje de conciertos para la Cantoría Alberto Grau y la coral de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV; además realizó el diseño de escenografía para la ópera Il trionfo dell'onore presentada en 1988 en la sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño. Entre 1988 y 1989 cursa estudios en la Escuela de Artes de la UCV y de 1988 a 1992 en el Cegra. La actividad expositiva de Alcaide se inicia formalmente en 1988, cuando participa en el II Salón de la Joven Fotografía del MACC. Personajes atormentados, aprisionados con gruesas cuerdas, en actitud de obstinación y ensimismamiento componían una serie que no tardó en ser reconocida. A finales de este mismo año participa en el XLVI Salón Arturo Michelena, haciéndose merecedor del Premio Eladio Alemán Sucre. En 1989 organiza su primera exposición individual con el título "Fotografías", en la Galería Vía (Caracas). Esta muestra conserva la mayoría de las preocupaciones esenciales demostradas en sus trabajos anteriores, pero con la orientación de un mensaje que alude a la soledad y a la alienación a la cual nos somete el mundo moderno. Escenarios estrechos y turbiamente iluminados sirven de habitación a seres que permanecen estáticos frente a la dominante presencia de un televisor.

La llegada de los años noventa deja ver algunos cambios en el estilo que venía trabajando Alcaide, alejándolo en cierta medida del carácter más explícitamente fotográfico de sus primeros trabajos. De manera progresiva comienza a incorporar en sus obras la utilización de imágenes en secuencia, gráficamente complementadas con frases o textos extraídos de boleros. Ejemplo de este cambio es su segunda muestra individual "Noche tranquila", expuesta en el City Rock Café, Caracas. Esta indagación puede ser observada en su punto máximo en la obra Bolero para un domingo en la noche, realizada en 1991. En dicha obra nos encontramos con un personaje de apariencia tragicómica, que desde un lugar parecido al rincón de castigo de un salón de clase, repite apasionadamente en un pizarrón las despechadas letras de un bolero. Desde este momento los elementos de mayor presencia pasan a ser los modelos con aspecto de antihéroe, la visión irónica de situaciones pasionales y una marcada atracción por lo narrativo. Pero si bien los recursos de los cuales hace uso se han ampliado en cantidad considerable, su propuesta se ha hecho paradójicamente menos abierta, demasiado directa incluso, o tal vez, demasiado evidente. En 1991 monta su tercera exposición individual titulada "Imágenes rethóricas", en la Galería La Merced en Maracaibo. En 1992 vuelve a esta galería con "Eterno y efímero", su cuarta individual, donde retoma el tema del despecho en parámetros formalmente similares a los de sus muestras anteriores. Paralelamente al tema del despecho incursiona, aunque de manera esporádica, en la fotografía de moda, recibiendo en 1993 el primer premio en la III Bienal Christian Dior, organizada por el Centro Cultural Consolidado (Caracas). Ese año recibe el segundo premio del Salón Pirelli con su instalación Me siento sola, donde la imagen fotográfica bidimensional da forma a una escultura que recuerda las resoluciones del arte pop. Su última exposición realizada hasta la fecha en Caracas es la colectiva "Desnudos y vestidos", montada a principios de 1995 en el MAO, siendo una muestra dedicada a la fotografía de moda que contaba con cinco obras de Alcaide. En la actualidad reside en Londres, donde desarrolla su actividad fotográfica relacionándola ocasionalmente con la publicidad y participando en salones.

2 Exposiciones individuales

1989 "Fotografías", Galería Vía, Caracas

1990 "Noche tranquila", City Rock Café, Caracas

1991 "Imágenes rethóricas", Galería La Merced, Maracaibo

1992 "Eterno y efímero", Galería La Merced, Maracaibo

3 Premios

1988 Mención de honor, II Salón Nacional de Artes Plásticas, Los Espacios Cálidos / Premio Eladio Alemán Sucre, XLVI Salón Arturo Michelena

1991 Mención de honor, VI Salón Nacional de Fotografía, Fundarte

1992 Mención especial, VI Edición del Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza

1993 Primer premio, III Bienal Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas / Segundo premio, I Salón Pirelli

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / MACCSI

5 Fuentes

- Boulton, María Teresa. Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea. Caracas: Monte Ávila, 1990.

- Fotógrafos del Michelena (catálogo de exposición). Valencia: Ateneo de Valencia, 1995.

Alcalde Juan

n. Madrid, 1918

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Estudió en la Escuela de San Fernando (1937-1938). Vivió en París entre 1939 y 1943; se traslada a América y se residencia en Venezuela entre 1950 y 1960. En 1951 expuso, en el MBA, naturalezas muertas, interiores y escenas de Caracas y La Coruña (España). Participó desde 1952 en el Salón Oficial y, en la edición XIV de 1953, recibió el Premio Arístides Rojas con Vieja Caracas. En 1958 participó en el XIX Salón Oficial con Pueblo español y Naturaleza muerta (óleos) y, en 1960, en el XXI Salón Oficial con dibujos en tinta. Ese año regresa a París, donde se encontraba aún en 1973. Seguidor de la tradición de la moderna pintura española, abordó el paisaje urbano con planos facetados, a manera de collage con variaciones de texturas.

2 Exposiciones individuales

1951 "Exposición de pinturas de Alcalde", MBA

1965 Galería Daumier, París

1970 Ateneo de Madrid

1971 Galería Famas, Madrid

1973 Galería Banap, Caracas

3 Premios

1953 Premio Arístides Rojas, XIV Salón Oficial

4 Fuentes

- Cinap, A 9.

Alcántara Antonio

n. Caracas, 27.6.1898

m. Caracas, 2.12.1991

 1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Luis María Alcántara y María Rodríguez. En 1890 muere su madre y es adoptado por su tío político, el fotógrafo Juan José Benzo. Con Benzo, Alcántara realizó numerosos viajes por el interior del país (Barquisimeto, Maracaibo, Margarita), y este ambiente ligado al arte de la fotografía y al contacto continuo con el paisaje geográfico y social venezolano ejerció una decisiva influencia en su formación personal y artística. A partir de 1912, la familia Benzo se radica en Caracas; Alcántara asiste a la escuela y, entre 1913 y 1916, la directora de la Escuela Normal para Hombres, Lola Rodríguez, lo inicia en el dibujo. En enero de 1917 se inscribe en la Academia de Bellas Artes, donde recibe clases de dibujo, anatomía y composición de Cruz Álvarez García, pintura al óleo de Cirilo Almeida Crespo y paisaje de Pedro Zerpa. A través de su condiscípulo y amigo, el pintor Luis Alfredo López Méndez, Alcántara aprendió los principios y conceptos propios de los paisajistas del Círculo de Bellas Artes, quienes hicieron del paisaje el tema central de su pintura. En este sentido, "Antonio Alcántara pertenece junto con Pedro Ángel González y Rafael Ramón González a una segunda generación de paisajistas, a la que Planchart designó frecuentemente con el nombre de Escuela de Caracas. Se puede decir que él sigue los delineamientos esenciales planteados por los artistas del Círculo de Bellas Artes, tanto en la técnica al aire libre como en la motivación local, tomada preferentemente del paisaje del valle de Caracas, y en el tratamiento luminoso de espacios y perspectivas" (Calzadilla, 1967, p. 197).

En julio de 1917, Alcántara realiza su primera exposición colectiva en el salón principal de la Academia, junto a Pedro Centeno Vallenilla, Pedro Ángel González, López Méndez, Abdón Pinto, Alberto Egea López, José Canelones y Francisco Fernández, y en 1918 presenta con Ernesto Stelling una muestra de su obra desde sus inicios, que fue reseñada por Leoncio Martínez: "la fuerza detonante de esos paisajes no estaba sino en la espontaneidad alabada" (Palenzuela, 1983, p. 236). De esta época son algunos de sus retratos: Felipa de Benzo, Modelo y Autorretrato, fechados en 1918, que declaran, junto con sus dibujos, cuán dotado estaba Alcántara para la figura humana. A partir de 1918 recibe, al igual que sus contemporáneos, la influencia directa de tres artistas europeos: Samys Mützner, Nicolás Ferdinandov y Emilio Boggio, orientándose hacia el neoimpresionismo y desarrollando una técnica con mezclas de pincel y espátula (como en Alfarería en Catia, 1919, colección Anita Lucca de Arráiz). En 1920 expone una serie de paisajes ejecutados desde 1916, en los que seguía los principios del impresionismo europeo, pero con una factura "semejante en todo" a la de Manuel Cabré (ibídem, p. 169), y un manejo efectivo de la luz y el color tropicales que le merecieron la atención de la crítica. De esta época son sus obras Paisaje caraqueño (1918), Sin título (el Ávila) y Camino de Cotiza (1920), pertenecientes a la colección GAN. En 1922, al terminar sus estudios en la Academia, presentó tres obras en la Fotografía Manrique y una exposición individual en el Club Venezuela de Caracas. Ésta será su última exposición antes de 1925, cuando se retira de la pintura por espacio de 20 años por razones personales y económicas. Durante este tiempo, dedicado al negocio de la construcción, realiza dibujos y pinturas esporádicamente, sirviéndose de los personajes familiares como modelos para sus retratos. Igualmente, continúa frecuentando los círculos intelectuales y artísticos de la época. En 1930 envía dos obras a la "Exposición internacional" de Lieja (Bélgica) y obtiene medalla de plata y diploma. A partir de 1935, pasa a formar parte del taller libre que mantenían jóvenes pintores, entre ellos Héctor Poleo, César Rengifo, Miguel Arroyo, Pedro León Castro, Luis Ordaz y José Fernández Díaz, quienes se sirven de modelos unos a otros para dibujar.

Desde 1946, Alcántara retorna progresivamente a la pintura y, en 1949, se retira definitivamente de los negocios y se dedica exclusivamente a la actividad artística. En este período, su producción se caracteriza por una preferencia de los tonos violeta, para crear un efecto atmosférico especial. Entre 1950 y 1951 frecuentó el Taller Libre de Arte fundado en 1948. De su actividad como paisajista, comenta Gustavo Navarro en el catálogo de la exposición de Alcántara en la Galería de Arte Nacional en 1991: "a pesar de los movimientos de renovación de las artes plásticas venezolanas de finales de la década de los cuarenta y a lo largo de los cincuenta, ejemplificados por el surgimiento, entre otros, del Taller Libre de Arte (1947) [sic] y del grupo Los Disidentes (1950) enfrentados a la tradición del paisajismo, y por ende a los fundamentos de la Escuela de Caracas, Antonio Alcántara se mantuvo fiel a la temática paisajista y a las búsquedas que rigieron su obra desde comienzos de su formación artística". En 1951 viaja a Lisboa, Madrid, París y Nueva York. En 1952 participa en la I Bienal Hispanoamericana de Arte, realizada en Madrid, donde mostró dos obras (una de ellas, El callejón de Mangos, 1951, fue seleccionada para la portada del catálogo) y obtuvo un diploma. En 1952, cuando regresó a Caracas, inauguró en el MBA una exposición individual con 53 cuadros, realizados entre 1946 y 1952, entre los cuales predominaban paisajes de Caracas y del litoral. Ese mismo año obtuvo el Premio Federico Brandt en el XIII Salón Oficial, con su obra Bellísimas (colección GAN) y el Premio Antonio Edmundo Monsanto, en el X Salón Arturo Michelena, con Caracas y el Ávila. A partir de 1953, Alcántara se dedica primordialmente a crear paisajes de los alrededores de Caracas y Macuto, y después de 1955 se retira voluntariamente de la actividad pública durante 13 años, para dedicarse a la creación artística en su hogar.

Desde 1967 tuvo una actividad expositiva importante. Ese año presenta una retrospectiva en la Sala Mendoza y al año siguiente un grupo de amigos le organiza una retrospectiva-homenaje en la Galería de Arte Moderno, Caracas. En 1969 participó en la "Exposición internacional de arte contemporáneo" de Mónaco, y obtuvo diploma de honor. Ese mismo año inauguró una exposición individual en la Galería Emile Walter de Nueva York, y expuso en la Galería de Arte Moderno (Caracas). Al año siguiente expuso en Madrid (Instituto de Cultura Hispánica) y París (Galería Marcel Bernheim), y en 1971 en la Galería de Arte Moderno (Caracas). En 1972, la Galería Li de Caracas expone varios de sus dibujos y pinturas al óleo. Entre 1972 y 1973 viajó a México, Japón y Estados Unidos, y en enero de 1973, la OEA, en su sede de Washington, organizó una muestra individual de sus obras producidas en dichos países. De su regreso a Caracas, en 1973, Alcántara expone en la Sala Mendoza los paisajes al óleo realizados durante su viaje. En 1975 expuso en la Canning House (Londres), Ibero Amerika Verein (Hamburgo, Alemania) y en la Galería de Arte Moderno (Caracas). Sus obras han participado en importantes colectivas, entre ellas: "Doce maestros" (GAN, 1981), "Lecturas de arte nacional" en homenaje al Círculo de Bellas Artes (GAN, 1987) y "Autorretratos: laberintos de la identidad, 1820-1989" (GAN y Los Espacios Cálidos, 1990). La GAN, que posee varias obras del pintor realizadas entre 1919 y 1952, entre ellas un autorretrato de 1919 y Vista del Palacio de Miraflores desde Monte Piedad (1925), organizó en 1991 una importante retrospectiva de la obra de Alcántara. En su monografía sobre el artista, escribió Carlos Silva: "su paisajística no es registro objetivo-positivista (como el de Pedro Ángel González, por ejemplo), ni exaltación romántica subjetivista, ni proyección de lo orgánico interior en el exterior para una posible resignificación de los abismos psicofisiológicos. Se trata, en Alcántara, de restituir todo su descomunal poder a la Gran Morada, a esta tierra donde vive y muere el existente. No le interesa el dato objetivo sino en tanto que éste permanezca como posible identificación icónica. Le importa el símbolo (eso no implica que el maestro pertenezca a la llamada escuela simbolista) en el arte porque con él y a través de él, puede dar una versión legítima y legible de cómo la existencia del artista y su trabajo son capaces de instaurar mundos, significaciones y no cosas" (1993, p. 51).

2 Exposiciones individuales

1920 "Exposición de pintura", Academia Nacional de Artes Plásticas, Caracas

1922 "Paisajes y figuras", Club Venezuela, Caracas

1949 Casa del Escritor, AEV

1952 "Óleos y apuntes", MBA

1965 "Antonio Alcántara. Pintor múltiple y emocional", Sala Mendoza

1967 Sala Mendoza

1968 "Retrospectiva homenaje", Galería de Arte Moderno, Caracas

1969 Galería Emile Walter, Nueva York / Galería de Arte Moderno, Caracas / Sala Mendoza

1970 Galería Marcel Bernheim, París / Instituto de Cultura Hispánica, Madrid

1971 Galería de Arte Moderno, Caracas

1972 "Dibujos y óleos", Galería Li, Caracas

1973 "Oils", OEA, Washington / "Obras ejecutadas en Venezuela, Francia, España, Japón y Hawaii", Sala Mendoza

1975 Canning House, Londres / "Ausstellung des venezolanischen Malers: Antonio L. Alcántara", Ibero Amerika Verein, Hamburgo, Alemania / Galería de Arte Moderno, Caracas

1979 Galería Otto Nagel Haus, Berlín

1982 Sala Julio Arraga, Maracaibo

1991 "Del paisaje y la figura", GAN

3 Premios

1930 Medalla de plata y diploma, "Exposición internacional", Lieja, Bélgica

1951 Diploma, I Bienal Hispanoamericana de Madrid

1952 Premio Federico Brandt, XIII Salón Oficial / Premio Antonio Edmundo Monsanto, X Salón Arturo Michelena

1969 Diploma de honor, "Exposición internacional de arte contemporáneo", Mónaco

4 Colecciones

Banco Caracas, Caracas / GAN / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo de Ciudad Bolívar

5 Fuentes

- Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.

- Ginnari, Rafael. Antonio L. Alcántara. Caracas: Pequeña Enciclopedia Venezolana de Pintura, 1972.

- López Méndez, Luis Alfredo. El Círculo de Bellas Artes. Caracas: Inciba, 1969. Segunda edición en Caracas: Editora El Nacional, 1976.

- Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.

- Silva, Carlos. Antonio Alcántara. Caracas: Inelectra, [1993].

 

Alcázar Vicente

n. Madrid, 1944

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Fuentes

1 Vida y obra

Dibujante. En 1974 se establece en Maracaibo. Ilustrador de tiras cómicas y comerciales de formación autodidacta. Ha publicado en revistas extranjeras, como IPC Magazines (Inglaterra), Phoenix (Francia), Warren Magazines, Marvel Comics, D.C. Comics y New York Magazine (Estados Unidos). En 1971 expone en la Galería Gaudí de Maracaibo y, en 1979, presenta en el Centro de Arte Euroamericano de Caracas dibujos de gran formato realizados en tinta china sobre papel. Según Juan Calzadilla, las ilustraciones de Alcázar proponen ideas que requieren mayor reflexión que las tiras cómicas comunes: "para Alcázar existen las mismas limitaciones que el cómic presenta a una función plástica de signo expresivo, puesto que la imagen de una historieta se asocia con un discurso narrativo, desprovisto por su carácter de diseño de las modulaciones y valores que hacen de la pintura o el dibujo lenguajes autónomos, legibles en tanto que lenguajes transparentes a sí mismos" (1979).

2 Exposiciones individuales

1975 Galería Gaudí, Maracaibo

1978 Galería de Artes Visuales, LUZ

1979 Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1980 Centro de Arte Euroamericano, Caracas

3 Fuentes

- Calzadilla, Juan. Alcázar (catálogo de exposición). Caracas: Centro de Arte Euroamericano, 1979.

- Cinap, A 81.

- Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Segunda parte (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1981.

- Manos de siempre, signos de hoy. Dibujo actual en Venezuela (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1979.

Aldana José Luis

n. La Libertad, Edo. Barinas, 10.5.1952

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor, dibujante y escultor. Su familia se instala en Barquisimeto en los años sesenta. En 1970 viaja a Europa para estudiar técnica turística internacional, francés e inglés. En Toulouse (Francia), toma cursos y talleres libres de pintura y dibujo, mientras recorre Europa. En 1983 regresa a Venezuela y se dedica por completo a la pintura, el dibujo y la escultura. La obra de Aldana proyecta situaciones donde poco importa la perspectiva o la determinación de los espacios. Dentro de la creación de ambientes utiliza la técnica de los mosaicos, la madera y el vitral, o introduce elementos yuxtapuestos siempre en concordancia con la naturaleza tropical, "[…] en ciertas ocasiones divide la cara en dos, la cual pareciera no tener relación entre ambos planos, pero ella se da por la posición de figuras un tanto chagalianas y haciendo caso omiso a la gravedad. Estos espacios surgen por la utilización de colores contrastantes, oponentes, fuertes" (Aranguren, 1989). Posteriormente Aldana ha investigado el paisaje con un planteamiento alejado del tradicional. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, entre ellas, el IV Salón de Artes Plásticas de Occidente (Mérida, 1985), "Cada uno es cada cual" (Galería Municipal de Arte, Barquisimeto, 1990) y "Lara al pie del Ávila", (Centro de Artes Integradas, Unimet, 2004).

2 Exposiciones individuales

1985 Galería Rafael Monasterios, Ucla

1986 Galería Lea, Barquisimeto

1987 Galería Carlos Gauna, Acarigua, Edo. Portuguesa / Galería Municipal de Arte, Barquisimeto

1988 Galería Villalón, Barquisimeto

1989 Museo de Barinas Alberto Arvelo Torrealba, Barinas

1990 Galería de la Cámara de Comercio, Cúcuta, Colombia

1991 Galería La Merced, Maracaibo

1994 Galería Quipus, Barquisimeto

3 Premios

1986 Premio de pintura, Salón Rafael Ramón González, Guanare

1988 Premio de dibujo, III Bienal de Artes Visuales de Maracaibo / Mención de honor, I Bienal de Artes Visuales de Barinas / Primer premio, Salón de Pintura Rafael Ramón González, Araure, Edo. Portuguesa

1990 Premio de dibujo, IV Bienal de Artes Visuales de Maracaibo

1995 Premio Papeles Maracay, XV Salón Municipal de Pintura, Galería de Arte Girardot, Maracay

2002 Premio Conac, XIII Salón Héctor Rojas Meza, Ateneo de Cabudare, Edo. Lara

4 Colecciones

Fundación Galería Juan Carmona, Barquisimeto / MACMMA / Museo Alberto Arvelo Torrealba, Barinas / Museo Carmelo Fernández, San Felipe / Ucla

5 Fuentes

- Aranguren, Willy. "Cuatro alternativas contemporáneas". En: Venezuela plural (catálogo de exposición). España: Fuenterrabía, 1989.

- Aranguren, Willy. "Visión panorámica del arte larense (desde lo prehispánico a lo contemporáneo)" (texto inédito). Caracas, 2004.

Alexandre A.

a. Mediados del siglo XIX

1 Vida y obra

1 Vida y obra

Pintor. Tuvo participación distinguida en las exposiciones anuales de la Escuela de Dibujo y Pintura que dirigía Antonio José Carranza en la década de los cincuenta del siglo XIX. En 1856, la prensa resaltó entre los dibujos a pluma su Belisario (Diario de Avisos, 31 de diciembre de 1856). En 1858, su copia de Tiziano, La bella, fue igualmente reconocida (El Foro, 17 de diciembre de 1858). Finalmente, en la exposición de 1860, Alexandre presentó, con otros artistas, obras en creyón y pinturas de figuras y paisajes: "es ciertamente digna de atención la manera con que están tocados los contornos de estas obras, por la habilidad y pureza con que se desvanecen y se pierden, sin confundirse y sin recortarse" (El Independiente, 3 de noviembre de 1860). En esa ocasión una comisión de la Legislatura Provincial lo incluye entre los autores de obras sobresalientes, subrayando los avances de la Escuela de Dibujo y Pintura que dirigía Carranza (El Independiente, 10 de noviembre de 1860).

Alfa [Alejandro Alfonzo Larrain]

n. La Victoria, Edo. Aragua, 17.5.1908

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1 Vida y obra

Caricaturista. Comenzó en 1923 su carrera como creador vinculado a los medios impresos en El Sol, periódico dirigido por Gerardo Yánez. Ese mismo año pasó a Fantoches, donde colaboró desde el primer número. En ese entonces Alfa no llegaba a los 15 años de edad, aunque sus dibujos impactaron por su madurez. Discípulo de Leoncio Martínez (Leo), Alfa reconoce haber recibido influencia, en sus inicios, de revistas humorísticas argentinas, españolas y francesas en las que colaboraban dibujantes tan notables como Macaya, Bagarías y Bartolozzi; asimismo, por ser abierto a todas las corrientes renovadoras que se hacían sentir en las artes, Alfa adoptó en sus dibujos las líneas quebradizas y las formas geométricas características del cubismo.

A finales de los años veinte pasó por las diversas experiencias que en materia de arte sacudían el país (de Pablo Picasso a Julio Romero de Torres y del indigenismo al futurismo), debatiéndose en las que Aquiles Nazoa definió como "múltiples y dispares fuerzas", y con aportes suyos, dicho también por Nazoa, la caricatura local de este siglo conoció "dos cualidades por las que muy pocos habían brillado: sentido de la modernidad y sentido de la elegancia", y se vio colocada entre las de mayor prestigio en Hispanoamérica. Alfa fue además colaborador de la revista Billiken desde los años veinte. Fundó y dirigió con Rafael Rivero la revista Caricaturas, editada en la célebre Tipografía Vargas y cuyo número inicial salió el 28 de agosto de 1926. En ella participaron Arturo Uslar Pietri, Nelson Himiob, Mariano Medina Febres (Medo) y otros creadores. Alfa dibujaba los cabezales de las diferentes secciones de la revista y realizó caricaturas de algunos colaboradores: Leo, Rafael Michelena Fortoul (Chicharrita), Carlos Eduardo Frías. Su caricatura de Eleazar López Contreras llegó a ser un estereotipo repetido durante años por otros dibujantes.

 

Pablo Domínguez, en un artículo publicado en 1926, comentaba: "cuando [Alfa] se eche a espaldas las tendencias europeas, cuando resuelva despojarse de las influencias extrañas y se busque a sí mismo, tendremos un caricaturista bueno, para eso tiene disposición, juventud y talento". En 1929 fundó la Publicidad Alfa, primera empresa de su género en el país. Fue caricaturista en el vespertino El Heraldo, de la década del treinta; cofundador, con Raúl Carrasquel y Valverde, diagramador y colaborador de la revista Élite. Participó a finales de 1931 en el Segundo Salón de Humoristas Venezolanos, en el cual recibió el primer premio, concedido a comienzos de 1932, con una muestra que tituló "Naturalezas vivas". Hernando Chaparro Albarracín comentó: "Alfa, que lleva varios años en la primera línea de los caricaturistas, esta vez se ha superado a sí mismo, ha demostrado poseer una gran técnica de dibujante decorativo y una esplendidez en la profusión de detalles humorísticos" (1931); a decir de Julián Padrón, por la originalidad de sus caricaturas personales, era el creador de un nuevo género. Alfa trató el tema de la conquista "con un sentido novísimo del color" y en cuanto a las caricaturas de personajes famosos que realizó con frutas o piezas de vajilla, "su travesura, su acendrado humorismo capta de los personajes de nuestro mundo actual, ese gesto que el espejo esconde en el mercurio". A la muerte de Juan Vicente Gómez, publicó el primer diario en aparecer tras ese acontecimiento, La Libertad, el cual duró pocos meses por la censura que de algún modo persistió en el posgomecismo, de allí que el título del último número rezara "Existiendo la censura no puede existir La Libertad". En 1937 fue secretario de la Comisión de Artes Plásticas del Ateneo de Caracas, organizador y jurado de aceptación del Tercer Salón de Humoristas Venezolanos. Su última actividad como humorista gráfico fue una caricatura diaria en La Esfera, la cual dejó de realizar al salir electo diputado por el estado Aragua durante los gobiernos de Eleazar López Contreras e Isaías Medina Angarita. Como congresista llegó a ser vicepresidente de la Cámara de Diputados y en 1938 redactó la primera ley de turismo del país. Como educador fue director fundador de El Correo Escolar. Para ese entonces Alfa había abandonado la caricatura, que no volvió a retomar, dedicándose a actividades en los campos industrial y urbanístico.

2 Premios

1932 Primer premio, Segundo Salón de Humoristas Venezolanos, Ateneo de Caracas

3 Colecciones

4 Fuentes

- "Segundo Salón de Humoristas Venezolanos. Veredicto del jurado". En: Billiken. Caracas, 16 de enero de 1932.

- Cedeño, Claudio. "La caricatura en Venezuela". En: Arte Quincenal, 52. Caracas, 1976.

- Chaparro Albarracín, Hernando. "Notas humorísticas. Ensayo nudista sobre el II Salón". En: El Universal. Caracas, 23 de diciembre de 1931.

- Domínguez, Pablo. "La evolución de la caricatura en Venezuela". En: Caricaturas, 1. Caracas, 28 de agosto de 1926.

- Fuentes, Elizabeth. "Humor de antes". En: El Nacional, edición aniversaria. Caracas, 1985.

- Nazoa, Aníbal. "La inteligencia frente a Gómez". En: El Nacional, edición aniversaria. Caracas, 1985.

- Nazoa, Aquiles. "Humorismo gráfico en Venezuela", Revista M, nº 47, X. Caracas, diciembre de 1973, pp. 19-27.

- Nazoa, Aquiles. Los humoristas de Caracas, 2 vv. Caracas: Monte Ávila, 1990. Primera edición en 1967.

- Padrón, Julián. "Discos del Segundo Salón de Humoristas". En: Élite. Caracas, 26 de diciembre de 1931.

- Torres, Ildemaro. El humorismo gráfico en Venezuela. Caracas: Maraven, 1982.

- Villanueva y López de Uralde, Francisco. "Arte venezolano: El Segundo Salón de Humoristas". En: El Universal. Caracas, 29 de diciembre de 1931.

  Alfonso J.M.

 a. Venezuela, 1838

 1 Vida y obra

  1 Vida y obra

Retratista en miniatura y dibujante. En su gran mayoría, los pintores y dibujantes extranjeros que arribaron a Venezuela durante el siglo XIX no tenían mayor renombre en sus respectivos países de origen; es por eso que en muchos casos no se cuenta con más información que la de un aviso de prensa por el que se anunciaban como pintores al llegar a Caracas. J.M. Alfonso es uno de ellos. Por el diario La Bandera Nacional, el 9 de octubre de 1838, se ofrecía como "retratista en miniatura" y para "la enseñanza del dibujo […] bien en una academia particular que piensa abrir o en las casas de cada individuo, lo mismo que la aritmética y primeras letras".

Alfonzo Larrain, Alejandro, ver Alfa

  Alfonzo

Alfonzo Carolina

n. Caracas, 5.11.1946

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

  1 Vida y obra

Ceramista. Su formación académica incluye estudios de arte, dibujo, pintura y cerámica en el College of New Rochelle (Nueva York, 1964-1966), la Escuela de Artes Plásticas Julio Arraga (Maracaibo, 1974-1977) y la Escuela Cristóbal Rojas (1978). Ha formado parte activa de la AVAF, donde ocupó diversos cargos hasta asumir su presidencia durante el período 1984-1986. En 1981 realiza un curso de especialización en cerámica funcional con el profesor Warren Mackenzie de la Universidad de Minnesota (Estados Unidos), dictado en la Escuela Cristóbal Rojas. En esta década continúa su investigación sobre la cerámica, lo que la conduce al estudio de diferentes técnicas como el Raku, en la Fundación Mendoza, y de la cerámica utilitaria en la Universidad de Florida Atlantic, Boca Ratón, Estados Unidos. Asimismo siguió cursos con especialistas como Clary Illean, Odile Culas-Bonnin, David Leache y Linda Christianson, entre otros. En 1980 presentó su primera muestra individual "Gres y porcelana" en la Galería Terracota de Caracas, con 62 obras entre tazones, piezas de bordes acanalados y ovoides, esferas y boles, las cuales, según la artista "fueron horneadas con una técnica muy antigua, lo que le permitió darle un cambio de color que resulta muy satisfactorio por la riqueza de las tonalidades obtenidas, ya que todas las impurezas de las arcillas afloran a la superficie de los esmaltes" (El Universal, 6 de noviembre de 1980). De esas mismas piezas Reina Herrera comentó que "los esmaltes son como una delicada piel que envuelve las formas llenas de sugerencias y no hay ninguna pugna entre la escogencia de la técnica y el mensaje" (1980). La artista ha exhibido y confrontado su trabajo en diferentes muestras colectivas como el VII Salón Nacional de las Artes del Fuego (Valencia, Edo. Carabobo, 1979), XIII Exposición Artes del Fuego (Sala Mendoza, 1980), I Bienal Nacional de Artes Visuales (Sala Cadafe, 1981), "8 ceramistas venezolanos" (Meeting Point Art Center, Miami, Florida, Estados Unidos, 1981), "Muestra de ceramistas venezolanos" (Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, 1982), XL Salón Arturo Michelena (1982), X Salón Nacional de Artes del Fuego (Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo, 1983), I y II Trienal Internacional de la Cerámica Pequeña, (Zagreb, 1984 y 1987) y "Las artes del fuego de Venezuela" (Galería Blas & Knada, Estocolmo, 1987), entre otras. En 1988 presenta la individual "Vasijas desnudas" (Galería Vía, Caracas), en la que expone obras cuya "pureza de sus formas, sumamente peculiares […] es el resultado de la unidad de criterio estético entre el concepto y la ejecución. Sus piezas, dotadas en algunos casos de irregularidad aparente en los bordes, poseen un acabado impecable en lugares menos visibles como el fondo y la base, los cuales, perfectamente retorneados, proporcionan un máximo de equilibrio y apoyo a estos objetos que por momentos parecen flotar" (Delgado, 1988). Ha recibido diversas distinciones, entre ellas, el Premio Nacional de las Artes del Fuego del XI Salón Nacional de las Artes del Fuego (Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo, 1984) por un conjunto de boles abiertos que conjugaban el diseño clásico con lineamientos estilísticos novedosos. Su trabajo lleva impreso en todo su contenido un lenguaje plástico importante producto de una impecable técnica donde el diseño, la escala, la investigación y la reflexión sirven de canales para que la artista pueda manifestar su creatividad.

2 Exposiciones individuales

1980 "Gres y porcelana", Galería Terracota, Caracas

1984 "Nuevas vasijas de siempre", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1988 "Vasijas desnudas", Galería Vía, Caracas

3 Premios

1979 Premio Cerámica Carabobo, VII Salón Nacional de las Artes del Fuego, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1981 Premio Fundación Neumann, IX Salón Nacional de las Artes del Fuego, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Premio Presencia de la Imagen y el Recuerdo de Praxiles Valera, IX Salón Nacional de las Artes del Fuego, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1983 Premio Cerámica Carabobo, X Salón Nacional de las Artes del Fuego, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1984 Premio Nacional de las Artes del Fuego, XI Salón Nacional de las Artes del Fuego, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Medalla especial, I Trienal Internacional de la Cerámica Pequeña, Zagreb

Colecciones

Embajada de Venezuela, París / GAN / Museo de Bellas Artes, Taipei, Taiwan / Museo del Barro, Coro / USB

Fuentes

- "Cerámicas de Carolina Boulton". En: El Universal. Caracas, 6 de noviembre de 1980.

- Cinap, B 125.

- Delgado, Lelia. Carolina Boulton. Vasijas desnudas. Caracas: Galería Vía, 1988.

- Herrera, Reina. Gres y porcelana (catalogo de exposición). Caracas: Galería Terracota, 1980.

 

Almeida Crespo Cirilo

n. ¿San Diego de los Altos?, Edo. Miranda, h. 1871

m. ¿Ciudad de México?, h. 1932

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Rosalio Almeida y Juana Crespo, hermana de Joaquín Crespo. Se trasladó a Caracas a los 13 años y fue discípulo de Jacinto Inciarte. Posteriormente realizó estudios en la Academia de Bellas Artes entre 1883 y 1884, los cuales interrumpe para enrolarse en el ejército. Hacia 1888 parte al exterior y se residencia por breves lapsos en Cartagena, Colón y Costa Rica. Recibe clases de Urrutia, el director de la Escuela de Dibujo de La Habana. En Nueva York se destacó como retratista y dibujante del Herald. En agosto de 1895 parte hacia Londres, donde será dibujante del Daily Graphic, el Pall Mall Magazine y el Strand Magazine; también expone en el Instituto Real de Artistas Británicos y en las Galerías Doré de Bond Street. Una obra suya, Alegoría, es publicada en la portada de El Cojo Ilustrado del 1 de mayo de 1898, con estudios y una reseña de la vida del artista. En el número del 15 de julio de ese mismo año publica un dibujo de las pequeñas embarcaciones del Támesis. En 1900 viajó a París y estuvo con José María Vera León en la "Exposición universal internacional". Ese año El Cojo Ilustrado publica algunos trabajos suyos, Pierrot en el cementerio y Hamlet en el cementerio (15 de enero de 1900). Antes de regresar a Venezuela, hacia 1913, estuvo en Canadá. Ya en Caracas se dedicó a la enseñanza artística en la Academia de Bellas Artes y, en mayo de 1913, expuso en la BN su célebre Estrella matutina (colección GAN), que ejecutó entre 1902 y 1912. "Cuidado, largos tanteos, prolijos estudios y acomodos que son la explicación del extenso plazo empleado por el artista en su obra", escribía Leoncio Martínez en El Universal, el 22 de mayo de 1913 (citado en Palenzuela, 1983, p. 114). El 14 de octubre de 1913 se develó su retrato del Libertador, a partir de la miniatura de Juan Bautista Ugalde, en el MRE (El Cojo Ilustrado, 15 de octubre de 1913). Almeida realizó asimismo un estudio anatómico de la cabeza de Bolívar, que publicó en El Cojo Ilustrado el 15 de enero de 1914, y el dibujo del proyecto del monumento a Antonio Herrera Toro diseñado por Rafael A. Römer (El Cojo Ilustrado, 1 de agosto de 1914). Aún en 1920 se encontraba en la Academia de Bellas Artes como profesor de pintura, anatomía y composición. Hacia 1923 se trasladó a México, donde según unas fuentes falleció (Ginnari, 1968), aunque también se señala su muerte en La Habana (Pacheco Soublette, 1948).

 

Su obra pictórica fue muy escasa. De él también se conoce una copia del retrato de W. St Auburn Bentley (actor inglés), realizado antes de 1912 (colección GAN), que recuerda algunos retratos de James McNeill Whistler. "Fue hábil dibujante y colaboró en El Cojo Ilustrado, en donde se reprodujo, a plena página, por ejemplo, su Stella matutina [sic] [1 de junio de 1913]. Su obra más notable es un importante lienzo del Libertador que permanece en el Palacio de Miraflores, y cuyo boceto se conserva en el Museo Bolivariano de Caracas" (Boulton, 1968, p. 244). Leoncio Martínez escribió: "pintor extraño, no trayendo en sus métodos semejanza alguna con los modernos ingleses, como todos lo esperábamos, sino vuelto hacia un tradicionalismo remotísimo, lo cual le hace una personalidad especial en medio de las actuales tendencias artísticas hacia la dinámica, cuando los futuristas proclaman que un caballo corriendo tiene 20 patas y un automóvil en marcha entra en la calle y la calle entra en el automóvil, y que todo eso hay que pintarlo" (citado en Palenzuela, 1983, pp. 115-116). Imbuido del prerrafaelismo inglés, inculcó esta modalidad artística en el joven Pedro Centeno Vallenilla.

2 Colecciones

GAN / Museo Bolivariano, Caracas / Palacio de Miraflores, Caracas

3 Fuentes

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Colección de pinturas, dibujos y estampas del siglo XIX. Catálogo general. Caracas: GAN, 1993.

- Coll, Pedro Emilio. "Cirilo Crespo". En: El Cojo Ilustrado. Caracas, 1 de mayo de 1898, pp. 326-337.

- Ginnari, Rafael. Luis Alfredo López Méndez. Caracas: Pequeña Enciclopedia de Pintura Venezolana, 1968.

- Pacheco Soublette, Federico. "Los hombres desconocidos". En: El Nacional. Caracas, 1 de marzo de 1948, p. 4.

- Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.

Alvarado Hernán

n. Isla de Toas, Edo. Zulia, 2.6.1948

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y grabador. En 1968 inicia sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas Julio Arraga de Maracaibo y expone dibujos en la Galería La Mandrágora y la Casa de la Cultura Andrés Eloy Blanco de la misma ciudad. En París realiza estudios en el departamento de artes plásticas de la Universidad de París (1974-1977), el departamento de grabado y litografía de la Escuela Superior de Bellas Artes (1977-1978) y el Atelier de Grabado de Joëlle Serve (1977). Posteriormente en Londres, ingresa al curso avanzado de grabado del Saint Martin's School of Art (1978-1979) y de fabricación de papel en el London College of Printing (1980). En 1982 obtiene un máster en artes en el Royal College of Art y expone en el Essex University Contemporary Art Festival, el Degree Show RCA en Londres y en la Bienal de Mulhouse en Francia. Realizó ilustraciones para los diarios Liberation y Commune de París y Chile Hoy de Bélgica, además de participar en un número especial de Ambit (Londres) y en el Centro del Grabado Contemporáneo de Ginebra (Suiza). En la exposición "Le flaneur des deux rives" (Maracaibo, 1988) rinde homenaje a Guillaume Apollinaire y refleja diversas etapas de su formación, en las que une de manera acabada una simbología específica europea y el atrevimiento cromático y la innovación tropical. En 1989, en su muestra "Oceanía vs. África", da cuenta de un predominio del paisaje, presentando su propia visión e interpretación sobre el ambiente en campos cromáticos que le sirven para vaciar colores, figuras y símbolos. Sus exposiciones "Por el norte el mar de las Antillas" y "Sombras suelen vestir" (1991), son la manifestación visible de todo un esfuerzo técnico, en donde los criterios predominantes se identifican con las relaciones, equilibrios y espacios, cuyos alcances estéticos se perfilan en función de definiciones espontáneas y cargas profundamente emotivas. Aunque en 1992 su figuración era esquemática y gestual, con preponderancia de retículas y contornos, en sus últimas obras, abiertamente abstractas, ha refinado su dominio del acrílico, que mezcla con gel y barras de óleo para agudizar sus transparencias y diferenciar los planos de color. Dueño de un lenguaje actual, Alvarado excita la imaginación del espectador apelando a lo onírico, la fantasía, las referencias literarias de sus títulos, lo lúdico, y también a las asociaciones mentales. En 1995 ilustró la novela de Alexis Fernández, Taberna, medida y ron (Maracaibo: LUZ).

 

2 Exposiciones individuales

1968 "Dibujos", Galería La Mandrágora, Maracaibo

1971 "Dibujos", Casa de la Cultura Andrés Eloy Blanco, Maracaibo

1974 Librería Shakespeare & Co, París

1981 "Drawing & Prints", Darwin Building, RCA, Londres

1982 "Degree Show", RCA, Londres

1988 "Le flaneur des deux rives (El gandul de las dos riberas)", Alianza Francesa, Maracaibo

1989 "Oceanía vs. África", Galería 5, Caracas

1991 "Por el norte el mar de las Antillas", Casa de las Artes, Normandía, Francia / "Sombras suelen vestir", Galería Soporte/Superficie, Maracaibo

1992 "New works", Bolívar Hall, Casa de Miranda, Londres

1993 "Playa inaugural", Galería Zeppia, Valencia, Edo. Carabobo

1994 "Playa inaugural", Galería Art Nouveau, Maracaibo

1996 "Informe para ciegos", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1999 "Nociones elementales", Sala RG

3 Premios

1998 Premio Antonio Herrera Toro, LVI Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / CAMLB / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Maczul / Sala RG

5 Fuentes

- Cinap, A 166.

- Nociones elementales (catálogo de exposición). Caracas: Celarg, 1999.

 

Alvarado José Lorenzo de

a. finales del siglo XVIII - comienzos del siglo XIX

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor activo en la región andina. Probablemente tuvo su taller en Mérida. Su influencia se esparció por toda la cordillera y alrededor de él pronto se formó una escuela. Para Alfredo Boulton su formación se originó en un maestro anónimo del cual se conserva una Coronación de la virgen en la Catedral de Mérida, aunque no alcanzó la perfección de su maestro en soltura de dibujo y habilidad técnica (1964, p. 266). El estilo de Alvarado muestra un sentido profundamente popular (Duarte y Gasparini, 1974, p. 90) que dificulta el seguimiento de sus obras e indudablemente cuestiona muchas de sus atribuciones. De él se conserva un San Juan Nepomuceno (colección sucesión Santiago Hernández Ron), firmado "Josef Lorenzo de Albarado me hizo / año 1795 / agosto", de mediano formato (48,5 x 36 cm). Se ha ubicado asimismo otro San Juan Nepomuceno (colección Arnold Zingg), firmado por el pintor, de formato mayor (156 x 122 cm), pero que debe pertenecer a un período anterior, a juzgar por el carácter ingenuo de la composición. El hecho de encontrarnos con estas obras del pintor firmadas y fechadas es muy importante para el estudio de su obra ya que la pintura regional también mantuvo el carácter anónimo propio de las obras que se produjeron en Venezuela durante la Colonia. Boulton le atribuye 11 pinturas de tema religioso y dos retratos de obispos: el Obispo Manuel Cándido Torrijos y Rigueyro y el Obispo Rafael Lasso de la Vega, ambos de 100 x 78 cm (colección Museo Arquidiocesano, Mérida). Para Boulton estos lienzos corresponden a un período de producción en que su estilo ya había madurado y adquirido más quietud y formalismo, que se ajusta al concepto convencional de su cometido. La esfinge de Torrijos es posterior a 1793. La de Lasso de la Vega fue ejecutada en 1816, como se desprende de la leyenda que figura en la parte inferior del óleo (op. cit., p. 270). Alvarado hacía sus propios marcos decorándolos con motivos florales sobre fondo claro y aplicando la técnica de la témpera con veladuras de óleo de manera que sus marcos y pinturas guardan entre sí una gran unidad y quizás el mejor ejemplo de ello se encuentra en la Inmaculada de la colección Suárez Borges (Duarte y Gasparini, loc. cit.). Carlos F. Duarte ha identificado a un seguidor importante de Alvarado, a quien ha llamado Secuaz de José Lorenzo de Alvarado, con una Santísima Trinidad en el Museo Arquidiocesano de Mérida y obras en el Museo de Arte Colonial de la misma ciudad. Refiriéndose a su producción artística, Juan Calzadilla ha expresado: "la obra de Alvarado no está exenta de rasgos tomados del arte popular por sus soluciones espaciales un tanto esquemáticas y por la simplificación del colorido a una gama de azules; llegó a hacerse de excelente oficio y debido a los nexos de Mérida con el [virreinato de Nueva Granada] es posible que obras de la escuela santafereña no le hayan resultado, en un comienzo, desconocidas" (sin fecha, p. 299). Boulton, por su parte, concluye: "Alvarado muestra notable preferencia por las tonalidades claras, por una pintura sin violentas sombras. Su paleta denota una marcada inclinación hacia las armonías vivas y primarias. Envuelve a los rostros, las figuras y las escenas en una atmósfera uniforme y sin mayores contrastes donde los colores conservan su precisa importancia. Se observa en su obra una especial preocupación por acentuar el rasgo lineal de algunos contornos que rodean a las figuras" (op. cit., p. 270). La GAN posee en su colección Nuestra Señora del Carmen intercediendo por las ánimas del Purgatorio ante la Santísima Trinidad (temple sobre tela, h. 1795).

2 Colecciones

GAN / Iglesia del Llano, Edo. Mérida (atribución) / Museo Arquidiocesano, Mérida (atribución)

3 Fuentes

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, I. Caracas: Editorial Arte, 1964. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Calzadilla, Juan. Una colección de pintura en Venezuela. Obras de arte en la colección Arnold Zingg. Bilbao: La Gran Enciclopedia Vasca, sin fecha.

- Colección de pintura de los siglos XVII y XVIII. Catálogo general. Caracas: GAN, 1999.

- Duarte, Carlos F. Pintura e iconografía popular de Venezuela. Caracas: Armitano, 1978.

- Duarte, Carlos F. y Graziano Gasparini. Arte colonial en Venezuela. Caracas: OCI, 1974.

Alvarado Octavio

n. El Tocuyo, Edo. Lara , 1899

m. Barquisimeto, 1977

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor, dibujante, fotógrafo y muralista. Realizó estudios de fotografía en los talleres de Marcelino [¿Marceliano?] Rodríguez (Caracas), en la Academia de Bellas Artes de Caracas (1919) y en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar (Barquisimeto, 1936-1937). Ya para 1917 estaba activo como fotógrafo y pintor, de acuerdo a los periódicos El Tocuyo y El Torcaz de Barquisimeto (28 julio, 29 agosto y 15 noviembre). En 1945 se dedica a realizar vistas panorámicas de El Tocuyo (Edo. Lara) y participa en la exposición colectiva celebrada con motivo de los 450 años de la fundación de esta ciudad, junto a Ángel Hurtado y Felipe Sánchez. En 1956 obtiene el Premio José Gil Fortoul en el II Salón Julio T. Arze con una obra figurativa, retrato de su madre, titulada Ocaso. Desde entonces participa en numerosas muestras colectivas y salones como el "Homenaje al maestro Rafael Monasterios" (Galería Durban, Caracas, y Centro Profesional, Barquisimeto, 1971), la "Exposición colección de arte de Bancofove" (Galería de Arte Bancofove, Barquisimeto, 1980), el "Segundo festival de pintura larense" (Asociación Pro-Venezuela, Caracas, 1981) y "Luz y espacio" (Museo de Barquisimeto, 1983), entre otras. En 1977 una comisión del Vaticano adquiere obras suyas, de Che María Jiménez y de Trino Orozco. En torno a su pintura, el escritor Hermann Garmendia expresaría que "los paisajes que pintó Octavio Alvarado ofrecen una sobrecarga poética. Contestó a la vida con lirismo. El paisaje vernáculo podía asumir perfiles agresivos en los espinares de su tunas y el alfiletero de los cardones, pero la poética sensibilidad de Alvarado suavizaba aquellas asperezas y las tunas se hacían inofensivas y hasta amables" (1968).

2 Exposiciones individuales

1946 Edificio La Francia, Barquisimeto

1952 Instituto Mosquera Suárez, Barquisimeto

1968 Instituto Mosquera Suárez, Barquisimeto

1972 Galería Durbán, Caracas / Centro Profesional, Barquisimeto

1977 Galería de Arte de Bancofove, Barquisimeto

3 Premios

1949 Primer premio de fotografía, Revista Élite, Caracas

1956 Premio José Gil Fortoul, II Salón Julio T. Arze

Colecciones

Museo de Barquisimeto / Pinacoteca del Vaticano

Fuentes

- Aranguren, Willy. "Orígenes y repercusiones de una Escuela". En: Orígenes y repercusiones de una Escuela (catálogo de exposición). Barquisimeto: Museo de Barquisimeto, 1986.

- Garmendia, Hermann. "Homenaje a Octavio Alvarado". En: VIII Salón Andrés Eloy Blanco (catálogo de exposición). Barquisimeto, 1978.

- Octavio Alvarado (catálogo de exposición). Barquisimeto: Instituto Mosquera Suárez, 1968.

Álvarez Estrada Édgar

n. Caracas, 18.10.1950

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Dibujante y pintor. Hijo del fotógrafo Adalberto Álvarez y de Giselda Estrada. Recibió su formación en la Escuela Cristóbal Rojas durante distintos períodos: entre 1962 y 1963 estudia arte puro con Humberto Jaimes Sánchez, Ramón Vásquez Brito y Alirio Rodríguez; entre 1972 y 1976, artes gráficas con Virgilio Trómpiz, Luis Guevara Moreno, Nedo M.F. y Alirio Rodríguez, y entre 1981 y 1982, ilustración con Abilio Padrón. La influencia del realismo social tanto en la plástica como en la literatura, la nostalgia por la pérdida paulatina de todo el bagaje técnico de la disciplina del dibujo y por la subestimación de que había sido objeto, marcan desde su juventud una especial disposición hacia la figuración. Álvarez Estrada participa en la etapa final del llamado boom del dibujo. Desde sus primeros trabajos se apropia de una iconografía que lo caracterizará a lo largo de su carrera: la armamentística y la heráldica de la Edad Media, ciertos signos y simbología de esa época que contrapone libremente con elementos anacrónicos, la elaboración de un bestiario fantástico y el retrato que, desde cierto punto de vista, se presenta descontextualizado. En el desarrollo de su carrera artística se observan cuatro etapas demarcadas por dos extensas series: la de las armaduras medievales, desarrollada alrededor de los años ochenta y donde introduce el autorretrato, y la de los bestiarios, en la cual trabaja desde sus estudios de ilustración y que está relacionada con la tradición gráfica desarrollada en la Edad Media, adaptando a su vez los refinados procedimientos de artistas como Giuseppe Arcimboldo (Galería Minotauro, Caracas, 1984). Los animales fantásticos del artista son representados de perfil y pone en ellos especial énfasis en la elaboración de texturas. Estas series se hibridan posteriormente, dando lugar a una tercera en donde el contraste y lo fantástico es explotado al máximo (Consulado de Venezuela, Nueva York, 1985). Por último, y gracias a la amplia utilización del collage y algunos medios de tinta, empieza a aparecer tímidamente el color hasta abarcar gran parte de su producción actual en donde el color es usado en función del dibujo o como instrumento de éste (Centro de Arte Euroamericano, 1993).

Hacia finales de la década de los noventa, el artista incorporó a su trabajo la gestualidad sin alejarse de su visión académica e hizo mayor uso de la perspectiva. Juan Calzadilla ha escrito que Álvarez Estrada es "entre los nuevos dibujantes venezolanos uno de los que, a lo largo de su carrera, ha mostrado mayor talento para jugar con nuevos medios de expresión, combinándolos inteligentemente. […] Con él apareció en nuestra plástica un mayor atrevimiento, cierto desparpajo que tocaba justamente, incluso trasmitiéndoselos a la pintura, el humor y lo lúdico que antes sólo parecían accesibles, en medio de tanta seriedad como la que nos circunda, a la ilustración" (1988, s.p.). A partir de 2000 el artista construye una nueva iconografía de los próceres de la Independencia (tomando como referencia obras creadas por maestros de la pintura venezolana) e intensifica su trabajo relacionado con la figura de Francisco de Miranda en La Carraca, empleando grandes formatos y masas de color, y considerando la influencia neoclasicista, simbolista y naturalista propia de artistas académicos nacionales como Arturo Michelena y Cristóbal Rojas. Además de su constante actividad plástica, Álvarez Estrada se ha desempeñado como profesor de dibujo de diversas instituciones: entre 1983 y 1987 en el Taller Teatro Cristo Rey (Fundarte); entre 1980 y 1983 y entre 1985 y 1990 en el Instituto José Vargas, y entre 1991 y 1993 en el Instituto Federico Brandt.

2 Exposiciones individuales

1984 Galería Minotauro, Caracas

1985 Consulado de Venezuela, Nueva York

1988 "Sobre gallos y bestias", Los Espacios Cálidos / Galería Estudio A, Barquisimeto

1989 "Dragontario", Centro de Arte Euroamericano, Caracas / Galería Atrium, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

1990 Instituto Venezolano de Cooperación, Basseterre, San Cristóbal y Nevis

1993 "Re-tratos de retratos", Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1996 "De las maneras de volar", Fundación Previsora, Caracas / Consulado de Venezuela, Nueva York

1998 "Haciendo aguas", Fundación La Previsora, Caracas

2001 "Re-tratamientos", Museo Bolivariano, Caracas

3 Premios

1981 Premio de adquisición, I Salón de Jóvenes Artistas, MBA y MACC / Premio Emilio Boggio, XXXIX Salón Arturo Michelena

1984 Primer premio de dibujo, II Bienal Nacional de Dibujo y Grabado Fundarte, Museo de Arte La Rinconada, Caracas

1986 Premio de dibujo, II Bienal de Artes Visuales de Oriente, Cumaná

1988 Premio INH, Bienal Nacional de Artes Plásticas, Caracas

4 Colecciones

CANTV / Fundarte / GAN / MACCSI / MACMMA / MACU / MAO / MBA / Museo Bolivariano, Caracas / OEA, Washington / Venezuela Center Art Gallery, Nueva York

5 Fuentes

- Archivo del artista.

- Calzadilla, Juan. "Autorretrato de bestiarios". En: Sobre gallos y bestias (catálogo de exposición). Caracas: Los Espacios Cálidos, 1988.

Álvarez García Cruz

n. Petare, Edo. Miranda, 3.5.1870

m. Caracas, 15.8.1950

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor y dibujante. Hijo de Rafael Álvarez Menéndez y Seferina Trío, fue bautizado con el nombre de Cruz María de Jesús. Al cumplir los 14 años, en 1884, se inscribió en la Academia de Dibujo y Pintura y al fundarse la Academia de Bellas Artes en 1887 bajo la dirección de Emilio J. Mauri, Álvarez García figuró entre sus primeros alumnos. En 1890 recibió la condecoración del Busto del Libertador en su cuarta clase. Su maestro de escultura en la Academia, Rafael de la Cova, lo dejó encargado de su cátedra en dos ocasiones al ausentarse al extranjero. En 1895 participó en la exposición en homenaje al mariscal Antonio José de Sucre, donde expuso su busto de Domingo Ramón Hernández (El Tiempo, 21 de febrero de 1895). Colaborador de El Cojo Ilustrado, sus ilustraciones fueron destacadas en la edición del 1 de mayo de 1896. Poco después recibe una beca, firmada por Martín Tovar y Tovar, Emilio J. Mauri y Arturo Michelena (quien celebró su busto de Hernández) para realizar estudios en París donde asistirá al taller de escultura de Duval y Jean-Alexandre Joseph Falguière, uno de los iniciadores del realismo en escultura. Álvarez García mereció reconocimientos en los salones de la Academia Literaria y Artística de París con un busto de Fortunato Corvaia, en 1897, y un retrato en altorrelieve de Mauri en 1899. En 1898 ilustró el libro Regionales de José Antonio Espinoza (París: Librería de Garnier Hermanos).

Regresó al país a mediados de 1900 (El Cojo Ilustrado, 15 de junio), tras la suspensión de su beca el 17 de noviembre de 1899 —apenas ascendía Cipriano Castro al poder—. En 1901 fue, con Victoriano de Vicente Gil, director del departamento de grabado y colaborador gráfico de El Pregonero, en donde tomaba del natural diversas facetas de la vida caraqueña (Abreu, 1990, p. 131) y en 1903 realizaba, con Ramón Cortés Martínez, retratos e ilustraciones para El Eco Nacionalista. Reingresó como profesor de la Academia de Bellas Artes en 1903 y en 1907 es nombrado profesor de escultura (El Cojo Ilustrado, 15 de noviembre de 1907). Para 1915 integró la Junta Representativa del Círculo de Bellas Artes junto con Ángel Cabré i Magrinyà, Miguel Carabaño, Leoncio Martínez y Antonio Edmundo Monsanto; en ese mismo año modela y concluye su célebre Cristo yacente, escultura en yeso policromado que estuvo durante algún tiempo en la Santa Capilla (actualmente pertenece a la colección Lilian Álvarez) aunque el escultor esperaba vaciarla en bronce. En una entrevista a Leoncio Martínez (El Nuevo Diario, 15 de enero de 1916) se lamentaba de realizar "arte comercial", refiriéndose posiblemente a las obras de encargo oficial. De Álvarez García son los bronces de Francisco de Miranda en Villa de Cura, Edo. Aragua (sin firma); de José Antonio Anzoátegui en Barcelona, Edo. Anzoátegui, y la talla del busto de Miguel de Cervantes, de 1920, que estuvo colocada durante muchos años en la antigua Plaza España y desde 1985 en El Calvario (Caracas) con su pedestal de altorrelieves que representan la batalla de Lepanto y la muerte de Cervantes.

Después de 42 años como profesor de dibujo, escultura y anatomía artística fue jubilado de la docencia en 1945. Entre sus alumnos se contaron Lorenzo González, Alejandro Colina (por quien el profesor sintió predilección), Andrés Pérez Mujica, Pedro Basalo y Francisco Narváez. Una de sus últimas entrevistas la concede a Carmen Clemente de Travieso para El Nacional el 4 de noviembre de 1949. Álvarez García dejó un libro inédito, Poemas, que fue publicado en 1966 (Caracas, Tipografía La Bodoniana). Su Cristo yacente llegó a tal deterioro que mereció una nota de prensa (El Nacional, 20 de octubre de 1976) mientras que su busto de Cervantes fue impunemente mutilado. Álvarez García había contraído matrimonio con Ana Sales en 1900. Uno de sus hijos, Cruz Álvarez Sales, alcanzará celebridad como pintor. Francisco Da Antonio al referirse a su obra señaló: "Cruz Álvarez García aparece en su momento no sólo como 'una esperanza de la patria', tal la intuición del general Joaquín Crespo, sino también como un pionero de un arte cuya presencia se había interrumpido entre nosotros desde la desaparición de los imagineros coloniales. Entre éstos y el petareño media casi un siglo de silencio. De modo que a él le correspondió la tarea de enlazar con su obra aquel legado y de garantizar con el sacrificio de lo suyo la continuidad y posterior afirmación de la escultura en Venezuela, sobre todo si sabemos que el único antecedente llamado a revivir nuestra escultura queda referido al 'Curso de Escultura' que inauguró Guzmán Blanco en la Universidad Central, intento de muy escasas consecuencias —al decir de Pedro Briceño— pues al marchar a Europa su director, Eloy Palacios, la Universidad cerró sus puertas a la continuidad de dicha empresa. Cruz Álvarez García demostró, simple y heroicamente, que sí era posible" (1982, p. 28).

2 Premios

1897 Tercera medalla, Concurso de Escultura, Academia Literaria y Artística, París

1899 Segundo premio, Concurso de Escultura, Academia Literaria y Artística, París

3 Colecciones

Panteón Nacional (Monumento a la Federación), Caracas / Parque El Calvario, Caracas

4 Fuentes

- Abreu, Carlos. La fotografía periodística: una aproximación histórica. Caracas: Conac, 1990.

- Academia Nacional de Bellas Artes. Documentos relativos a la solemne inauguración de este instituto verificada el 2 de octubre de 1887. Caracas: Imprenta y Litografía del Gobierno Nacional, 1887.

- Archivo Petare, Edo. Miranda, Bautismos, 10.

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.

Álvarez Sales Cruz

n. Caracas, 27.3.1906

m. Caracas, 21.3.1947

1 Vida y obra 2 Exposiciones póstumas 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo del escultor Cruz Álvarez García y Ana Sales. Realizó estudios en la Academia de Bellas Artes, la Academia de San Fernando y en la Academia de Artes y Oficios de la Lonja de Barcelona (España); posteriormente se residenció en París. Tras cuatro años de ausencia, hacia 1924 regresa a Venezuela, donde se dedicó a la actividad periodística y, en especial, a la crónica artística. Su trabajo está ubicado dentro de la temática paisajista de la Escuela de Caracas: escenas rurales y marinas de los alrededores de la capital. En 1944 sus obras fueron incluidas en la "Exposición del paisaje venezolano" (MBA). En 1968, la Galería Li expuso 36 paisajes de Álvarez Sales. "Amante de su tierra, no buscó nunca temas extravagantes; supo encontrar en la naturaleza todo lo bello que ésta encierra para interpretarla, llevado sólo por su sensibilidad artística. Cualquier rincón de nuestra geografía, tal vez inadvertido por muchas personas como un simple rancho campesino, un uvero junto al mar, una palmera, eran convertidos por Álvarez Sales en remansos de paz para el espíritu; por esto hay que mirar con calma cada cuadro en su delicada intimidad" (L.I.P., 1968). De su obra, la GAN posee en su colección tres óleos: Paisaje de Río Chico; Paisaje del litoral y Paisaje.

2 Exposiciones póstumas

1968 Galería Li, Caracas

3 Colecciones

GAN / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

4 Fuentes

- Cinap, A 27.

- Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.

- L.I.P. Cruz Álvarez Sales (catálogo de exposición). Caracas: Galería Li, 1968.

- Planchart, Enrique. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979.

 

Álvarez César

n. Caracas, 25.2.1946

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Grabador. Hijo de Antonio Álvarez y María Caguana. Entre 1961 y 1965 estudió en la Escuela de Artes Plásticas Carmelo Fernández de San Felipe. A finales de 1966 se traslada a Caracas, realiza cursos en el Centro de Arte Gráfico del Inciba (1967-1968) y en el departamento de arte del IUPC, del cual egresa en 1973. En 1966 inicia su actividad expositiva con una individual en la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios de Maracay. Alberto Guédez acotó sobre su obra: "en los trabajos de este joven artista hay una marcada tendencia expresionista dentro de las nuevas técnicas contemporáneas. En efecto, unas veces valiéndose de piezas mecánicas, tales como piezas de motores de reloj, incisas en las planchas o ya dispuestas sobre las mismas, logra interesantísimos relieves que nos recuerdan un algo ancestral, un sabor del vitalismo primitivo. Así, dejando a un lado los valores del negro y el color, y en base a variedad de texturas y de blancos, logra composiciones ricas en sensibilidad y en armonía plástica" (1966). En 1976 viaja a Europa y realiza cursos de especialización en grabado sobre metal en el Chelsea School of Art (1976-1977), Central School of Art and Design (1976-1977) y en la Escuela de Arte Camberwell en Londres (1977-1978). Profesor de sistemas de impresión en el Instituto Neumann y de diseño básico en la Escuela Cristóbal Rojas. Ha participado en la "Octava exposición nacional de dibujo y grabado" en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (UCV, 1966), el XI Salón D'Empaire (1966), el XXVII, XXVIII y XXIX Salón Oficial (1966-1968) y de manera regular en las exposiciones de gráfica de la Sala Mendoza (1970-1978) y en el Salón Arturo Michelena (1968-1984). En 1986, junto a Oswaldo Verenzuela, Carlos Poveda y Octavio Russo, entre otros, integró "Siete estampadores contemporáneos de Venezuela" (Consulado de Venezuela en Nueva York). Este año expuso en el MACC trabajos gráficos realizados en serigrafía. "A partir de elementos formales estrictamente geométricos donde la simetría lineal es rigurosa, la utilización de una rica variedad de recursos gráficos […] le permite liberar la rigidez del elemento primario y llegar, a través de la interacción controlada, a un resultado donde su imaginación se suelta de riendas y el esclavo de la técnica consigue independizarse de ella" (Laufer, 1986). La investigación gráfica de César Álvarez se fundamenta en el movimiento ocasionado por la línea que construye diferentes planos, y en el volumen creado para expresar formas y relieves que sin uso recurrente del color surgen sobre el blanco soporte del papel.

2 Exposiciones individuales

1966 Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, Maracay

1978 Escuela de Arte Camberwell, Londres

1986 "Rotaciones estáticas", MACC

3 Premios

1968 Primer premio, Salón de la Facultad de Ciencias, UCV

4 Colecciones

BN / Escuela de Arte Camberwell, Londres / Fundayacucho / GAN / MACCSI / Museo de Arte Costarricense, San José de Costa Rica

5 Fuentes

- Cinap, A 19.

- Guédez, Alberto. Estructuras metálicas (catálogo de exposición). Maracay: Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, 1966.

- Laufer, Miguel. Rotaciones estáticas (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1986.

Álvarez Darío

n. Montevideo, 8.9.1945

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Realizó estudios en el Taller Torres García de Montevideo. En su país, expuso en la Escuela del Sur en varias oportunidades, así como en el Salón de Arte Moderno de Montevideo. Participó en exposiciones colectivas de la Unión Panamericana de Washington y continuó sus estudios bajo la conducción del pintor surrealista uruguayo José Gurbich. En 1964 viaja a Buenos Aires, donde expone en la Galería Amigos del Arte. Entre 1964 y 1967 estudia en París y posteriormente se residencia en Venezuela (1967). Participa en la "Octava exposición nacional de dibujo y grabado" de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV (1966) y en el XXV y XXVIII Salón Arturo Michelena (en 1967 con Vibración en azul y en 1970 con Y después qué?). En 1971 expone junto a Elba Damast en la Gobernación del Distrito Federal (Caracas). Su obra se inscribe en la tendencia surrealista con una temática figurativa de atmósfera onírica.

2 Exposiciones individuales

1964 Galería Amigos del Arte, Buenos Aires

1967 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Ateneo de Puerto Cabello

3 Fuentes

- Cinap, A 20.

 

Álvarez Domingo

n. Santo Domingo, 6.10.1935

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Artista de medios mixtos y arquitecto. Hijo de Pastor Álvarez y Mariana Jiménez. Reside en el país desde 1937. Estudió arquitectura en la UCV (1955-1959) y en Italia hizo un posgrado en urbanismo (Instituto Universitario de Arquitectura, Venecia, 1959-1961). Profesor de urbanismo en la Facultad de Arquitectura desde 1961, obtuvo por concurso la cátedra de composición en el taller Carlos Raúl Villanueva de esa Facultad, la cual ejerció hasta 1979. En 1964 realizó el primer cubo de su serie de Cubos de espejos: una caja cerrada en la que podía contemplarse su interior a través de un visor de 160°. En 1965, con José Ignacio Cabrujas y Rolando Peña, presentó Homenaje a Henry Miller (UCV), que tras las experiencias multidisciplinarias unió en Venezuela por primera vez danza, teatro y cine. En 1967, con un proyecto de instalación donde planteó utilizar espejos transparentes, a escala urbana, gana el primer premio en un concurso organizado por la empresa Montana. Entre 1967 y 1969 formó el grupo Comunicación e Imagen, con el que concibió y realizó la exposición "Minas y petróleo", instalada en el Parque El Conde para el Ministerio de Minas e Hidrocarburos. La exposición era un espectáculo audiovisual que ocupaba varias salas a través de nueve ambientes. En 1968 participó en el XXIX Salón Oficial, con la obra titulada La calle, que ganó el Premio Marcos Castillo creado por la Oficina Central de información (OCI) para obra experimental. En La calle, Álvarez propuso una imagen de la ciudad, ordenando una serie de objetos dentro de una cámara de refracción de reducidas dimensiones que, por efecto de la disposición de los espejos, creaba un espacio virtual que reproducía al infinito la imagen de La calle. Este mismo año realizó, junto con el grupo Comunicación e Imagen, el espectáculo audiovisual La construcción y la ciudad, para celebrar el XIV aniversario del Banco Obrero. Con Gabriel Morera, Manuel Mérida y Nedo M.F. participó en "Confrontaciones 68" (Ateneo de Caracas), con la ambientación Requiescat in pace.

En 1970, para un congreso organizado por el Instituto Latinoamericano del Hierro y del Acero, construye una gran Caja audio-visual. Para ese momento su proyecto Monumento a la aviación, obtiene el primer premio en el concurso realizado para celebrar el cincuentenario de la Aviación en Venezuela. En 1971 construyó tres ambientaciones en el Centro de Relaciones Interamericanas de Nueva York, que concebían el desarrollo de la percepción del hombre urbano como participante y actor en la propia ciudad. Ese mismo año instaló "Espectros, sombras, ilusiones, trabajos ab initio" (Sala Mendoza), 10 obras a escala urbana, en las que emplea vidrio, espejos y luces de neón. En la Galería Conkright de Caracas exhibió "Arena: trabajos íntimos". Hacia 1972, con el patrocinio de la Galería Conkright, presentó en la Feria de Arte de Basilea (Suiza), un corredor ambiental de espejos, instalación laberíntica de corte arquitectónico. Otro de sus corredores, Infinite Images fue presentado en Caltech, California, y posteriormente llevado a universidades y escuelas de arquitectura de Estados Unidos (Austin, Texas, 1973; Lincoln, Nebraska, 1974). Miguel Arroyo los llamó recintos no habitables: "son escultóricas, pero sólo a medias, pues no producen ni apelan a sensaciones táctiles, ni se presentan como una totalidad físicamente abarcable. Son también pictóricas pero únicamente en el sentido de que muchos de los espacios que crean y de las imágenes que producen no son reales, sino reflejos multiplicados de lo real. Y por último, son sólo parcialmente teatrales, pues nos envuelven en una realidad absolutamente irreal que nos obliga a actuar como espectadores de nuestra propia actuación" (1989). En 1973 participó en el XXXI Salón de Artes Plásticas de Caracas con dos cubos de la serie La gramática del espacio, e instala Atmósfera en "Nueve artistas contemporáneos" (MACC): un cuarto de 6 x 6 x 3 m, con paredes y techo de espejo; en el techo del cuarto, un prisma triangular gira provocando variaciones en el espacio. Entre 1974 y 1975 construyó en el Paseo Las Mercedes (Caracas) la Zona prisma, una columna de espejos de 10 m de alto, que gira en una ambientación conformada por carteles luminosos de los comercios, las vitrinas y los corredores de circulación, creando una visión arquitectónica en movimiento.

Entre 1979 y 1989 diseñó el edificio y la imagen del Museo de los Niños (Caracas). En 1991 participó en la exposición "I El espacio, escenario de un museo. II Domingo Álvarez: la gramática del espacio. III Víctor Lucena: la otra imagen" (MBA). En 1992 realiza "Una poética visual para la invención del Caribe" (Centro Cultural Consolidado, Caracas), en la cual desarrolla la idea de cómo aislar y hacer visible el espacio y cómo ponerlo en relación con la mente del espectador; para ello utiliza el vidrio y el espejo como elementos que multiplican la mirada y la percepción del espacio para obtener un ámbito de gran amplitud ilusoria y ambigua. Álvarez reunió en esa ocasión piezas-ensamblajes orientados por la geometría, en cajas de madera, vidrio y arena; cajas-armario, que llamó Los recuerdos del porvenir, y objetos encontrados. Paralelamente a su actividad como artista y arquitecto se ha desempeñado como museógrafo de diferentes muestras expositivas, entre ellas "Zitman" (MACC, 1976) y "Retrospectiva de Alejandro Otero" (MACC, 1985); la curaduría y montaje de las obras de Alejandro Otero en la Bienal de Venecia (1982); de Carmelo Niño, Ángel Peña y Henry Bermúdez en la Bienal de Venecia (1986); de Cornelis Zitman en la Bienal de São Paulo (1987), y de "Armando Reverón. Centenario de su nacimiento" (GAN, 1989). En la arquitectura, Álvarez ha tenido una carrera relevante como proyectista y constructor; en esta disciplina recibió el primer premio del Concurso Nacional de Urbanismo (1961) y fue recompensado en 1967 con el primer premio al diseño en la II Bienal de Arquitectura (1967).

2 Exposiciones individuales

1971 "Arena: trabajos íntimos", Galería Conkright, Caracas / "Espectros, sombras, ilusiones, trabajos ab initio", Sala Mendoza

1972 Centro de Relaciones Interamericanas, Nueva York / Universidad de Pasadena, California, Estados Unidos

1973 Galería Dina Vierny, París / Galería Allan Stone, Nueva York

1974 Universidad de Nebraska, Lincoln, Nebraska, Estados Unidos

1992 "Una poética visual para la invención del Caribe", Centro Cultural Consolidado, Caracas

3 Premios

1957 Primer premio, I Salón Universitario de Pintura, UCV

1958 Primer premio, II Salón Universitario de Pintura, UCV / Primer premio, Salón Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV

1968 Premio Marcos Castillo, XXIX Salón Oficial / Premio Colegio de Arquitectos, XXIX Salón Oficial

1970 Primer premio, Concurso Monumento a la Aviación, Maracay

4 Colecciones

MACCSI

5 Fuentes

- Arroyo, Miguel. Arte, educación y museología. Estudios y polémicas 1948-1988. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1989.

- Cinap, A 21.

- Domingo Álvarez: una poética visual para la invención del Caribe. Caracas: Centro Cultural Consolidado, 1992.

Álvarez Esso

n. Maracaibo, 19.6.1960

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Cursó estudios en el Centro Venezolano de Cine y Fotografía de Caracas (1982-1983) y fue integrante del TAU de la Facultad de Agronomía de la UCV (1982-1986). Estudió agronomía (1982-1985) y comunicación social en la UCV. Fue colaborador del suplemento Primer Día del diario El Aragüeño (1983-1984), del suplemento dominical Cuartillas del diario El Siglo de Maracay (1984-1986) y fotógrafo del semanario Viernes (hasta 1989). En 1988 realizó el taller sobre reporterismo gráfico con Luigi Scotto, promovido por el Conac. En 1985 inicia su actividad expositiva en la I Bienal de Fotografía Regional en la Galería Municipal de Arte (Maracay). Cofundador del grupo fotográfico Movimiento Diafragma (Maracay, 1986), participó en la I Muestra de Fotografía organizada por este grupo en la Sala Manasés E. Capriles del diario El Siglo. Ese año intervino en la muestra "La joven fotografía aragüeña" (Teatro de la Ópera, Maracay) y formó parte del II Simposio Nacional de la Fotografía en San Cristóbal. En 1987 participó en la II Bienal de Fotografía Regional, en la Galería Municipal de Arte (Maracay). Entre otras exposiciones colectivas en las que ha participado, se encuentran: Salón Nacional de Artes Plásticas (sección fotografía, Ateneo de Caracas, 1988), II Salón Nacional de la Joven Fotografía (Sala Cadafe, 1988), XLVI Salón Arturo Michelena (1988), II Bienal de Guayana (1990) y XVI Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay, 1991). En 1995 participó en el II Salón Pirelli con la obra Des-foco, donde obtiene el segundo premio. En 1997 recibió el segundo premio del XVI Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, con su serie Bajo tierra el cielo, un registro sobre el Metro de Caracas. Ese mismo año participa en la VI Bienal de La Habana con imágenes de la serie Mímesis (inyección de tinta sobre tela, 1985-1986), que expuso con Édgar Moreno en el Centro de Arte Euroamericano. Ha trabajado y colaborado desde 1985 en diversos medios de comunicación impresa en el país, tales como las revistas Viernes (1987-1989) e Imagen (1995-1998), los diarios Economía Hoy (1989-1994 y 1998-1999) y El Mundo (1999). Actualmente se desempeña como jefe de fotografía en la Cadena Capriles (Caracas).

2 Exposiciones individuales

1989 "Ensayo fotográfico: visite al sin cuerpo", Galería Municipal de Arte, Maracay

1994 "Rostros del valle", Museo Sacro, Caracas / "Los chamos del 23 y apartamento 711", MACMMA

1995 "Los chamos del 23", Taller de Cine y Video, Glasgow, Escocia

1997 "Mímesis", Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1998 "Ora pro nobis", Galería Ángel Boscán

2000 "Esso que anda (fotografías de Cuba)", Galería Diafragma, Maracay / "Esso que anda (fotografías de Cuba)", Centro de Fotografía, Conac

2001 "Esso que anda (fotografías de Cuba)", Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana

2002 "Esso que anda (fotografías de Cuba)", Ateneo de Caracas

3 Premios

1987 Tercer premio, II Bienal de Fotografía Regional, Galería Municipal de Arte, Maracay

1988 Mención especial, Salón Nacional de Artes Plásticas, Caracas

1993 Tercer premio, III Bienal Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas / Gran premio, I Bienal Dimple, MACCSI

1994 Tercer premio, XIV Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, Conac

1995 Tercer premio, XV Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, Conac / Premio Corpoindustria, XX Salón Aragua, MACMMA / Premio Eladio Alemán Sucre, LIII Salón Arturo Michelena / Segundo premio, II Salón Pirelli

1996 Segundo premio, XVI Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, Conac

1998 Tercer premio, XVII Premio de Fotografía Luis Felipe Toro, Conac

4 Colecciones

Banco de Imágenes, Dirección de Cine, Fotografía y Video, Conac / BN / Casa Christian Dior, París / Casa de las Américas, La Habana / Colección Cisneros, Caracas / Fundación para la Cultura Urbana, Caracas / MACCSI / MACMMA / MBA / Taller de Cine y Video, Glasgow, Escocia

5 Fuentes

- Cinap, A 172.

ENA-MTH

Álvarez Josefina

n. Caracas, 19.3.1940

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Ceramista. Hija de Pastor Álvarez y Mariana Jiménez. Entre 1959 y 1962 realiza cursos de cerámica con Reyna Herrera en la Escuela Cristóbal Rojas, y en 1967 estudia los procedimientos de trabajo de la cerámica con alta temperatura y trabaja en el Taller Allpass (Espergaerde, Dinamarca). Al año siguiente trabaja en la fábrica Formas en Caracas y funda el Taller Once, donde trabaja actualmente. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, entre ellas, las realizadas en la Galería El Pez Dorado (Caracas, 1961), el XXIX Salón Oficial (1968), los salones "Artes del fuego" (Sala Mendoza, 1970-1973, 1975, 1980, 1984 y 1987), el Salón de las Artes del Fuego (UC, 1971, 1974, 1982 y 1983), "Taller de cerámica" (MACC, 1977 y 1984), "III colectiva" (Galería Terracota, 1980), "Trato con el barro" (itinerante por Coro, Barquisimeto, Maracaibo y Porlamar, Edo. Nueva Esparta, 1981), I Bienal Nacional de Artes Plásticas (MBA, 1981), British Crafts Center (Londres, 1985), "América, tierra y fuego" (Galería Deimos, Bogotá, 1989), "La técnica y el arte del barro" (Galería Tito Salas, 1989), "Cinco premios nacionales" (Galería Sólido, El Hatillo, Edo. Miranda, 1994), "Vínculo cerámico: Europa y Venezuela" (Sala Cadafe, 1995), "Diez presencias: las artes del fuego en Venezuela" (GAN, 1995) y "Cerámica en pequeño formato" (Galería Alfa, Monterrey, México, 1997).

Álvarez reúne en su obra lo funcional de sus vasijas con la belleza de sus diseños. Su material de preferencia es el gres, con el que logra efectos y texturas rústicas características. El esmalte se encuentra casi eximido pero cuando lo aplica lo hace con la técnica de inmersión, para que prevalezca el color del barro. Ella misma prepara sus pastas y esmaltes. Álvarez es considerada una alfarera por su excelente trabajo con el torno. Las quemas generalmente son hechas en el horno de gas, aunque en ocasiones, dependiendo de los efectos que quiere lograr, utiliza el eléctrico. "En un momento en que la cerámica en el país parece estar derivando hacia la escultura, donde la búsqueda de una expresión volumétrica domina sobre la búsqueda clásica de la forma torneada y el esmalte sobrio característico de la alta temperatura, Álvarez reafirma su labor de continuar su expresión a través del uso del torno alfarero" (Fernández Shaw, 1983).

2 Exposiciones individuales

1968 Galería XX2, Caracas / Casa de la Cultura, ULA

1970 Top Gallery, Caracas

1973 Casa de América Latina, París

1983 "En torno al gres", Galería G, Caracas

1986 "Encuentro con Morandi", La Librería, Sala Mendoza

1987 "Gres, luz y color", Sala Julio Arraga, Maracaibo

1989 "Una línea para Vía", Galería Vía, Caracas

1991 "El color de la llama", Galería de Arte Gala, Valencia, Edo. Carabobo

1992 "Texturas vibradas", Galería Díaz Mancini, Caracas / "La vasija en gres", Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui

1996 "La vasija en gres", Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui

1997 "Fuentes oferentes", La Librería, Sala Mendoza

1998 "Faros en Terráquea", Tienda, Galería Terráquea, Caracas

2002 "Lajas del camino", Tienda, MACCSI

2003 "Lajas de la memoria", Tienda, Museo de Arte Colonial Quinta de Anauco, Caracas

3 Premios

1968 Premio de artes aplicadas, XXVI Salón Arturo Michelena

1971 Medalla de oro, I Salón Nacional de las Artes del Fuego, UC

1974 Premio Nacional de Artes del Fuego (compartido con Anabella Schafer), II Salón Nacional de las Artes del Fuego, Sala Braulio Salazar

4 Colecciones

GAN / MACCSI / Museo de Ciudad Bolívar

5 Fuentes

- Cinap, A 22.

- Fernández Shaw, Daniel. En torno al gres (catálogo de exposición). Caracas: Galería G, 1983.

Alzaibar Esther

n. San Juan de Puerto Rico, 28.8.1930

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Fuentes

1 Vida y obra

Ceramista. Realizó estudios con Reyna Herrera en la Casa de la Cultura Mariano Picón Salas de Caracas y en la Escuela Cristóbal Rojas (1968-1972). Fue profesora de cerámica del Instituto Neumann (1972-1976) y de la Escuela Cristóbal Rojas (1974-1976). En 1974 participó en la exposición "Ceramistas de Venezuela" (Casa Andrés Bello) y en una exposición del Colegio de Profesores realizada en el Ateneo de Caracas. En 1975, una selección de su trabajo fue incluida en la colectiva "Mujeres artesanales e industriales" (Palacio de las Industrias, Caracas). Ese año fundó el Taller Barro y Fuego en El Hatillo (Edo. Miranda). En 1977 participó en la colectiva "Taller de cerámica" en el MACC, y en 1985 expuso con Renate Pozo en la Sala Ipostel. Ha participado en el VI y VII Salón Nacional de las Artes del Fuego (Valencia, Edo. Carabobo, 1978 y 1979) y en la XII y XIII Exposición Artes del Fuego en la Sala Mendoza (1979 y 1980). En sus inicios confeccionaba al torno formas cerradas ovoides y cilíndricas, especie de esferas muy talladas. Posteriormente estiliza sus formas y realiza boles, vasijas y botellas. Durante una época desarrolló sus "murales", bloques compactos de arcilla tallados. Según Nelly Barbieri, "lo más característico de su obra son los grandes boles abiertos al torno. De pequeñas bases y dilatado diámetro en el borde parece que retaran la sensatez y la estabilidad de la forma" (1998, p. 34). Estas piezas citadas por Barbieri son torneadas en gres, con quemas por oxidación en hornos eléctricos o por reducción en hornos de gas.

2 Exposiciones individuales

1981 Galería Terracota, Caracas

3 Fuentes

- Barbieri, Nelly. El movimiento cerámico en Venezuela. Caracas: Conac, 1998.

- Cinap, A 117.

- Guevara, Roberto. Las manos en el barro. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1978.

Taller de cerámica (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1977.

 

Amato V.

a. Caracas, finales del siglo XIX

1 Vida y obra 2 Colecciones

1 Vida y obra

Fotógrafo. Ofrecía en el estudio Fotografía Parisien vistas de Caracas realizadas con una máquina de movimiento instantáneo y retratos de 11 x 22 pintados a la acuarela en su estudio de Torre a Veroes, 10 (Correo de los Estados, 13 de septiembre de 1894). Para esa época realizó su retrato de Zoila de Castro (plata en gelatina, colección BN). La GAN posee ejemplares de su obra.

  2 Colecciones

BN / GAN

Amundaraín Susana

n. Caracas, 6.2.1954

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora, dibujante y escenógrafa. Entre 1974 y 1976 realiza estudios de arte en el Metropolitan State College en Denver (Colorado, Estados Unidos), donde obtiene la licenciatura en artes. Regresa a Caracas y participa en exposiciones colectivas como el IV Salón Fondene (Sede de Fondene, Porlamar, Edo. Nueva Esparta, 1978) y el V y VI Salón Nacional de Jóvenes Artistas. En 1980 obtiene una beca de posgrado de Fundayacucho e inicia su maestría en artes plásticas en la Universidad de Denver (Colorado, Estados Unidos), que culmina en 1982. Orienta sus estudios hacia la multidisciplinaridad, bajo la tutoría de Mel Strawn. A lo largo de 1982 participa activamente en manifestaciones artísticas experimentales como Untitled (performance con Michael Meyers, Universidad de Denver), Selket (performance con Bill Gian, Spark Gallery), Her body within (performance e instalación, Galería River, Denver, Colorado, Estados Unidos), Nefertiti's dream (obra multimedia de Bill Gian, Centro de Bellas Artes, Houston, Texas, Estados Unidos). Presenta su exposición de tesis en la Galería de la Escuela de Arte de la Universidad de Denver y regresa a Caracas a fines de 1982, donde dicta clases de educación especial en el Centro Experimental de Artes y Ciencias del ME (hasta 1986).

En 1983 realiza su primera exposición individual en la Galería Ángel Boscán, participa en el Salón Nacional de Jóvenes Artistas y, al año siguiente, en la II Bienal Nacional de Dibujo y Grabado y en el XLII Salón Arturo Michelena. En 1985 obtiene el Premio Harijs Liepins en el XLIII Salón Arturo Michelena con Suibue (acrílico sobre tela, colección GAN). Ese año forma parte de la colectiva "Artistas de Venezuela por Amnistía Internacional" (Ateneo de Caracas y Museo de Barquisimeto) y comienza a dictar talleres de artes visuales en el Centro Educativo APUCV de Caracas (hasta 1987). En 1986 presenta la exposición individual "Endoceptos para mirar" (Galería Arte Hoy, Caracas). "La artista recurre al término psicológico endocepto de Silvano Arieti, para expresar a través de su pintura una serie de sentimientos interiores difíciles de definir y que se pueden explicar más como atmósferas" (Hernández, 1994, p. 13). También forma parte de la colectiva "Al filo de la modernidad" (MBA); participa en el XLIV Salón Arturo Michelena y dicta clases de dibujo en el Instituto Federico Brandt (hasta 1989). En 1987 presenta las muestras "El espacio interior del paisaje" (Los Espacios Cálidos) y "Dibujos" (Galería Vía, Caracas); ilustra la portada del catálogo y el afiche del Gran Premio Christian Dior de Artes Visuales (Centro de Arte Euroamericano, Caracas) y el catálogo Una de la otra del grupo Contradanza. Junto con Bill Gian, presenta "Paralelos" en la Galería Arte Hoy (Caracas). En 1988 participa en colectivas como el I Salón Nacional de Artes Plásticas (MBA), la IV Edición del Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza), "La imaginación de la transparencia" (MBA) y "Arte-factos" (Galería Vía, Caracas), y, en 1989, en el Salón Nacional de Pintura (MAVAO), "Un siglo de flores" (Ateneo de Caracas), la I Bienal Christian Dior (MACC) y la itinerante "Amazonia III". También en 1989 expone junto a Luis Lizardo en el Consulado de Venezuela (Nueva York).

Susana Amundaraín comienza por entonces a incorporar formas tridimensionales a sus pinturas e inicia una investigación como profesora invitada en la Tisch School of Art-Performance Studies de la Universidad de Nueva York, bajo la tutoría de Peggy Phelan, a partir del cual desarrolla un proyecto expositivo cuyo objetivo era relacionar las artes plásticas con las escénicas. En esa época dona su obra Chimanta Ur al MBA y en 1990 presenta la exposición "111 dibujos" (Galería Vía, Caracas) y edita un libro bajo el mismo título en el que reproduce los dibujos expuestos junto a textos de Xiomara Moreno; realiza la escenografía de la obra teatral Autorretrato de artista con barba y pumpá, de José Ignacio Cabrujas, dirigida por José Simón Escalona, y participa en las colectivas "Arte abstracto" (Galería Arte Hoy, Caracas), "25 Years of Metro Art" (Centro para las Artes Visuales, Denver, Colorado, Estados Unidos), "10 de los 80 en los 90/parte 1" (Sala CANTV), "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN) y "Venezuela: the Next Generation" (itinerante por varias ciudades de Estados Unidos y Europa). En 1991 expone sucesivamente en las embajadas de Venezuela en Washington y Ciudad de México, y participa en "De Caracas a Bogotá" (Museo de Arte Moderno, Bogotá), "Amarillo, azul y rojo: Contemporary Venezuelan Art" (Hong Kong), "44 x 44 x 44" (Centro de Arte Euroamericano, Caracas), "El espíritu de los tiempos" (junto a Xiomara Moreno, Los Espacios Cálidos) y la III Bienal de Guayana. En 1992, Amundaraín es incluida en "Un marco por la Tierra: proyecto de integración latinoamericana de arte y ecología", que se presenta en varios países latinoamericanos, "Entre trópicos: artistas contemporáneos de los países miembros del Grupo de Río" (MACCSI) y "Monocromías latinoamericanas: un solo color" (Museo de Arte de Maracay). Asimismo presenta una exposición conjunta con Luis Lizardo en el Bolívar Hall (Casa de Miranda, Londres), obtiene el primer premio de pintura en el XVII Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay) y presenta "De derivados" (Galería Vía, Caracas), en la que crea interconexiones entre la pintura y el dibujo. Ese mismo año la empresa Financorp edita una monografía de la artista titulada Susana Amundaraín: una selección de obras 1980/1992, con textos de Phyllis Tuchman y Eliseo Sierra, en la que se señala que Amundaraín pinta "paisajes abstractos" en el sentido menos convencional, y que "las abstracciones que pinta son una 'forma pura de realismo'" (Tuchman, 1992). En 1993 recibe el Premio Municipal de Teatro a la Mejor Escenografía con El príncipe constante de Calderón de la Barca (dirigida por José Simón Escalona) y diseña las escenografías de Bodas de sangre de Federico García Lorca (dirigida por Nenni Delmestre) y Troyanas de Eurípides (dirigida por Javier Vidal). Paralelamente participa en "Venezuela es así" (Casa de América, Madrid). En 1994 es incluida en las colectivas "Post modern botanical" (Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos) y en el Gran Premio Bienal Dimple 15 Años (MACCSI), y presenta la individual "Explosión de una memoria" en el MBA, basada en una obra teatral del dramaturgo alemán Heiner Müller. En 1995 expone en el MACCSI dentro de la colección Fundación Noa Noa, y en el Salón Internacional Estampa (Madrid). Al año siguiente participa en la colectiva de artistas abstractos "Messages from the interior" (Sound Shore Gallery, Nueva York) y en 1997 en "Norte del sur: Venezuelan art today" (Philbrook Museum of Art, Tulsa, Estados Unidos). Desde 1994 reside en Pittsburgh, donde desarrolla su trabajo pictórico; desde 1996 es profesora invitada del Chatham College (Pittsburgh) y, desde 1997, de la Universidad de Virginia Occidental (Huntington, Virginia, Estados Unidos). USH, un acrílico de gran formato de Susana Amundaraín, de 1987, se cuenta entre la colección GAN.

2 Exposiciones individuales

1982 Her body within (instalación y performance), Galería River, Denver, Colorado, Estados Unidos

1983 "Expresiones trazadas", Galería Ángel Boscán

1986 "Endoceptos para mirar", Galería Arte Hoy, Caracas

1987 "El espacio interior del paisaje", Los Espacios Cálidos / "Paralelos", Galería Arte Hoy, Caracas / "Dibujos", Galería Vía, Caracas

1989 "Pinturas recientes", Galería Arte Hoy, Caracas / "111 dibujos", Galería Vía, Caracas

1991 "Paintings", Embajada de Venezuela, Washington / "Pinturas", Embajada de Venezuela, Ciudad de México

1992 "De derivados", Galería Vía, Caracas

1993 "Fluidos, estratos y relaciones", Galería Díaz Mancini, Caracas

1994 "Explosión de una memoria", MBA / Galería 808 Penn Modern, Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos

1995 "Explosión de una memoria", MACMMA

1996 ZDF German TV Network, Nueva York

1997 Chatham College, Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos

1998 "Dúos, estudios y miniaturas", Galería Díaz Mancini, Caracas

3 Premios

1985 Premio Harijs Liepins, XLIII Salón Arturo Michelena

1992 Primer premio de pintura, XVII Salón Aragua, Museo de Arte de Maracay

1993 Premio Municipal de Teatro a la Mejor Escenografía, Alcaldía del Municipio Libertador, Caracas

4 Colecciones

Banco Central, Denver, Colorado, Estados Unidos / Conac / Fundación Noa Noa, Caracas / Fundación Polar, Caracas / GAN / MACMMA / Mamja / MBA / Museo de Arte Moderno, Bogotá

5 Fuentes

- Hernández, Carmen. Explosión de una memoria (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1994.

- Tuchman, Phyllis y Eliseo Sierra. Susana Amundaraín. Una selección de obras 1980/1992. Caracas: Financorp, 1992.

Andrade Armando Rafael

n. Río Chico, Edo. Miranda, 24.7.1921

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. No recibió formación académica. Ex soldado y obrero de tabacaleras en Cumaná, trabajó también como carpintero. En 1956 vivía en Clarines (Edo. Anzoátegui), cuando Alfredo Armas Alfonzo promovió su envío al XVIII Salón Oficial (1957), donde participó con Cerro de los chivos y La casa del negro Lucas. Ese año integró la representación venezolana en la IV Bienal de São Paulo. En 1965 expuso junto a Bárbaro Rivas, Jesús María Oliveros y Gerardo Aguilera Silva en el Salón Pirichu de la UDO (Puerto La Cruz). Para 1968 trabajaba como fabricante de cofres funerarios para recién nacidos en San Celestino de Barcelona. Ese año reunió, en su primera individual (Galería Polo & Bot, Caracas), obras con temática de los pueblos de Unare, Píritu y Puerto Píritu y, en 1969, expuso obras realizadas con guache sobre cartón piedra en la AVP de Barcelona (Edo. Anzoátegui), junto a Raúl Aquiles Sabino. Sus composiciones, generalmente vistas arquitectónicas de casas y pueblos de la costa oriental, están ordenadas siguiendo un principio constructivo que aplica por intuición; la división de la pincelada ha hecho pensar en los esquemas neoimpresionistas; el empaste está distribuido en planos geométricos muy luminosos, con lo que consigue un raro efecto de volumen y profundidad. En 1972 se residenció en Santa María de Cariaco. "A primera vista su obra revela la presencia de un trabajador paciente que quisiera avanzar de lo más general a la síntesis, valiéndose de una rica esquematización que apoya en un diseño laborioso y en una fina y elegante técnica colórica" (Da Antonio, 1967, p. 165). De su obra, la GAN posee guaches sobre cartón piedra, Píritu, estado Anzoátegui (1972), Castillo de Cumaná (1974) y Calle 8ª La Chica (1974).

2 Exposiciones individuales

1968 Galería Polo & Bot, Caracas

1972 Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui

1973 Sala de Exposiciones, Plaza Bolívar, Caracas

1981 Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui

3 Colecciones

GAN

4 Fuentes

- Cinap, A 28.

- Da Antonio, Francisco. "Pintores ingenuos". En: Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.

Andrade César

n. Guarico, Edo. Lara, 1946

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y dibujante. Recibió sus primeras enseñanzas artísticas en El Tocuyo (Edo. Lara), para luego trasladarse en los años cincuenta a Barquisimeto, donde estudia con José Requena en la Escuela de Artes Plásticas. En 1966 ejerce la docencia en la Escuela de Artes Plásticas de Acarigua (Edo. Portuguesa) mientras se dedica a pintar obras de carácter paisajístico y figurativo. En 1968 obtiene una beca y se traslada a París. Estudia con Frank Popper en la Universidad de Vincennes y con Jean Cossou en el Colegio de Francia, e inicia sus investigaciones sobre el constructivismo y el cinetismo, así como sobre el arte contemporáneo en general. Desde entonces su obra se ha orientado hacia estos géneros artísticos, creando lo que ha llamado Linigramas y Puntigramas, expuestos tanto en Europa como en América. Asimismo ha participado en diferentes muestras colectivas realizadas en Venezuela como "Pintores en escena" (Taller de Teatro Arte, Galería Lea, Barquisimeto, 1984) y "Testimonios de una época. Cincuentenario de la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar" (Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar, Barquisimeto, 1986), entre otras.

César Andrade ha enfocado su trabajo artístico en el estudio de los efectos que producen diferentes módulos o elementos en la retina del observador de acuerdo al ángulo o la posición en que se observa la obra. En ciertas piezas simula digitalmente espacios de vistas aéreas. Elabora sus Puntigramas semejando una escritura poética, cromática y multidireccional, con ritmos ascendentes y descendentes, y sus Linigramas como apreciaciones retinales del espacio. Su trabajo "se manifiesta como un juego de precisión matemática y física. Poesía visual hecha mediante formas, círculos, clavos. Escritura de espacios virtuales que se transforman a partir del punto y de la línea, en las cuales se observan fuerzas centrífugas y centrípetas" (Aranguren, 2004). Para Carlos Cruz-Diez "es particularmente estimulante el encuentro con una obra como la de este joven César Andrade. Realizada con un mínimo de recursos, de planteamientos rigurosos, puro en el lenguaje y eficaz en sus propósitos. Diferente a los artistas de su generación, él ha tomado el camino más largo y más difícil de la aventura del arte: la investigación de un mundo no referente, donde la estructuración de un nuevo arte es la meta" (1991). Desde 1968 Andrade reside en París, y viaja a Venezuela frecuentemente.

2 Exposiciones individuales

1964 Liceo Lisandro Alvarado, Barquisimeto

1966 Club Páez, Acarigua, Edo. Portuguesa / Liceo Páez, Acarigua, Edo. Portuguesa

1967 Casa de la Cultura Carlos Gauna, Acarigua, Edo. Portuguesa / Ateneo de Guanare

1972 Galería CPS, Barquisimeto / Galería Banap, Caracas / Galería Sefral, París

1974 Galería Tour Tour, París

1984 Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar, Barquisimeto

2002 Galería de Arte Universitaria Rafael Monasterios, Ucla

3 Premios

1959 Premio de diseño, Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar, Barquisimeto

1964 Premio Eliécer Ugel, X Salón Julio T. Arze

4 Colecciones

Museo de Barquisimeto / Ucla

5 Fuentes

- Aranguren, Willy. "Visión panorámica del arte larense (desde lo prehispánico a lo contemporáneo)" (texto inédito). Caracas, 2004.

- Cruz-Diez, Carlos. En: Primer anuario de la pintura larense. Barquisimeto: José Boraure-Ediciones Hola Mundo, 1991.

Andrade Magda [Magdalena Schottman]

n. Maracaibo, 11.10.1912

m. París, 31.1.1984

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora. Sobrina nieta del general Ignacio Andrade, presidente de Venezuela (1898-1899). Realizó estudios en la Academia de Bellas Artes; vivió en Buenos Aires hacia 1924 y posteriormente en París, después de 1935, donde estudió en la Academia de la Grande Chaumière, en el taller de André Lothe, donde pasó 4 años, en la academia de Othon Friesz y en los talleres de Marcel Grommaire y Marie Laurencin, que marcarán su estilo y preferencias plásticas. Dedicada al paisaje y al retrato, participó en la "Primera exposición internacional de arte plástico contemporáneo" (Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, 1954) y, en 1955, en la Bienal de São Paulo y la Bienal de Barcelona (España), entre muchas otras exposiciones. Su obra se caracteriza por situar a sus personajes en fondos monocromos, en tonalidades generalmente frías, para lograr una nota fantástica y onírica. Por otra parte, su trabajo como retratista siempre tuvo la aceptación de la sociedad venezolana. La GAN posee de esta artista los óleos Puerto viejo de Saint-Tropez y Serenata.

2 Exposiciones individuales

1943 Galería Denis, París

1949 Galería Delpierre, París

1950 Galería Raspail, París

1952 Galería Tebas, Madrid

1953 Galería Villa Ariani, Roma

1954 Galería Tronchet, París / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / MBA / Galería Pont des Arts, París

1957 Sala Mendoza / Galería Pont des Arts, París

1959 Galería Pont des Arts, París / Galería Horn, Luxemburgo

1960 Galería Wildenstein, Nueva York / Galería La Galère, París

1963 Galería Sesat, Madrid

1966 Galería Rincón del Arte, Caracas

1968 Galería Rincón del Arte, Caracas

1970 Galería Rincón del Arte, Caracas

1971 Galería Sans-Souci, Caracas / Galería Sans-Souci, Caracas

1972 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1974 Galería Barbizon, Houston, Texas

1975 Galería Sans-Souci, Caracas

1978 Centro de Arte Alejandro Freites, Caracas

1979 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1980 Galería Bancofove, Barquisimeto

1981 Galería Siete Siete, Caracas

3 Premios

1978 Medalla de plata, "Exposición internacional", Palacio de los Papas, Aviñón, Francia

4 Colecciones

GAN / Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París / Museo de Toledo, Ohio, Estados Unidos

5 Fuentes

- Cinap, A 30.

- Magda Andrade (catálogo de exposición). Caracas: Galería Siete Siete, 1981.

 

Ángel Hernández Oswaldo

n. Caracas, 3.2.1944

1 Vida y obra

1 Vida y obra

Pintor. Realizó estudios en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1968 participa en una colectiva en la Galería Universitaria de Caracas y expone en la Galería Banap de la misma ciudad junto a Freddy Clemente. Al año siguiente es incluido en colectivas realizadas en la Galería de Artes Visuales de Maracay. De tendencia cinética, realizó Conéticos proyectados, relieves en anime que se transforman según el desplazamiento del espectador y con el cambio de la luz.

Angulo Antonio

n. Maracaibo, 13.4.1905

m. Caracas, 19.12.1992

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Discípulo de Manuel Ángel Puchi Fonseca y Julio Arraga, realizó su primera exposición en Maracaibo en 1921. Al crearse en 1941 la Escuela de Artes Plásticas Julio Arraga, durante el gobierno de Eleazar López Contreras, fue nombrado subdirector de la misma. En 1935 pintó el mural del techo del Teatro Baralt (Maracaibo), con la colaboración de Régulo Díaz. Esta obra decorativa con elementos geométricos tomados de la arquitectura tradicional marabina se adelanta al nacimiento del movimiento abstracto en el país. Residenciado en Caracas en 1940, Angulo participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, a finales de los años cincuenta. En 1941 expuso en el Ateneo de Caracas. Ese año publica, con Elisaúl Rodríguez, Cuadros y poemas (Caracas: Editorial Bolívar), ilustrado con una selección de sus obras, algunas de tendencia abstracta.

2 Exposiciones individuales

1921 Maracaibo

1941 Ateneo de Caracas

3 Fuentes

Archivo familia Angulo.

Centro Documental, Maczul.

Antoine

 n. Francia (datos en estudio)

a. Venezuela, 1845

1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. M[onsieur] Antoine se anunciaba como armero establecido en la calle del Sol, 116, frente a San Francisco, que "también hace retratos en daguerrotipo, cuyas muestras pueden verse en su casa" (El Liberal, 19 de abril de 1845). El caso de Antoine no es aislado: muchos comerciantes encontraron en el novedoso daguerrotipo un medio para diversificar sus empresas y es cierto que entre la enorme cantidad de daguerrotipos anónimos que actualmente se preservan, deben con certeza haber sido algunos realizados por estos fotógrafos improvisados, que demostraron en su momento la universalidad del procedimiento.

2 Fuentes

- Con la fuerza y verdad de la luz de los cielos (catálogo de exposición). Caracas: Funres-GAN, 1977.

Antonioni Víctor

n. Caracas, 19.3.1944

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y dibujante. De formación autodidacta, en 1968 conoció los talleres de Soto y Cruz-Diez en París. En sus primeras obras, de tendencia cinética, experimentó con cilindros plásticos dispuestos serialmente y adosados a un plano. Inicia su actividad en 1971 en el XXIX Salón Arturo Michelena y el I Salón Anual de Jóvenes Artistas. Al año siguiente forma parte de "Colectiva 72" en la Galería Banap (Caracas) y es aceptado nuevamente en el XXX Salón Arturo Michelena. En 1973 participa en el "Encuentro latinoamericano" en La Habana. Posteriormente, en los años ochenta, se interesa en la figuración. En 1983 exhibió 40 dibujos en la Galería La Cayapa (Caracas): bufones y caballeros medievales pintados con tinta, acompañados por textos de Orlando Araujo. Realizó muestras individuales en el CVA y en la Galería Durban.

2 Exposiciones individuales

1969 CVA

1973 CVA / Galería Durban, Caracas

1977 Galería Arte/Contacto, Caracas

1980 Sala Ocre, Caracas

1983 "Feudo", Galería La Cayapa, Caracas

1990 "Víctor y sus treinta ellas", Galería Arte Bocetos, Caracas

2000 "Mitos yorubas", Galería HB, Caracas

 

3 Colecciones

Museo de Ciudad Bolívar

 

4 Fuentes

- Cinap, A 32.

Antonorsi Vicente

n. Caracas, 24.7.1952

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Artista de medios mixtos, diseñador textil y arquitecto. Hijo de Marcel Antonorsi y Ligia Blanco de Antonorsi. En 1969 inicia sus estudios de arquitectura en la Facultad de Arquitectura y Arte de la Universidad de los Andes en Bogotá, de donde egresa en 1978. Paralelamente a su formación como arquitecto estudia diseño textil y diseño gráfico en la Universidad José Tadeo Lozano de la misma ciudad, donde se gradúa en 1974. Durante su formación universitaria recibe clases de Olga Amaral, tejedora que ejerce una importante influencia en su trabajo plástico, y con quien establece una estrecha y prolongada colaboración. También cumplen un papel importante en su formación José Antonio Roda, Carlos Rojas y Gerardo Carbonell, profesores de arte en la Universidad de los Andes.

Regresa a Venezuela y se dedica a la arquitectura y al diseño de muebles durante toda la década de los ochenta. Esta ocupación nutrirá su trabajo plástico posterior con elementos y materiales propios del área de la construcción y del diseño de mobiliario. Desde 1994 retoma la investigación plástica partiendo del bahareque como material de construcción, lo que le permite aplicar los principios del arquitecto y del tejedor, pues las fibras vegetales se entremezclan creando una estructura sobre la que se levanta la pared de barro. Con este principio Antonorsi propone objetos en los que el orden y distribución del tejido de las fibras, de forma visible y destacada, crean composiciones en las que el color, el ritmo y los contrastes de simetría y asimetría juegan un papel fundamental.

En 1999 empieza a trabajar la madera como elemento textural y volumétrico, para lo que generalmente utiliza maderas industriales con las que obtiene volúmenes de corte minimalista que rescatan las posibilidades esenciales del material. Con estos trabajos participa en una exposición colectiva en la Sala Alternativa (Caracas, 2001), titulada "Los sueños no duran más de cinco minutos", en la que el curador Miguel Miguel reunió diez artistas que, según su criterio, no se insertan en el mainstream del arte venezolano contemporáneo.

Desde 2001 comienza a experimentar con vegetales, plantas y semillas, lo que le permite crear obras con una cualidad efímera que recuerdan lo inclemente que es el paso del tiempo. Realiza instalaciones que van más allá del simple arreglo y se vinculan con las emociones, las sensaciones y los recuerdos que estos elementos pueden despertar en el espectador. En ellas utiliza desde las espigas de gamelote hasta los olores, colores y texturas de los elementos vegetales, o los cantos rodados con perforaciones en las que siembra plantas xerófilas. En este período integra también en su obra semillas amarradas con fibras vegetales para construir volúmenes esféricos que rememoran frutos de otro tiempo. Este trabajo es desarrollado en torno a los materiales naturales que ofrece la cordillera de la costa para la exposición "Temporada" (Sala Mendoza, 2001), y en ellos se aprecia el paso de lo general (el paisaje) a lo particular (la piedra, el fruto, la flor). Es un ejercicio de síntesis: una metáfora del paisaje, utilizando materiales procedentes de la naturaleza misma como elementos plásticos y soporte de la obra. Para Tahía Rivero "el artista incluye y mezcla especies a su antojo, en un inventario ajeno a cualquier clasificación. El resultado es un paisaje simbólico que evoca el paisaje que no vemos pero que recordamos y junto con sus cambios los de la ciudad y sus habitantes. Es éste pues, un manual que insiste en ver el paisaje como una nueva mirada" (2001). Según William Niño Araque "para Antonorsi, los grandes momentos de la ciudad se enfrentan compulsivamente a las dificultades que opone el paisaje y la naturaleza misma; este enfrentamiento entre naturaleza natural y naturaleza histórica (o construida) es el argumento más afortunado de su obra; es el regalo de la idea de las especies vegetales como la clave de la apropiación de una serena condición contemplativa" (2001).

2 Exposiciones individuales

1974 Galería Escala, Bogotá

1975 Sala Ocre, Caracas

1998 Galería Alternativa, Caracas

2000 Alianza Francesa, Caracas

2001 "Temporada", Sala Mendoza

3 Colecciones

Banco Mercantil, Caracas

4 Fuentes

- Archivo del artista.

- Niño Araque, William. "Vicente Antonorsi. Paisaje y semillas". En: Temporada, nuevo manual de especies vegetales. Instalaciones de Vicente Antonorsi (catálogo de exposición). Caracas: Sala Mendoza, 2001.

- Rivero, Tahía. "Naturaleza sugerida". En: Temporada, nuevo manual de especies vegetales. Instalaciones de Vicente Antonorsi (catálogo de exposición). Caracas: Sala Mendoza, 2001.

- Rivero, Tahía. "Naturaleza sugerida". En: Vicente Antonorsi. Madrid: Arco, 2003.

Añez Casas Eliseo

a. Maracaibo, segunda mitad del siglo XIX

1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. En el año 1880 fue editor del diario político La Libertad de la Prensa. Colaboró con Manuel S. Soto, José del Carmen Tinedo y Simón González Peña en el decorado del interior y del plafón del Teatro Baralt, inaugurado en Maracaibo el 24 de julio de 1883, en la celebración del centenario del natalicio del Libertador. El decorado contenía, según González Peña, "las Nueve de Helicona, y los artísticos grupos de flores, que parecen derramarse copiosas por aperturas practicadas en el cielo raso, y los retratos de [José María] Baralt y demás hombres de Arte" (1924, p. 43). Estas decoraciones desaparecieron cuando el edificio del teatro dio paso a otro construido entre 1928 y 1930. Añez Casas asistió a la academia privada de dibujo y pintura que estableció en Maracaibo, en 1887, el artista colombiano Luis García Beltrán, de quien fue discípulo. En 1898 se ofrecía en la prensa para copiar piezas musicales, con o sin letra, en la calle de Venezuela, esquina de Miranda, 60 (Los Ecos del Zulia, 22 de noviembre de 1898).

2 Fuentes

- El Zulia Ilustrado. Maracaibo, 31 de enero de 1889.

- González Peña, Simón. Ensayo sobre la historia de las artes en el Zulia. Maracaibo: Tipografía Excelsior, 1924.

 

Apolinar [Pablo Apolinar Livinalli]

n. Guatire, Edo. Miranda, 23.7.1928

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y escultor. Hijo de Juan Bautista Livinalli y Angelina Santaella. En 1930 su familia se traslada a Petare. En 1940 ingresa al Internado Voluntario Domingo Savio, donde culmina la primaria. En 1948 se inscribe en la Escuela Militar donde alcanza rango de subrigadier. En 1950 es dado de baja. Luego de la muerte de su madre, en 1952, realiza un curso de topografía y comienza a trabajar en la ferretería de su padre. Diez años más tarde culmina sus estudios de educación media y contrae matrimonio. Desde 1965 realiza, en sus ratos libres, pequeños cuadros sobre tablas y cartones. En 1967, tres de sus obras son exhibidas en la "Primera retrospectiva de la pintura ingenua en Venezuela en el siglo XX", organizada por Francisco Da Antonio para el I Festival de Arte de Caracas (Círculo Musical, Caracas). Las primeras obras de Apolinar poseen una atmósfera cromática intensa, con puntos y pequeñas manchas de colores, y predominio de los tonos azules. Para dar texturas a sus obras, el artista mezcla madera, aserrín, tela, óleo y acrílico, que logra combinar con menudas pinceladas yuxtapuestas, suerte de puntillismo intuitivo. Juan Calzadilla opina que "tal vez Apolinar tomó de su pasión por la pintura bizantina […] un cierto gusto por el brillo decorativo del mosaico, que en su obra se reviste, además, de un significado crítico, como para expresar ciertas convenciones simbólicas. Su mundo parece organizarse radialmente desde un centro deslumbrante, que se corresponde con el centro del cuadro" (1975).

A partir de los años ochenta, los puntos y manchas adquieren el carácter de constelaciones, infinito universo en el que se desarrolla la vida del hombre, ámbitos cargados de tonos sepias y ocres en los que se mezclan elementos extrapictóricos como papeles, fotografías, cuentas de colores y lentejuelas que proporcionarán una nueva dimensión a la composición plana. El propio artista ha declarado: "tal vez esto se deba a mi formación salesiana, cuando estudiaba en el seminario, y me quedó ese sentido de valorar el cielo, las velas, los dorados de los altares, los plateados y la iluminación" (Díaz, 1988). En sus cuadros el concepto del espacio queda referido a una perspectiva profunda, que ayuda a vincular los contenidos oníricos de la obra con el realismo mágico implícito en la misma. La pintura de Apolinar puede ser catalogada de barroca colorista, debido a la gama de colores empleados, utilizados como elementos que enfatizan parcial o totalmente la composición, puntos o zonas focales que contrastan con el fondo saturado de elementos decorativos que enriquecen exageradamente la composición. En 1972 exhibe por primera vez sus libros en la exposición "5 versiones de ingenuismo del siglo XX en Petare". Esta extensa serie de piezas que conforman la Biblioteca de Apolinar son cuadros pintados a modo de libros o retablos coloniales (de cuatro hojas, con bisagras) en los que el artista narra historias simbólicas enriquecidas con relieves, collages fotográficos, monedas, alfileres metálicos, lentejuelas y pedrería. En estos libros de madera se refleja la mezcla del mundo real con las creencias, costumbres y la visión particular del artista. "La fantasía de Apolinar parece inclinarse a las tentaciones esotéricas […]. El simbolismo de sus composiciones, que comparte con un temperamento expresionista, provienen sin duda de la fascinación que sobre él ejerce la cultura oriental. Nada más significativo para comprender lo que busca que esas obras crípticas —especies de cajas o altares que se abren y cierran— a las que ha dado el nombre de Biblioteca de Apolinar" (Calzadilla, 1975). Durante la década de los setenta participó en colectivas como "Pintura ingenua venezolana hoy" (Galería Inciba, Caracas, 1974), "Maestros de la pintura ingenua del siglo XX" (1976) y "Creadores al margen" (MACC, 1977).

En una nueva etapa, marcada por su inicio de estudios académicos, Apolinar trabaja de una manera más racional el manejo del espacio y la importancia de éste dentro de la composición, además de tomar conciencia de los materiales y la organización de las formas; asimismo aborda la tridimensionalidad. Las esculturas de Apolinar dan la impresión de estar hechas en hierro o alguna otra materia mineral; sin embargo, están realizadas en una argamasa creada por el propio artista: una mezcla de aserrín, cola y bórax, bautizada con el nombre de "asercol". Es incluido en "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" (GAN, 1980), y en la I Bienal de Artes Visuales (MBA, 1981). En 1988 es invitado a participar en el Salón Nacional de Artes Plásticas (MACC); en 1989, en "Arte en América Latina" (Hayward Gallery, Londres); en 1990, en "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN), y en 1993, en "Confluencias" (Museo de Petare y Galería Tito Salas). La riqueza de la pintura de Apolinar proviene de su manera de ver la realidad que le circunda; realidad que está repleta de mitos y tradiciones resueltos a través de formas simples y naturales, de una manera casi infantil, dentro de un mundo imaginario y maravilloso. Es interesante destacar que siempre hace referencia en sus obras a acontecimientos de su entorno cotidiano, dentro de una temática llena de humorismo, protesta y, en algunas oportunidades, crítica social. "Apolinar trata los temas que más le han preocupado: la Iglesia como institución en oposición a la fe que debería representar; el ejército como una forma organizada de violencia humana; el dinero como la nueva y vacía religión, la propiedad privada como obsesión egoísta; y la pérdida colectiva de un verdadero aprecio de la vida. […] La estructuración geométrica que le da a sus obras, los contrastes que establece entre austeridad y esplendor, la creación de un fondo estrellado de seductiva belleza, contra el cual sobrepone un elemento que la contradice, son modalidades que él utiliza para expresar su visión de la armonía del mundo" (Erminy, 1977).

2 Exposiciones individuales

1983 "Apolinar", Hospital de Niños J.M. de los Ríos, Caracas

1985 "Noches de Mackandal", Galería Ángel Boscán

1987 "Apolinar y el reino de este mundo", MACC

1995 "Todas las mañanas del mundo", Museo Sacro, Caracas

3 Premios

1977 Premio Municipal de Pintura, Salón Municipal de Pintura, Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas

4 Colecciones

Fundación Polar, Caracas / MACCSI / Museo de Petare

5 Fuentes

- Calzadilla, Juan. Pintores venezolanos del común. Caracas: CANTV, 1976.

- Caraballo, Lía. Apolinar y el reino de este mundo (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1986.

- Cinap, L 91.

- Da Antonio, Francisco. El arte ingenuo en Venezuela. Caracas: Shell de Venezuela, 1974.

- Díaz, Mariano. Fabuladores del color. Caracas: Fundación Bigott, 1988.

- Erminy, Perán. Creadores al margen (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1988.

- L.D. "Apolinar y su reino en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas". En: El Universal. Caracas, 31 de mayo de 1989.

Aponte (Istúriz], José Vicente

n. Caracas, 22.4.1923

m. Caracas, 6.4.2001

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Víctor Aponte y Luisa Istúriz. Realizó estudios en la Escuela de Formación de la Dirección de Cultura Obrera del Ministerio del Trabajo y, entre 1936 y 1938, en la Escuela de Artes y Oficios de Caracas con el escultor Eduardo Francis. En 1965 pintó Iglesia de Pagüita (colección MACCSI), una de sus obras más representativas, y en 1968 expone en la Galería El Muro paisajes y naturalezas muertas. Pedro Centeno Vallenilla escribió en el catálogo: "la naturaleza, su Naturaleza, está en sus obras, bañadas de una constante luz dorada como 'el ensueño áureo' de los primitivos italianos, y en esos riachuelos y quebradas de agua bajo las frondas que aparecen como un tema insistente en sus paisajes" (1968). En 1970 viaja a Brasil por motivos de salud y, a su regreso en 1971, expone en la Galería Banap (Caracas). Perán Erminy resaltó entonces su armoniosa belleza y la luminosidad fluida y envolvente de sus paisajes. En 1976 viaja a París y trabaja vistas parisinas. En 1979 presentó en la GAN 30 flores y paisajes realizados en óleo sobre tela y, en 1982, sus paisajes fueron exhibidos en el Centro de Arte El Parque (Valencia, Edo. Carabobo), y en la Galería Armando Reverón de Guanare. En 1990 el MACC realizó una muestra retrospectiva, con tallas, dibujos y pinturas. Además del paisaje y las flores, en su trabajo puede resaltarse la temática histórica, como Desembarco de Miranda (sin fecha) y las escenas de grupos. Según Roberto Guevara "Aponte hace que sus personajes y sus visiones se muevan dentro de la masa vaporosa pero intensa del color. La veracidad del mundo podría estar en esta condición maleable de la visión, el rescate de las vivencias con el cual apoyar una conjetura del paisaje, los objetos o los seres humanos" (1990). La GAN posee en su colección óleos sobre tela de rosas y paisajes realizados entre 1975 y 1978.

2 Exposiciones individuales

1968 Galería El Muro, Caracas

1971 "Paisajes", Galería Banap, Caracas

1976 Galería El Muro, Caracas

1979 "El borde del génesis", GAN

1982 Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo / Galería Armando Reverón, Guanare

1990 "Viaje hacia el interior del paisaje", MACC

1992 Sala Ipostel

1993 "Viaje hacia el interior del paisaje", Museo de Arte, Coro

3 Colecciones

GAN / MACCSI / Museo de Arte, Coro

4 Fuentes

- Centeno Vallenilla, Pedro. José Vicente Aponte (catálogo de exposición). Caracas: Galería El Muro, 1968.

- Cinap, A 34.

- Erminy, Perán. José Vicente Aponte (catálogo de exposición). Caracas: Galería Banap, 1971.

- Guevara, Roberto. "Ver con Aponte". En: El Nacional. Caracas, 14 de agosto de 1990.

- Viaje hacia el interior del paisaje (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1990.

 

Apóstol Alexander

n. Barquisimeto, 2.7.1969

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Durante 1987 y 1988 asistió al taller de fotografía de Ricardo Armas en Caracas. Desde 1987 hasta 1990 cursa estudios en la Escuela de Artes de la UCV. En 1993 realiza en Londres un taller con Patrick Lichfield. Pertenece a una nueva generación de fotógrafos venezolanos que, a través de la utilización de la simbología y la reconstrucción de situaciones cargadas de expresividad e incluso irreverencia, han dado a la década de los noventa algunas de sus más relevantes claves. Estas dos vertientes de la fotografía actual tienen una presencia fundamental en la obra de Apóstol. El artista se ha desarrollado en un corto período de tiempo, pero dejando un volumen de producción considerable, lo cual, entre otras cosas, permite apreciar la coherencia con que han evolucionado sus principales propuestas. En 1988 expone por primera vez, en ocasión del II Salón Nacional de Jóvenes Fotógrafos organizado por el MACC. La serie que presentó en dicha muestra dejaba intuir algunos de los recursos que posteriormente se convertirían en valores constantes de sus imágenes: la escenificación dramatizada por el apoyo de la técnica, la intervención de los procesos y la búsqueda de múltiples lecturas en la interpretación de sus composiciones. Esta primera etapa del trabajo de Apóstol es conocida como la de "las muñecas" y se reconoce por el reiterado uso de muñecas de porcelana con vestidos de tela en un ambiente que recuerda los tradicionales patrones de la estética clásica.

En sus trabajos siguientes recurrirá a la utilización de modelos, en su mayoría femeninos, produciendo una serie de retratos que será seguidamente resumida en la exposición "Doce cabezas y media", realizada en la Galería Siete Siete de Caracas en 1990, y que además de ser la primera individual de Apóstol, le da la seguridad necesaria para dedicarse, en su obra, a una indagación más conceptual. Esta intención se verá reflejada posteriormente en la mayoría de sus trabajos, pero de manera muy especial en sus experiencias con retratos. Esta primera exposición, además de significar un punto de ruptura en el que se definió técnicamente el estilo del artista, suscitó numerosas críticas en el medio fotográfico debido al elevado carácter pictórico del acabado de las imágenes.

Su trabajo se presenta internacionalmente en lugares como el Festival de Fotografía de Houston Fotofest en 1992, el Museo de Ken Damy de Brescia (Italia) y el Museo de las Artes en la Universidad de Guadalajara (México) en 1994. Este mismo año, el MACCSI se encarga de organizar su tercera exposición individual, "Gallinero feroz", muestra en donde observamos cómo se ha transformado el discurso inicial de este fotógrafo sin perder aún sus lineamientos más elementales. La ironía y la crítica, impulsadas por un insistente espíritu desmitificador, reafirman su presencia en una obra que hace a un lado los parámetros de las temáticas y de los géneros. Animales como pollos, peces y búfalos, en estructuras de collages, se incorporan a una propuesta que siempre tolera nuevas lecturas: "ahora, como un taxidermista, sus retratos se refieren a la clásica discriminación de las especies" ha escrito Ruth Auerbach, quien subraya los "bizarros ensamblajes" con sus composiciones fragmentadas, series y el tratamiento de virados, polytoner y tintas, así como el interés del fotógrafo por las imágenes populares y cotidianas (1996, pp. 4-7). Mi tía en la peluquería, Sastre (colección MACCSI) o Usos del mantel a cuadros, de 1993, son imágenes que evidencian no sólo la irreverencia de su autor sino en realidad una reflexión aguda sobre los procesos asociativos de las imágenes. El elemento central de toda esta construcción es, en esencia, la inconformidad ante lo establecido, una mirada que busca el otro lado de las cosas, a la vez que cuestiona su sentido.

Como una faceta paralela a la muy consistente producción artística de Apóstol, se ha venido acrecentando recientemente la incursión de éste en el terreno de la fotografía de moda. Para Apóstol, la fotografía es una reflexión alterna pero con una visión distanciada, que no llega realmente a formar parte de su mundo. Para José Antonio Navarrete, historiador y crítico fotográfico, "la fotografía de moda de Apóstol transgrede las nociones de representación de la belleza identificadas como consustanciales a esta práctica: es, en los mejores ejemplos, una suerte de desmontaje irónico del discurso histórico del género" (1994, p. 40). Entre 1995 y 1997 desarrolla la serie Pasatiempos, en la que compila una simbología muy personal que aplicará reiteradamente para hilvanar su imaginario. Recurre a diferentes estilos y se afianza en los años cincuenta, en las revistas banales y en las estampas populares. En 2000 realiza la serie Residente pulido, premiada en "Utópolis. La ciudad 2001" (GAN), y obtiene el primer premio del III Salón CANTV de Jóvenes Artistas con FIA por su obra Tumores domésticos, una serie de tres fotografías a color en la que Apóstol inicia sus indagaciones sobre la masculinidad. En 2003 recibe de nuevo el primer premio del VI Salón CANTV de Jóvenes Artistas con FIA con su obra What I'm looking for?, de la que Félix Suazo comenta que "nos confronta con el imaginario de cinco chicos latinos que fantasean sobre el hombre y el paisaje a través de Internet. Desde un territorio sin lugar, instalados en algún punto indeterminado de la red, estos jóvenes construyen un perfil de sí mismos" (citado en: Torres, 2003). A partir de este mismo año fija residencia en Madrid becado por la institución Casa de América y exhibe la muestra "Fontainebleau" (Galería Luis Adelantado, Madrid) donde el artista asume como emblema y metáfora del auge y caída de la modernidad venezolana las fuentes de la Plaza O'leary, la Fuente Monumental Venezuela y Parque Carabobo. Con ellas desarrolla composiciones escultóricas monolíticas decorativas en distintos materiales y formatos: videos, música marcial, fotografías de los bloques de El Silencio, maquetas con fuentes de agua y fotografías de época intervenidas forman parte de esta muestra. Simultáneamente expone en la Casa de América una versión ampliada de su serie fotográfica Residente pulido, entre otras obras, y participa en la Bienal de Praga y en la VIII Bienal de Estambul, donde presentó obras vinculadas con la problemática de la inmigración y las fantasías tejidas desde Internet con el paisaje y el hombre europeo de fondo. Apóstol pertenece a una generación de artistas cuya obra se ha enfrentado al imaginario contemporáneo de carácter urbano, su indagación descifra una extensa y compleja iconografía relacionada con el fracaso de la modernidad y con una mirada también afectuosa en la utilización de la ironía como recurso de lectura social y crítica. Actualmente vive en Barcelona (España).

2 Exposiciones individuales

1990 "Doce cabezas y media", Galería Siete Siete, Caracas

1991 "Recolección", Galería La Merced, Maracaibo

1994 "Gallinero feroz", MACCSI / "Obra reciente", Galería Sol del Río, Guatemala

1995 "Photo Assemblages", Throckmorton Fine Art, Nueva York

1997 "Pasatiempos", Centro de la Artes Kingman, Quito / "Pasatiempos", Galería Cohn Edelstein, Río de Janeiro

1998 "Pasatiempos", Sala Mendoza

2000 Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo, Oaxaca de Juárez, México / Foto Galería, Teatro San Martín, Buenos Aires

2003 "Fontainebleau", Galería Luis Adelantado, Madrid

2004 Sala Mendoza

3 Premios

1989 Segundo premio de fotografía, II Bienal de Guayana / Segundo premio, V Salón de Fotografía, Galería Tito Salas

1991 Premio AICA, Capítulo Venezuela, categoría artista joven

1992 Mención honorífica, VI Edición del Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza / Mención honorífica, I Bienal de Artes Visuales, Museo de Barquisimeto

1993 Primer premio, Gráficas de la Moda Etiqueta Negra, Caracas / Mención honorífica, II Bienal Nacional de Artes Plásticas de Mérida

1999 Premio Eladio Alemán Sucre, LVII Salón Arturo Michelena

2000 Premio Nuevas Propuestas, I Bienal de Fotografía Daniela Chappard / Primer premio, III Salón CANTV de Jóvenes Artistas con FIA, Los Espacios Cálidos

2001 Tercer premio, "Utópolis. La ciudad 2001", GAN

2003 Primer premio, VI Salón CANTV de Jóvenes Artistas con FIA, Los Espacios Cálidos

2004 Premio, VIII Bienal Internacional de Arte de Cuenca, México

4 Colecciones

Banco Mercantil, Caracas / BN / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / MACCSI

5 Fuentes

- Auerbach, Ruth. "Alexander Apóstol: retrato de familia". En: Extra Cámara, 7. Caracas: Conac, abril-junio de 1996, pp. 4-7.

- Boulton, María Teresa. Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea. Caracas: Monte Ávila, 1990.

- Navarrete, José Antonio. Desnudos y vestidos. La fotografía en la moda (catálogo de exposición). Caracas: MAVAO, 1994, p. 40.

- Pérez Machado, Hortensia. "Alexander Apóstol fotógrafo". En: Encuadre, 42. Caracas, 1993, pp. 37-50.

- Torres, Elsy. "Un segundo triunfo para el Apóstol de la FIA". En: Tal Cual. Caracas, 18 de julio de 2003, p. 14.

Appun Carl Ferdinand

n. Bunzlau, Alemania, 24.5.1820

m. Río Mazaruni, Guyana, l5.7.1872

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Explorador y dibujante. Estudió pintura de paisajes en la Academia de Berlín. Recomendado por Humboldt a Federico Guillermo IV de Prusia, Appun llega a Venezuela en enero de 1849 y permanece en el país hasta 1858, recolectando muestras de la flora y la fauna para gabinetes de biología y botánica europeos: recorre el litoral desde La Guaira hacia Tucacas y Boca de Aroa, el río Yaracuy y La Soledad, adentrándose en los llanos de El Baúl. Se instala en La Cumbre (hasta septiembre de 1859), desde donde organiza sus excursiones hacia el lago de Valencia, la ladera sur de la cordillera de la Costa y la altura de San Hilario —sitio predilecto a donde regresará con frecuencia—. En julio de 1857 se embarca a Curazao, para de allí pasar a Maracaibo y seguir hasta Trujillo, sin poder llegar a conocer Mérida. Desde finales de marzo hasta finales de mayo de 1859 recorre el Orinoco, llega al salto del Caroní, que dibuja con el Roraima de fondo, y de vuelta recorre el delta, al que regresará una vez más a fines de agosto. Entre 1860 y 1868 participa en la exploración de la entonces Guayana Inglesa, auspiciado por el gobierno británico. Appun recorre el río Branco y el río Negro hasta el Amazonas, remontándolo hasta Tabatinga, en la frontera con Perú.

El explorador regresa a Alemania en 1868, colabora en la revista Ausland con trabajos sobre los indios guaraúnos (nº 34 y nº 38, 1868; nº 8 y nº 9, 1869), y en 1871 publica Unter den Tropen. Wanderungen durch Venezuela, am Orinoco, durch Britisch Guyana und am Amazonenstrome in den Jahren 1849-1868 (2 vv., Jena: Hermann Constenoble), sobre el cual dice Pascual Venegas Filardo: "En los trópicos, se lee, no sólo como un extraordinario libro acerca de la naturaleza de nuestro país, sino, además, como una gran novela donde el actor principal es el propio autor, siempre hablando en primera persona; el escenario es la majestad del paisaje de Venezuela, pero el paisaje en su multitud de ángulos, en la variada gama de sus matices. Los personajes, hombres y mujeres de Venezuela de hace un siglo, personajes de una de las épocas de más agitada vida de nuestro país, como fueron los años del gobierno de los Monagas. Appun hizo la disección del paisaje venezolano y lo analizó con espíritu de geógrafo-pintor" (1983, p. 68). El libro de Appun contenía seis dibujos suyos xilografiados por R. Brend'amour & Co., entre ellos el paisaje irreal de Los Canales: "una colina [donde] hay una choza semiderruida, rodeada de iriarteas, cecropias con hojas plateadas y helechos esbeltos" (En los trópicos, 1961, p. 154); el delta del Orinoco; un campamento de indios caribe; un grupo de palmeras macanilla y el célebre Cobalongo, el Strychnos cobalongo Appun, grabado sobre el cual Ángel Kalenberg ha escrito: "las lianas de la vegetación pudieran ser parte de un escenario surrealista, pero por razones negativas: porque son resultado de una violencia, de la tensión insuperable entre el instrumento captador —la línea— y el modelo. El espacio es inapresable por la línea: una vegetación es un juego de masas de masas, de planos de planos, elementos de una construcción pictórica. Y además del espacio, la luz. Una luz que brota a raudales" (1979, p. 19). En 1871, Appun regresa a la Guayana Inglesa, donde muere trágicamente en una colonia indígena cerca del río Mazaruni.

2 Colecciones

BN / Instituto Iberoamericano, Berlín

3 Fuentes

- Appun, Carl Ferdinand. En los trópicos. Traducción de Federica de Ritter. Caracas: UCV, 1961.

- Kalenberg, Ángel. "La de-velación de América Latina". En: Artistas alemanes en Latinoamérica (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1979.

- Röhl, Eduardo. Exploradores famosos de la naturaleza venezolana. Caracas: Tipografía El Compás, 1948.

- Venegas Filardo, Pascual. Viajeros a Venezuela en los siglos XIX y XX. Caracas: Monte Ávila, 1983.

Aramburu Gabriel José

n. Caracas, 24.4.1826

m. Caracas, 14.8.1886

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Litógrafo y fotógrafo. Hijo de José Vicente de Aramburu y María del Carmen Pérez. Fue discípulo de Johann Heinrich Müller y Guillermo Stapler, cuyo taller, según Manuel Landaeta Rosales, imprimió un retrato de Bolívar, dibujado por él, en 1844. Cuando la célebre empresa fue vendida en abril de ese año, Aramburu continuó sus trabajos con los hermanos Martínez y luego con Torvaldo Aagaard, con quien colaboró en El Álbum, hacia 1845. En 1852 iluminaba los daguerrotipos (fotografías) en papel y en miniatura de Basilio Constantin (Diario de Avisos, 1 de mayo de 1852). Durante muchos años estuvo instalado en la esquina de El Conde. Manuel Landaeta Rosales le adjudica las célebres imágenes del Congreso de 1854 en el acto de la libertad de los esclavos, y la litografía del general José Gregorio Monagas, rodeado de esclavos, dándoles la libertad: grabados como éste —escribe Manuel Pérez Vila— "permiten apreciar el uso laudatorio y pro gubernamental de la imagen gráfica. Es dramático el contraste entre los dos grupos. Mientras que todos los esclavos son bastante pasados de color, entre los prohombres de la República los rostros son todos de una impecable blancura, que compite con la de sus inmaculadas pecheras" (1979, p. 23). En marzo de 1855, Aramburu compra, con Federico Madriz, la Imprenta Republicana (Diario de Avisos, 18 de abril). Ofrecía sus trabajos fotográficos, retratos sobre papel iluminados al óleo sobre placa y papel en la calle de los Bravos, 45 (Diario de Avisos, 6 de octubre). Poco después anuncia sus retratos "por medio de la máquina dagueriana, sobre placa, sobre papel iluminados a la aguada y al óleo y sobre vidrio" en la casa que ocupaba Santiago Brito en la calle de las Leyes Patrias, ocupándose también de hacer retratos de personas muertas (Diario de Avisos, 21 de noviembre de 1856). Son suyos algunos de los retratos que publicó El Mosaico en 1856, donde firmaba con sus iniciales y tendía a dejar la textura de la piedra logrando una notable calidad gráfica.

En 1874, por encargo de Fausto Teodoro de Aldrey, Aramburu realizó un retrato al pastel de Antonio Guzmán Blanco (La Opinión Nacional, 16 de marzo de 1874). El Estado lo comisiona, el 11 de mayo de 1875, para imprimir la tercera tirada de las estampillas cuadradas con contraseña, 750.000 ejemplares de 2 valores, que entrega el 21 de junio. Asimismo, su taller litográfico llevó a cabo la sexta tirada (primera emisión) de las estampillas "Escuelas" (o fiscales), que ascendió a un millón de ejemplares de seis valores en papel verjurado, entregada en mayo de 1875. En 1873 realizó un cuadro del gabinete de Venezuela y uno del Congreso; y al año siguiente un plano de la Plaza Bolívar para la inauguración de la estatua del Libertador el 7 de noviembre. Asimismo, la prensa elogió un retrato al pastel de Antonio Guzmán Blanco (La Opinión Nacional, 16 de marzo de 1874). Aramburu fue el editor propietario de El Zancudo, asociado con Heraclio Fernández, donde publicó, desde su fundación en 1876 hasta 1878, retratos y caricaturas: de su creyón litográfico son por ejemplo los retratos de Arístides Rojas (nº 21, 1876), Ramón Bolet (nº 31, 1876), Laureano Villanueva (nº 15, 1877), el general Ramón de la Plaza (nº 18, 1877) y Raimundo Andueza Palacio (nº 19, 1877); asimismo, se le adjudican algunas de las mejores caricaturas del siglo pasado: Alleluia (julio de 1877), Conferencia socialista y Una corrida de cintas (septiembre de 1878). Sobre la calidad gráfica de esta publicación comentó Aquiles Nazoa: "ya en El Zancudo los dibujantes son pintores de escuela, y manejan la litografía y el grabado con una conciencia profesional de su oficio" (1973, p. 20). De Aramburu son los retratos del Libertador, Antonio Guzmán Blanco y Linares Alcántara para Biografías de hombres notables en 1877. También se conocen retratos suyos del arzobispo Guevara Lira, José María Vargas, Pedro José Rojas, Venancio Pulgar y León Colina. Aramburu colaboró con el periódico Fígaro, de breve existencia, aparecido el 13 de marzo de 1878. Las magníficas litografías de esta publicación —un creyón de sorprendente soltura en la mejor tradición de la caricatura europea con imágenes incluso a página completa—, desafortunadamente se imprimieron sin firma, o en el mejor de los casos con un seudónimo (Flash): sus mordaces sátiras contra Guzmán Blanco al final del Septenio y el breve ascenso de Linares Alcántara fueron brillantes ocurrencias en un país que reaccionó sólo momentáneamente contra el Ilustre Americano. El regreso de Guzmán Blanco silenció al Fígaro y el anonimato seguramente protegió a sus autores. La última litografía, firmada por Aramburu, fue La capilla ardiente del Gran Demócrata (Alcántara) (nº 62, 12 de diciembre de 1878).

Aficionado al teatro, Aramburu fundó en 1881 con el maestro Montero la llamada Compañía Infantil. En 1883 participó con producciones artísticas en la "Exposición nacional de Venezuela" (Palacio de la Exposición, Caracas) organizada con motivo del centenario del natalicio de Simón Bolívar. Entre sus últimos trabajos está el retrato de Carlota Guzmán de Coiticoa en su Corona fúnebre (1887). Aramburu contrajo matrimonio con Ana Teresa Betancourt en 1853. Sus hijos, Luis y José Vicente, siguieron en la imprenta y litografía hasta 1897, cuando la venden al Gobierno del estado Miranda. Luis Aramburu, quien siguió en la litografía El Zancudo, imprimió El bien general, de Telmo Romero, con 2 litografías, a finales de siglo.

2 Colecciones

Academia Nacional de la Historia, Caracas / BN / Fundación Boulton

3 Fuentes

- Archivo Arquidiocesano de Caracas, Matrimonios, 299.

- Archivo Catedral de Caracas, Bautismos, 20.

- Archivo Cementerio General del Sur, Caracas, Inhumaciones, VI.

- Archivo Registro Principal de Caracas, Catedral, Defunciones.

- Con la fuerza y verdad de la luz de los cielos (catálogo de exposición). Caracas: Funres-GAN, 1977.

- Hernández Ron, Santiago. Estampillas clásicas de Venezuela. Caracas: BIV, 1967.

- Landaeta Rosales, Manuel. "La litografía en Caracas" (texto inédito). Archivo de Arístides Rojas, Academia Nacional de la Historia, Caracas, 4, G 2, 28.

- Nazoa, Aquiles. "Humorismo gráfico de Venezuela". En: Revista M, 47, X. Caracas, octubre-diciembre de 1973, pp. 19-27.

- Pérez Vila, Manuel. La caricatura política en el siglo XIX. Caracas: Lagoven, 1979.

 

Araujo [Castellanos], Hernán Alí

n. Boconó, Edo. Trujillo, 17.7.1939

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo de Ramón Araujo y Francisca Castellanos. Desde niño se interesa en la fotografía, lo que lo lleva a realizar seminarios y talleres para aprender las técnicas del oficio. Inicia estudios de geografía en la ULA al mismo tiempo que participa en los talleres de diseño gráfico, pintura y serigrafía en el Centro Experimental de Arte y se encarga del Departamento de Fotografía de la Escuela de Arquitectura de esa misma universidad (1970). Viaja a Roma donde realiza diversos talleres de cinematografía en la Academia Cinecittà (1974). Posteriormente se traslada a París para continuar sus estudios en la Organización Baran (1982) y realiza diversos documentales por encargo, en algunos de los cuales relata la vida y obra de personajes y artistas como Mauro Mejías, entre otros. En 1979 es miembro fundador de la Avef (de la cual fue su secretario ejecutivo), junto con Luigi Scotto, Josune Dorronsoro, Fermín Valladares y Orlando Hernández, entre otros. En 1980 viaja a México donde presenta su primera muestra individual, "Mujeres de San Antonio" (Museo Bellas Artes, Ciudad de México), en la que exhibe una serie de fotografías que captura diferentes momentos de la vida cotidiana de las mujeres de esta ciudad, así como rasgos distintivos de su cultura y su personalidad. Entre 1977 y 1983 trabaja en el Departamento de Fotografía del MBA realizando el registro de obras de la colección de esta institución, y en 1984 se traslada al MAO. En "Rituales" (Teatro Municipal, Caracas, 1983) muestra una serie de fotografías sobre ritos cotidianos, referidos particularmente a las representaciones sociales comunes de los seres humanos. Realiza numerosas exposiciones colectivas tanto en Venezuela como en el exterior, entre ellas, "Octubre libre" (Galería del Consejo Venezolano de Fotografía, Caracas, 1979) y "Nueve modos de ver" (Sala Sidor, 1984). Entre 1985 y 1989 realiza el montaje cinematográfico para algunos filmes venezolanos y colombianos, y trabaja como camarógrafo en documentales comerciales. Araujo ha hecho fotografía publicitaria para diferentes empresas comerciales de moda, así como fotografía industrial. Asimismo, ha participado en la investigación hemerográfica y en la reproducción fotográfica para diferentes publicaciones, entre ellas, Cuarenta años después (San José de Costa Rica: Credival, 1982), ensayo documental fotográfico sobre los principales hechos acaecidos en Venezuela durante la década de los cuarenta. En 1986 inaugura "Ritos" en la Galería El Daguerrotipo de Caracas. Su obra fotográfica se ha dirigido fundamentalmente a captar los diversos momentos de la cotidianidad, de los ritos y costumbres del ser humano. Según María Teresa Boulton, el trabajo de "Hernán Alí Araujo descubre rituales insólitos y comunes en la vida venezolana" (1990, p. 71). Actualmente se dedica a la fotografía digital, en la que sigue prevaleciendo su interés social por el hombre, por su comportamiento ante los nuevos cambios que experimenta nuestra sociedad y por los diferentes roles que asume ante ella.

2 Exposiciones individuales

1980 "Mujeres de San Antonio", Museo Bellas Artes, Ciudad de México

1983 "Rituales", Teatro Municipal, Caracas

1986 "Ritos", Galería El Daguerrotipo, Caracas

3 Colecciones

BN / MBA

4 Fuentes

- Araujo, Hernán Alí. Ritos (catálogo de exposición). Caracas: Galería El Daguerrotipo, 1986.

- Boulton, María Teresa. Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea. Caracas: Monte Ávila, 1990.

- El pan nuestro de cada día (catálogo de exposición). Caracas: Consejo Venezolano de Fotografía, 1979.

- Entrevista al artista.

 

Araujo Juan

 n. Caracas, 28.10.1971

 1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

  1 Vida y obra

Pintor. Hijo del escritor Orlando Araujo. Licenciado en el IUESAPAR, en la especialidad de pintura (1996). A partir de la tradición pictórica más ortodoxa de la pintura paisajística, realiza grupos seriados de pequeño formato elaborados a partir de un mismo tema o motivo, con variaciones climáticas, tonales, formales o compositivas. Estas series recuerdan las variaciones de algunos impresionistas. Cabe mencionar su trabajo realizado con pétalos de rosas en el que utiliza la técnica de la encáustica (pétalos de rosas oxidados con cera de abeja y solventes sobre el lienzo); su trabajo sobre las cortezas de eucalipto, en las cuales trabaja con series de fotografías para luego ser llevadas al trabajo pictórico; sus paisajes de Creta (Grecia), y sus versiones de obras de Armando Reverón. Sobre su individual "Batallas" (MBA, 2000) se comentó: "desde las hermosas flores de Fantin-Latour hasta las imágenes de tornados tomadas de la National Geographic, todas ellas ponen de manifiesto esa necesidad de revelar lo bueno del cuadro y repetirlo; pero también el despejar las zonas de interés, descubrir en las manchas otras posibilidades, el dejarse llevar por los instintos" (Tapias, 2001). La GAN posee su serie Climática (encáustica sobre madera, 1998), Lotos y tulipanes (litografía sobre papel, 1997) y Telas caídas en el paisaje (instalación fotográfica en cybachrome, 1997).

  2 Exposiciones individuales

1990 "Imágenes", Incanal

2000 "Batallas", MBA

2002 "Holanda", Galería D'Museo, Caracas

  3 Premios

1998 Premio Especial Henri Pittier, II Bienal Nacional del Paisaje, MACMMA

1999 Tercer premio, III Salón Pirelli

2001 Primer premio, IV Salón CANTV de Jóvenes con FIA, Ateneo de Caracas

  4 Colecciones

Colección Cisneros, Caracas / GAN / MACCSI / Tabacalera Nacional, Caracas

  5 Fuentes

- Archivo del artista.

- Cosecha 98 (catálogo de exposición). Caracas: Galería Li, 1998.

- Quinta Bienal de Artes Visuales Christian Dior (catálogo de exposición). Caracas: Centro Cultural Consolidado, 1997.

- Tapias, Anita. "Juan Araujo". En: Art Nexus, 39. Caracas, enero-marzo de 2001.

 

 

Areco Amelie

  n. Panamá, 7.12.1952

1 Vida y obra 2 Libros ilustrados 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Ilustradora y diseñador gráfico. Realizó estudios de diseño en el Instituto Neumann y, entre 1980 y 1983, en el Art Center College of Design de Los Ángeles, donde se graduó con honores. Ha realizado trabajos de animación y fotografía y ha sido docente en materias como ilustración avanzada, en el IDC, y técnicas básicas de ilustración e ilustración publicitaria en Prodiseño. Se ha dado a conocer fundamentalmente por su trabajo en el área de libros para niños. Se inició en 1976, en la revista Tricolor del ME; colaboró durante dos años con la revista infantil La Ventana Mágica, y, hasta ahora, ha ilustrado cinco libros para niños. Es una ilustradora de gran versatilidad que, además de abordar temas muy variados y trabajar con diversidad de técnicas —experimentales y mixtas—, lleva a cabo su trabajo partiendo siempre de una exhaustiva investigación previa, como puede reflejarse en los dibujos originales realizados para el libro El hombre, el tigre y la luna, recreación de un cuento de la etnia pemón, con los que logra transmitir su cultura y entorno. Ha realizado trabajos en blanco y negro, de gran calidad artística, como las ilustraciones a plumilla para el libro De cómo Panchito Mandefuá cenó con el Niño Jesús, de un estilo geométrico con cierta reminiscencia del art nouveau, que transmiten la atmósfera y la estética de la Caracas de los años treinta y en las que, a través de tramas superpuestas, crea interesantes juegos de luces, sombras y matices. Asimismo ha desarrollado originales propuestas gráficas, como la concebida para el libro Vuela, Pokita, vuela, cuyas ilustraciones fueron realizadas en acrílico y tintas planas, con las técnicas del aerógrafo y el pincel. Pero se puede afirmar que los trabajos de ilustración con los que ha alcanzado éxito nacional e internacional, son los libros realizados para Ediciones Ekaré, entre 1978 y 1979: dos leyendas indígenas con numerosas ediciones y reconocimientos que han sido publicadas en varias lenguas. Para la primera de ellas, El cocuyo y la mora, un cuento pemón, elaboró unas minuciosas ilustraciones a plumilla y rapidograf, y todo el trabajo de separación manual de color a través de un hábil manejo del dibujo, la línea, los planos y las perspectivas —propuesta con la que no sólo logra dar vida eficazmente a los personajes protagonistas sino también al propio paisaje de la Gran Sabana, con sus tepuyes y grandes extensiones—. Para la segunda, El burrito y la tuna, de origen guajiro, trabajó con acuarela y creyón, y alternó ilustraciones a color y en blanco y negro, en las que destacan la acertada creación de atmósferas y personajes fantásticos, y el uso armonioso de los colores. Estos trabajos también se enmarcaron en concepciones de diseño atractivas y originales. Su trabajo ha sido seleccionado en la exposición de "Los mejores libros para niños del Banco del Libro" en 1980 (con El cocuyo y la mora), 1984 (El burrito y la tuna) y 1987 (De cómo Panchito Mandefuá cenó con el Niño Jesús). Representó a Venezuela en la "Segunda exposición itinerante latinoamericana del libro infantil", realizada en Europa, Estados Unidos y Centroamérica. Debido a su calidad estética y técnica, sus ilustraciones ocuparon un lugar destacado en la exposición "Mundo de cuentos", realizada en el MACCSI, en 1991.

2 Libros ilustrados

- El cocuyo y la mora. Caracas: Ekaré, 1978.

- El burrito y la tuna. Caracas: Ekaré, 1979.

- Pocaterra, José Rafael. De cómo Panchito Mandefuá cenó con el Niño Jesús. Caracas: Alfadil, 1986.

- Vuela, Pokita, vuela. Caracas: Ediciones Galac, 1988.

- Rivero Oramas, Rafael. El hombre, el tigre y la luna. Caracas: Monte Ávila, 1994.

3 Premios

1979 Premio, "Primera exposición anual del libro", BN; por El cocuyo y la mora

1983 Premio, V Exposición Anual del Libro, BN; por El burrito y la tuna / Premio ANDA, mención creatividad e ilustraciones; por La Cajita Feliz de McDonald's

1988 Premio, IX Exposición Anual del Libro, BN; por Vuela, Pokita, vuela

4 Fuentes

- Jornadas de discusión sobre el cuento para niños. Caracas: UCV, 1988.

- Literatura infantil venezolana. Guía de autores, ilustradores y editoriales. Caracas: Banco del Libro, 1995.

- Mundo de cuentos (catálogo de exposición). Caracas: MACCSI, 1991.

Arena Arístides

  n. Caracas, 8.8.1893

m. Puerto Cabello, 29.12.1974

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor, restaurador y músico. Hijo del coriano Andrés Arena y de Cleotilde Castillo, natural de Villa de Cura (Edo. Aragua). En 1903, su familia se traslada de Caracas a Villa de Cura (Edo. Aragua), posteriormente a Los Puertos de Altagracia (Edo. Zulia) y a Carora (Edo. Lara). En 1905 conoce a Julio T. Arze, con quien estudia dibujo y escultura hasta 1909. A partir de ese año se inicia como restaurador de imágenes religiosas en las iglesias de Barbacoa, San Pedro del Hato y El Jabón. En 1913 viaja por primera vez a Barquisimeto y comparte estudios de ingeniería con clases de violín; se incorpora en 1917 a la Banda de Música de Barquisimeto y continúa pintando de manera autodidacta. A partir de 1920 incursiona en la elaboración de instrumentos de cuerdas. En 1928 se traslada a Duaca (Edo. Lara) para dirigir la Banda Municipal. Dos años después regresa a Barquisimeto y retoma su trabajo como restaurador de imágenes religiosas. En 1933 contrae matrimonio con María Candelaria Ramírez y participa por primera vez en una colectiva realizada en Caracas. Para este año conoce a Rafael Monasterios y, en 1938, se incorpora a la Escuela de Artes Plásticas de Barquisimeto hasta 1941, cuando egresa en la primera promoción, integrada por pintores como Argenis Madriz, Luis Ordaz y Eliécer Ugel. En 1942 es nombrado por el gobernador Honorio Sigala, director de la Escuela de Música, donde funcionaba además una escuela de pintura, fundada por Trino Orozco. En 1944 se traslada de nuevo a Barquisimeto y continúa su actividad como pintor. Desde 1947 vivió en Puerto Cabello, donde fue director de la Banda Municipal (hasta 1962). En 1948 realiza su primera exposición individual en Caracas con 38 paisajes. En 1970 obtuvo un tercer premio en pintura por su óleo El Turbio. Ese año se radica en Barquisimeto. Además de su obra paisajística, como escribiera Perán Erminy, "hay un aspecto que perdura como una constante estilística en la pintura de Arena: es su tendencia hacia la claridad, la nitidez, la sencillez de los planos, estilización de las formas, y más específicamente, acaso como una poderosa inclinación de su interioridad, la soledad de sus temas" (1972). De su obra, la GAN tiene en su colección óleos como Paisaje del Turbio, El Tocuyo antes del terremoto y Paisaje, realizados entre 1933 y 1955.

2 Exposiciones individuales

1948 Museo de Ciencias, Caracas

1960 Ateneo de Barquisimeto

1970 Galería Universitaria Rafael Monasterios, Barquisimeto

1972 Galería Durban, Caracas

3 Premios

1970 Tercer premio, Salón de Pintura, Banco Agrícola y Pecuario, Barquisimeto

4 Colecciones

GAN / Museo de Barquisimeto

5 Fuentes

- Cinap, A 37.

- Erminy, Perán. Arístides Arena (catálogo de exposición). Caracas: Galería Durban, 1972.

Arguinzones Miguel

n. Caracas, 10.9.1954

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor y pintor. Hijo de José Antonio Arguinzones y Beatriz Meza. Entre 1967 y 1971 estudia artes gráficas en la Escuela Cristóbal Rojas, interesándose en la xilografía; sin embargo, en 1981 asiste a un seminario de cerámica dictado por Warren Mackenzie y empieza sus indagaciones en esta rama. En 1982 asiste a los cursos de cerámica de la Escuela Cristóbal Rojas y realiza sus primeras individuales. Desde temprano Arguinzones emplea la arcilla quemada para realizar formas figurativas que ensambla con materiales de desecho, creando, para sus personajes retorcidos y altamente expresivos, escenografías propias: jaulas, puertas derruidas, sacos de trapo o una simple cuerda de la cual cuelgan hacia el vacío. Así, alejado ya de las artes gráficas, se vuelca de lleno en los medios tridimensionales, llegando con el tiempo al vaciado y la talla directa en piedra o madera. En 1986, Arguinzones trabaja como profesor de escultura en el Centro de Formación Docente Angelina Curiel de Caracas y es profesor de escultura y cerámica en el TEAF. En 1987 inicia viajes por islas del Caribe donde dicta cursos de pintura, escultura y cerámica en un programa de cooperación entre Venezuela y el Caribe auspiciado por la Cancillería venezolana y el Conac. Ese año inicia trabajos de fundición en bronce y talla en piedra en la Escuela Cristóbal Rojas y al año siguiente trabaja en talla de madera (caoba, pardillo, cedro) y modelado directo en concreto, técnica que empleará para algunas de sus piezas monumentales. En 1990 dicta cursos en el IUESAPAR y en 1993 es nombrado presidente de la Fundación Escuela Nacional de Escultura y director del Centro de Formación Cultural Angelina Curiel. En Penak Stock Fram, Roseau, Dominica, ejecuta su primera pieza estatuaria, La lluvia, en concreto armado, de 3 x 0,9 m. En 1994 dicta cursos en la Escuela de Artes Plásticas San Alejandro de La Habana y realiza en el patio de la institución El vuelo, en concreto armado, de 3,5 x l m. "Su trabajo está realizado a partir de técnicas básicas del modelado en barro, pero ahondando en proposiciones que rebasan tanto lo estético como lo utilitario. Arguinzones se plantea problemas y resoluciones a partir de una infraestructura modesta: arcilla, tela de saco y restos de chatarra. Ello le basta para recrear un mundo personal y altamente repulsivo. Su interés no se concentra en atraer la mirada complacida del espectador sino más bien, a través de una fina ironía visual, impactarlo desde sus cimientos. Arguinzones juega con la ambigüedad: si bien es cierto que la mirada condicionada rechaza a sus personajes, una segunda lectura aporta sentimientos cercanos a la ternura y al amor" (Losada Soucre, 1982, p. 23).

2 Exposiciones individuales

1979 Esquina del Viento a Callejón Mercedes, La Pastora, Caracas

1982 "Juntos o solos", Hospital de Niños J.M. de los Ríos, Caracas / Centro de Arte Euroamericano, Caracas / "La impotencia", CNP, Puerto La Cruz

1983 Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui

1984 "Sin piedad, sin historia", Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1985 "Parto y muerte", CNP, Barquisimeto

1987 Galería Arte Bocetos, Caracas

1989 Aruba Concorde Hotel, Aruba / Akademia di Arte di Korsou, Willemstad, Curazao / Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1990 Asamblea Legislativa del Estado Anzoátegui, Barcelona

1992 Galería Medio Pliego, Cumaná / Centro de Formación Cultural Rafael Gómez Velásquez, Cumaná

3 Colecciones

Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui / Banco Mercantil, Caracas / CIV / Escuela de Artes Plásticas San Alejandro, La Habana / Filarmónica Simón Bolívar, Caracas / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / MRE / Penak Stock Fram, Roseau, Dominica

4 Fuentes

- Losada Soucre, Luis. "Arguinzones revela su fiebre, Yeni y Nan el origen de la vida". En: El Diario de Caracas. Caracas, 6 de junio de 1982, p. 23.

Arias Casimiro

n. Caracas, h. 1808

m. Caracas, 11.4.1874

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Orfebre. Hijo del maestro orfebre Pedro Fermín Arias y Concepción López. Fue mayordomo de la cofradía del Santísimo de Altagracia. El 18 de abril de 1848 concluye el sagrario para llevar el viático, de plata repujada y dorada, en estilo neogótico, de 29 cm de alto, donado a la Iglesia Parroquial de Guárico por el presbítero José Esteban Pérez (hoy en la colección sucesión Luis Guillermo París). Hacia esa fecha realizó una pieza similar de 28 cm (Museo de Arte Colonial, Caracas). Después de 1862 realiza una serie de piezas donadas por Carmen Plana de Vargas a la Iglesia del Carmen de La Guaira: una corona de plata dorada con piedras de vidrio, para la imagen de Nuestra Señora de las Mercedes; el 1 de marzo de 1868 concluye una corona de plata repujada dorada y con piedras de vidrio y ese mismo año realiza dos escapularios de filigrana de plata dorada para Nuestra Señora del Carmen. "De todas sus obras conocidas las más interesantes son los sagrarios y los escapularios. Estos últimos con partes de filigrana" (Duarte, 1970, p. 307). Arias falleció a los 66 años según consta en el libro parroquial de Altagracia, y los oficios de sepultura estuvieron a cargo del futuro arzobispo Críspulo Uzcátegui.

2 Colecciones

AVAAC / Iglesia de Nuestra Señora del Carmen, La Guaira

3 Fuentes

- Duarte, Carlos F. Historia de la orfebrería en Venezuela. Caracas: Monte Ávila, 1970.

Arias Pedro Fermín

n. Caracas, 25.9.1753

m. Caracas, 11.1814 (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Orfebre. Hijo natural de Geralda Nicolasa Arias. Casó a los 37 años, con María de la Concepción López, hija de un ebanista. Poseía un taller en Altagracia, cerca de Caja de Agua (Caracas), con cuatro oficiales y tres aprendices. Pertenecía a la compañía de Milicianos Pardos Urbanos y participó en el Ayuntamiento en la organización del gremio de orfebres de la ciudad a partir de 1791. El 24 de enero de 1787 recibió 28 pesos por la composición de la vela de Nuestra Señora de la Candelaria para la iglesia del mismo nombre. Hacia 1789 se reedificaba la capilla de Nuestra Señora en la Iglesia de San Jacinto y es probable que algunas obras de platería fueran encargadas a Arias (Duarte, 1970, p. 359). En 1789 recibió 6 pesos por limpiar al fuego y sin bruñir el trono para Nuestra Señora y en 1790 se le pagaron 50 pesos por el bruñido del sagrario de plata del altar mayor. El 18 de junio de 1791 se le pagan 5 pesos y 6 reales por el dorado de la copa de un cáliz y patena del Real Seminario de Santa Rosa de Lima de Caracas. En abril de 1797 recibió 298 pesos y 1 real por un pedestal para el altar de Nuestra Señora en la Iglesia de San Jacinto y el 15 de julio de 1798, 87 pesos y 3 reales por un reflejo de oro que construyó para el niño de Nuestra Señora del Carmen, en la Iglesia de San Pablo. El 1 de octubre de 1799 se le encarga un nuevo pie para la custodia preciosa de la Catedral de Caracas, que graduó en 300 pesos. Esta obra se conserva actualmente. El 3 de abril de 1800 se manda a reparar la custodia de exposición del Santísimo, en la catedral, que se le encomienda a Arias después de examinarla. El 21 de octubre fue escogido para la construcción de la urna de plata para el monumento de la catedral, tras la aprobación del diseño y el cálculo del costo. La urna fue terminada en mayo de 1802 y su precio llegó a 2.557 pesos y 7 reales. El 14 de julio de 1801 se le comisiona la ejecución de las sacras, lavabo y evangelio de San Juan así como dos atriles de plata para la catedral, que concluye el 12 de febrero de 1802 a un costo de 405 pesos y 1 real. Estas piezas aún se conservan. En 1803, Arias se encargó del mantenimiento de la platería de la catedral y, en 1805, fue nombrado examinador, junto con Bernardo Caballero, "maestros de todo crédito en el oficio". En 1806 se encontraba establecido en el barrio de Altagracia, con cuatro oficiales y tres aprendices. En 1807 fue nombrado jurado, en el examen de los plateros menores; el 26 de noviembre fue examinado y reprobado aunque aprueba en una segunda ocasión, el 17 de diciembre. Ese año también hizo un presupuesto para el Cabildo Eclesiástico de una aureola y un báculo destinados al apóstol Santiago y unas andas de plata para sacar en procesión a los santos patronos Santiago y Santa Ana. La aureola, de 21 cm de diámetro, y el báculo, de 160 cm, existen en la catedral así como una tapa de plata del libro del Apóstol. El 4 de diciembre de 1807, hizo entrega de un cálculo de 1.700 pesos por una peana o repisa con su orla o medio círculo de rayos de plata cincelada, que concuerda con la que existe actualmente en la catedral. Ese año el Cabildo Eclesiástico ordenó que se hiciera de nuevo el cáliz de oro y piedras preciosas de la catedral, que le fue solicitado a Arias, quien entregó el 9 de abril de 1808 un informe de costos; el 26 de abril se le cancelaron 160 pesos por su trabajo. El 28 de junio se le comisiona para formar un diseño para un sol de plata con rayos que rodee todo el trono para el sagrario del altar mayor de la catedral. En diciembre de ese año recibió del presbítero Antonio Díaz Argote 368 pesos y 3 reales por unos cirios y cruz alta de plata al martillo para la Iglesia de San Francisco de Yare. Arias es autor de la magnífica banderola que hizo para la cofradía de San Pedro de la catedral, hacia 1808, de plata martillada repujada, cincelada y dorada, de 220 cm. A ambos lados pueden verse los atributos del apóstol rodeados por inscripciones en latín repujadas (Catedral de Caracas). El 2 de septiembre de 1809 aliña una lámpara de plata del Santísimo Sacramento en la Iglesia de San Mauricio y recibe por este trabajo 54 pesos y 3 reales. El 20 de diciembre de 1810 recibió 800 pesos a cuenta de las jarras, macetas y adornos para las andas de los Santos Patronos de la catedral. En diciembre de 1811 se le entregaron 2.000 pesos para comprar plata destinada al sagrario que realizaba para la catedral. Esta pieza fue desmontada en 1814 y entregada a los patriotas para su fundición. El nombre de Arias fue incluido por Andrés Level de Goda en el artículo de elogio a los pardos ilustres publicado en la Gazeta de Caracas (16 de agosto de 1820). Un hijo suyo, Casimiro, también alcanzó celebridad como orfebre.

2 Colecciones

Catedral de Caracas

3 Fuentes

- Duarte, Carlos F. El arte de la platería en Venezuela. Período hispánico. Caracas: Fundación Pampero, 1988.

- Duarte, Carlos F. Historia de la orfebrería en Venezuela. Caracas: Monte Ávila, 1970.

- Duarte, Carlos F. y Graziano Gasparini. Historia de la Catedral de Caracas. Caracas: Armitano, 1989.

Arismendi Brito Pedro

n. Carúpano, Edo. Sucre, 1832

m. Caracas, 1.2.1914

 1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Escritor, hombre público y aficionado a la fotografía. Hijo del teniente coronel Sotero Arismendi e Isabel Antonia Brito. Descendiente del general Juan Bautista Arismendi. Realizó sus primeros estudios en Carúpano, donde colaboró en la fundación del periódico El Eco del Paria (1853). En 1855, ya en Caracas, continuó estudios en el colegio El Salvador del Mundo que dirigía Juan Vicente González. Participó en la Guerra Federal como comandante del ejército centralista en el combate de Cúa en 1861, y comandante de La Guaira en 1862. A pesar de esto fue nombrado por Antonio Guzmán Blanco jefe del Estado Mayor en 1870 y comandante de armas de Caracas en 1871. Poeta de tendencias románticas, fue colaborador de La Entrega Literaria en 1882 y publicó, en el Primer libro venezolano de literatura, ciencias y bellas artes (1895), un estudio sobre la poesía venezolana. Como fotógrafo, se asoció con Pedro Manrique Arvelo (La Opinión Nacional, 3 de noviembre de 1886). Aunque la fotografía de Arismendi y Manrique adquirió fama no se conocen copias de sus trabajos. En 1893, El Cojo Ilustrado anunció su descubrimiento para conseguir en fotografías "las impresiones con colores, especialmente en las carnes […]. No sólo se conserva incólume el modelado, sino que se hace exquisito y la obra toma relieve singular" (1 de febrero de 1893). Candidato a la presidencia en 1897, fue miembro de la Academia Nacional de la Historia (1888) y miembro de la Academia de la Lengua (1906). Era el presidente del Consejo de Inspección y Vigilancia del Instituto Nacional de Bellas Artes en el momento de la huelga de 1909. Arismendi Brito dio respuesta a la carta enviada por los estudiantes el 31 de agosto. Su acta de defunción señala que al fallecer tenía 85 años.

2 Fuentes

- Archivo Registro Principal de Caracas, La Candelaria, Defunciones.

- Nieschulz de Stockhausen, Elke. Los periodistas en el siglo XIX, una élite. San Cristóbal: Ucat, 1982.

Arismendi Pedro María

a. Segunda mitad del siglo XIX

1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. En 1858, entre las 107 obras expuestas por los alumnos de la Escuela de Dibujo y Pintura, dirigida por Antonio José Carranza, sobresalió un óleo suyo, La concepción (El Foro, 24 de diciembre de 1858) y en 1860 participó entre las obras de pintura, según refiere Pedro José Rojas en la prensa, con una cabeza de expresión filosófica muy bien desempeñada (El Independiente, 3 de noviembre de 1860). En 1877, Arismendi figuró entre los miembros fundadores de la Academia de Dibujo y Pintura del Instituto de Bellas Artes.

2 Fuentes

- De la Plaza, Ramón. Ensayos sobre el arte en Venezuela. Caracas: Imprenta de La Opinión Nacional, 1883.

- Grases, Pedro. Testimonios culturales. Caracas: Ediciones de la Presidencia de la República, 1966.

Aristeguieta Miguel Isaías

n. Ciudad Bolívar, Edo. Bolívar, h. 1844

m. 15.6.1905 (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y fotógrafo. Hijo de Miguel Aristeguieta, presidente provisional de Guayana en 1871. Realizó retratos y paisajes. En relación a los motivos de estos últimos, y según la tradición familiar, se cree fueron pintados en Filadelfia (Pensilvania, Estados Unidos) y Boston (Massachusetts, Estados Unidos), donde quizás recibió formación plástica y fotográfica. Fue comisionado para realizar retratos de próceres, delegados al Congreso de Angostura y hombres ilustres vinculados a la historia de Ciudad Bolívar. Para el mismo sitio —la Galería de la Casa del Congreso de Angostura— compartieron encargos similares Pedro Lovera, hacia 1867, y Antonio Herrera Toro a comienzos del siglo XX, entre otros pintores. También en Ciudad Bolívar, en 1867, Aristeguieta figuró entre los colaboradores que promovieron la edificación de un monumento escultórico al Libertador, decretado en 1867, y que fue inaugurado en 1869, una escultura en bronce, copia de la realizada para Bogotá por Pietro Tenerani. Aristeguieta pintó cinco retratos: Santiago Mariño, obra deudora de la litografía de L. Tavernier, reproducida en Resumen de la historia de Venezuela de Rafael María Baralt y Ramón Díaz (París, 1841); Diego Vallenilla; Diego Antonio Alcalá —considerado por Rafael Pineda "una de las más audaces construcciones en escorzo de la producción de Aristeguieta" (1980, p. 146)—; Juan Bautista Dalla Costa; Wenceslao Monserrate, y Ramón Isidro Montes. Sobre este último retrato, inaugurado el 1 de mayo de 1879, Pineda ha expresado: "aquella fecha puede tomarse como punto de arribo de la actividad del pintor, en el doble rigor compositivo y colorístico con los cuales construye la simplificación de la imagen plástica: un objeto tanto más veraz por su controlada elaboración cultural" (op. cit., p. 163). En 1883 participó en la "Exposición nacional de Venezuela" (Palacio de la Exposición, Caracas), con motivo del centenario del natalicio de Simón Bolívar, con un escudo de la región de Guayana pintado al óleo (colección Museo Bolivariano, Caracas). En 1892 anunciaba haber abierto de nuevo su taller de pintura y fotografía en Ciudad Bolívar, en el cual ofrecía realizar retratos fotográficos desde miniaturas hasta tamaño natural, retratos en porcelana iluminados, cristalotipos y retratos al óleo o creyón (El Legalista, 16 de diciembre de 1892). Aristeguieta también llegó a realizar ferrotipos iluminados y calotipos que a veces retocaba con creyón, "esta metamorfosis de la técnica fotográfica que no pocas veces terminaba sirviendo como simple soporte dibujístico" (Pineda, 1984, p. 11). En 1896 se reprodujeron en El Cojo Ilustrado tres fotografías de su autoría tomadas en Puerto España (Trinidad y Tobago): Casa de Gobierno (1 de noviembre) y dos vistas de la Plaza Brunswick (15 de noviembre).

2 Colecciones

Museo Bolivariano, Caracas / Museo Casa del Congreso de Angostura, Ciudad Bolívar / Museo de Ciudad Bolívar

� 3 Fuentes

- Pineda, Rafael. 100 años de fotografía en el Orinoco. Sin lugar: Edelca, 1984.

- Pineda, Rafael. La historia pintada. Los retratos de la Casa del Congreso de Angostura (Ciudad Bolívar). Puerto Ordaz: Editorial Roderick, 1980.

Armas Aída [de soltera, Ponce]

n. Caracas, 24.8.1930

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Esmaltista. Hija de Rafael Ponce y Amanda Hernández. Esposa de Alfredo Armas Alfonzo, Premio Nacional de Literatura en 1969, y madre de una generación de artistas: Enrico, Ricardo, Annella y Edda Armas. Entre 1975 y 1977 estudia en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1976 comienza su actividad expositiva, presentando sus obras en salones colectivos de su escuela. En esta primera etapa experimenta en el plano figurativo, trabajando básicamente con láminas de cobre, tocando como tema la naturaleza, sus formas y colores. Posteriormente comienza a incursionar en la abstracción y crea los llamados Volúmenes esmaltados, con los que realiza su primera exposición individual en 1986 (Galería Visualart, Caracas). Según Ariel Jiménez, estas piezas eran "pliegues de un metal obligado a comportarse como una bolsa de papel, con el color y el acabado del vidrio […] como una piedra pulida por el roce constante de las olas del mar" (1986). Más adelante, crea los Relieves, con los que experimenta con las texturas producidas al moldear las láminas de metal montadas luego en marcos de bronce a manera de cuadros orográficos". Incorporando este concepto, realiza sus dos siguientes exposiciones. Para 1990 comienza a experimentar con los relieves "incrustados" en acrílico transparente y crea la serie Turimiquire: "Barniz vítreo que por fusión se adhiere a la delgada lámina de cobre convertida en irregularidades montañosas" (Edda Armas, 1991). En esta serie, Aída Armas logra, con una misma base de esmalte, diferentes matices de colores, dependiendo de los tiempos de aplicación de calor y la temperatura de cocción. Más adelante comienza a trabajar con obras de carácter escultórico, especies de óvalos ensamblados en su ecuador con madera (cartán, nazareno o pardillo). Bajo este concepto de ensamblaje recibió sus tres primeros premios como artista plástico. Aída Armas ha expuesto en el Salón Nacional de Artes del Fuego entre 1979 y 1994, en la segunda y tercera edición de la "Exposición internacional de arte en esmalte" (Coburg, Alemania,1987 y 1995), la II Bienal Internacional de Esmalte (Casa de las Artes, Laval, Francia, 1989) y el X y XI Salón Internacional de Artes del Fuego (Buenos Aires, 1997 y 1998).

2 Exposiciones individuales

1986 "Volúmenes esmaltados", Galería Visualart, Caracas

1988 "Volúmenes y relieves", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1989 "Volúmenes y relieves", MACC

1990 "43 piezas", Tienda, MACCSI

1991 "Serie Turimiquire", IESA / "Formas mágicas", Asamblea Legislativa del Estado Anzoátegui, Barcelona

1992 "Esculturas", Galería La Merced, Maracaibo

3 Premios

1994 Premio de Esmalte Fundación Banco Consolidado, XXI Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar

1997 Segundo premio, X Salón Internacional de Esmalte, Buenos Aires

1998 Premio Ciudad de Valencia, XXV Salón Nacional de las Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar

 

4 Colecciones

Galería Ars Forum, Caracas

 

5 Fuentes

- Archivo de la artista.

- Armas, Edda. Serie Turimiquire (catálogo de exposición). Caracas: IESA, 1991.

- Cinap, A 241.

- Jiménez, Ariel. "Los volúmenes esmaltados de Aída Armas". En: Volúmenes esmaltados (catálogo de exposición). Caracas: Galería Visualart, 1986.

Armas Annella

n. Caracas, 2.12.1962

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1 Vida y obra

Grabadora y diseñadora. Hija del escritor Alfredo Armas Alfonzo y la esmaltista Aída Armas. Realizó estudios de diseño gráfico en el Instituto Neumann (1983-1986). Durante ese período recibió enseñanzas de artistas como Luisa Richter —figura importante en su formación—, Rolando Dorrego, Ina Bainova y Ricardo Armas. A raíz de su participación en 1984 en la III Bienal de Miniaturas Gráficas que realizó el TAGA, uno de sus monotipos fue seleccionado para representar a Venezuela en la "10th International Miniature Print Exhibition", organizada por el Instituto Pratt de Nueva York (exposición itinerante que se desarrolló entre 1985 y 1987). Debido a esta experiencia, Luisa Palacios, directora del TAGA, conoce su trabajo plástico y la anima a continuar sus estudios y experimentación en el campo gráfico. En lo sucesivo se ha mantenido activa hasta el presente, participando en numerosas bienales y exposiciones colectivas tanto a nivel nacional como internacional. La obra de Annella Armas, tal como lo afirma Luisa Richter es "un tipo de trabajo sobre papel, que interesa con sus imágenes concentradas en horizontales, verticales, claros y oscuros, repeticiones […], la sustancia del lápiz, grabado, monotipia, penetra en la hoja y une a veces con una zona lírica los elementos del collage" (1987). La artista trabaja el collage sobre un papel con impronta xilográfica: son "elementos preexistentes y técnicas venidas del diseño gráfico, seleccionadas y ordenadas en el espacio hasta crear otra cosa con otro significado", ha comentado Annella Armas en 1992. La técnica del collage es su enfrentamiento con el soporte de papel. Construye imágenes yuxtaponiendo y sobreponiendo recortes de fotografías y fotocopias de ilustraciones de revistas y de prensa, donde la representación de personajes, sucesos y tramas son un recurso visual. Dice la artista en relación a éstas imágenes: "no busco contenido sino valores plásticos". En cuanto a la parte gráfica de sus composiciones, la xilografía constituye un recurso más de su trabajo. Este procedimiento lo realiza empleando un solo taco de madera con el cual hace, manualmente, numerosas impresiones a un tono. La sobriedad parece ser una búsqueda constante que se manifiesta en toda su creación plástica: el empleo de formas cuadrangulares —principalmente el cuadrado que determina la composición de la obra— y de los valores blanco y negro y la gama de grises, son directrices que rigen para el collage y la impresión xilográfica. Formas poliglobulares, la transparencia de las tintas, las texturas, tanto las visuales de las imágenes como las reales del collage y, eventualmente, el uso de un color, son elementos recurrentes. Cada una de estas variantes imprime una atmósfera lírica que se observa en obras como el tríptico Personajes (colección de la artista).

En 1992, realiza la serie titulada Frottages, que fue exhibida en la Sala Mendoza. En ella la artista simplifica la concepción de la imagen y de la obra. Son hojas de papel carbón, apenas sujetas a un bastidor de madera, trabajadas al reverso con una matriz y frotadas por el anverso hasta dejar una sutil y poco perceptible huella. La liviandad del papel crea un juego entre la huella, la luz y la sombra. Compositivamente la serie de los Frottages deriva de las formas en serie y geometrizadas de la xilografía en los collages. La serie 4 x (1992) y la obra 8 a 12:00-2 a 5:00 son claros ejemplos de esta nueva técnica. Dentro de la experimentación de la artista con la imagen y el papel encontramos Las cajas, que creó en 1991 y expuso en 1992 en la Sala Mendoza. Son papeles atrapados, prensados en vidrios con un soporte en madera tipo caja. "Pueden haber cosas muy diversas, pero el vidrio y las cajas, me permiten unirlos o aislarlos en el espacio, sin que pierdan su individualidad", comentó la artista. En 1997 recibió una mención en el III Salón Pirelli por su obra Aquí y ahora. Annella Armas ejerce el diseño gráfico, especialmente diagramando libros y publicaciones como el poemario Cuerdas de serpiente de Edda Armas, el cual fue seleccionado para la "Séptima exposición anual del libro ilustrado" realizada en 1986 en la BN. Igualmente participó en el I Salón de la Gráfica en la Filatelia, en el cual obtuvo una mención, realizándose a raíz de ello una emisión de estampillas con la imagen de la obra premiada.

2 Exposiciones individuales

1987 "Monotipos", Galería Vía, Caracas

1992 "0 x 0", Sala Mendoza

3 Premios

1986 Mención de honor, IV Bienal TAGA / Premio de adquisición, International Print Exhibition, Silvermine Guild Center for the Arts, New Canaan, Connecticut, Estados Unidos

1988 Mención de honor, V Bienal TAGA

1988 Bolsa de trabajo, sección gráfica, Salón Nacional de Artes Plásticas 88, Caracas

1990 Mención de honor, VI Bienal TAGA

1991 Mención, sección gráfica, I Bienal de Puerto La Cruz, Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz

1992 Mención, I Salón Nacional de la Gráfica en la Filatelia, Sala Ipostel / Primer premio, III Concurso de Diseño de Sellos de Correo, Ministerio de Correos y Telecomunicaciones, Tokio

1994 Primer premio, VIII Bienal TAGA

1997 Mención, III Salón Pirelli

4 Colecciones

CANTV / GAN / MACCSI / MBA / Silvermine Guild Center for the Arts, New Canaan, Connecticut, Estados Unidos

5 Fuentes

- 0 x 0 (catálogo de exposición). Caracas: Sala Mendoza, 1992.

- Caldera, Elio. 18 puntos gráficos (catálogo de exposición). Caracas: Centro Cultural Consolidado, 1995.

- Chacón, Katherine. "Luis Lartitegui, Annella Armas". En: Art Nexus, 51. Bogotá, agosto de 1992, p. 141.

- Richter, Luisa. [Presentación]. En: Gradación (catálogo de exposición). Caracas: Galería Vía, 1987.

 

Armas Baltazar

n. Caracas, 11.7.1941

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Grabador y diseñador gráfico. Realizó cursos de dibujo publicitario en el Centro Francisco Pimentel de Caracas (1958), de diseño industrial en el Instituto Neumann (1967-1970) y de diseño gráfico en el Cegra (1977-1979). A partir de 1983 trabajó como diseñador gráfico en la Unimet. Ha participado en exposiciones colectivas como el Salón de Dibujo Nuevo en Venezuela (1979), la I Trienal de Arte Gráfica Latinoamericana (Buenos Aires, 1979), la exposición "Memphis in May" (Banco Nacional del Comercio, Memphis, Tennessee, 1980) y la I Bienal Nacional de Dibujo y Grabado (GAN, 1982). En 1965 recibió el premio de pintura del I Salón INCE con Objeto y forma animal. Desde entonces se interesó en las tendencias de la nueva figuración. En 1978 recibió el Premio Braulio Salazar de dibujo del XXXVI Salón Arturo Michelena y, al año siguiente, el Premio Fundación Neumann de grabado con Un inmenso vacío. A comienzos de la década de 1980 realizó mezzotintas de virtuoso acabado y grabados con técnica mixta como La mujer que se fue al cielo (bolsa de trabajo, I Bienal Nacional de Dibujo y Grabado). En 1981 recibió el Premio Antonio Edmundo Monsanto del XXXIX Salón Arturo Michelena con Vientre de la calle (acrílico sobre tela) y, en 1982, el premio de adquisición del Instituto Pratt de Nueva York, con Prueba de artista de una prueba de artista.

2 Exposiciones individuales

1966 CVA

3 Premios

1965 Primer premio de pintura, I Salón INCE, Caracas

1978 Premio Braulio Salazar, XXXVI Salón Arturo Michelena

1979 Premio Fundación Neumann, XXXVII Salón Arturo Michelena

1980 Primera mención de honor, I Bienal TAGA

1981 Premio Antonio Edmundo Monsanto, XXXIX Salón Arturo Michelena

1982 Premio de adquisición, Graphic 82, Instituto Pratt, Nueva York / Bolsa de trabajo, I Bienal Nacional de Dibujo y Grabado, GAN

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / BN / Instituto Pratt, Nueva York / Museo Municipal de Artes Gráficas, Maracaibo / Galería Nacional de Arte, Washington / TAGA / Unimet

5 Fuentes

- Cinap, A 102.

 

 

Armas Elvia

n. Altagracia de Orituco, Edo. Guárico, 30.7.1933

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora. Hija de Arturo Armas Subero y María Victoria Arévalo. En sus años en el Liceo Ramón Buenahora es influenciada por su profesora de artística de origen francés, Françoise Bonnett. Entre 1952 y 1974 su vida transcurre desligada de la pintura; se traslada de Altagracia hacia Valle de la Pascua (1953) y finalmente a Maracay (1964). Se inicia en la pintura en 1974, a raíz de una enfermedad, firmando sus cuadros con seudónimo. Sus obras, de mucho colorido, unen acciones simultáneas en un mismo plano, lo que le da un valor simbólico a elementos folclóricos y mágico-religiosos. A partir de 1975 asiste a muestras colectivas en el estado Aragua y, en 1978, concurre a la importante muestra colectiva "Entre pintores desconocidos", organizada por el Té Catay. A finales de ese mismo año realiza su primera exposición individual en el Colegio de Abogados del Estado Aragua. En 1982 realizó estudios en el taller de Gladys Pirela en Maracay y, entre 1984 y 1985, asiste a clases de dibujo analítico en la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios de Maracay, bajo la tutela de Aquiles Ortiz. En 1987 participa en la colectiva homenaje a los 20 años del Museo de Arte de Maracay. Entre 1987 y 1995 participa en numerosas colectivas, entre ellas, la I Muestra de Pintura Popular Venezuela 2000 (1988) y la II Bienal Bárbaro Rivas (1989), y en 1990 realiza Así es mi tierra, mural en la Avenida Bolívar de Maracay. Fue instructora de artes plásticas en la Casa de la Cultura (1992) y en la Casa del Menor Trabajador (1993), ambas en Maracay. En 1995 participa en el Taller de Arte Plumario sobre las antiguas técnicas de selección, teñido y enlaces de plumas para la creación de trabajos plásticos contemporáneos, llevado a cabo en La Habana. Las obras realizadas fueron expuestas en una muestra colectiva en la Casa de las Américas en La Habana. Su pintura está llena de elementos folclóricos, místicos y religiosos, donde la intuición tiene un importante peso. En ella plasma su particular visión del mundo, al evocar con un gran colorido sus rincones de infancia y sus sueños.

2 Exposiciones individuales

1978 Colegio de Abogados, Maracay

1979 Galería Lisandro Alvarado, Museo de Antropología e Historia, Maracay

1980 Círculo Militar, Maracay

1981 Casa de la Cultura, Turmero, Edo. Aragua / Escuela Salesiana Agronómica, Valencia, Edo. Carabobo / Ceproaragua

1982 Casa de la Cultura Jorge R. Gómez, Cagua, Edo. Aragua / Corpoindustria, Maracay

1984 Covenco, Turmero, Edo. Aragua

1985 "La magia pictórica de Elvia Armas", Casa de la Cultura, Maracay

1986 "La magia pictórica de Elvia Armas", Museo de Barinas Alberto Arvelo Torrealba, Barinas

1987 Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui

1988 "La figuración efusiva y barroca de Elvia Armas", Galería Municipal de Arte, Maracay

1993 Club de Suboficiales, Maracay

1994 "De costumbres, rituales y otras devociones", MACMMA

1995 "De costumbres, rituales y otras devociones", Fundación Cultural José Ángel Lamas y Museo de Petare

3 Premios

1978 Mención, Concurso Caveguías, Maracay

1979 Primer premio, Concurso al Aire Libre, Casa de la Cultura, Turmero, Edo. Aragua

1981 Mención de honor, I Salón de Arte de Acción Democrática, Maracay

1982 Segunda mención honorífica, VI Concurso Tito Salas, Maracay / Mención, Salón Aniversario del Partido Comunista Gustavo Machado, Maracay

1983 Mención honorífica, I Salón Academia Andrés Bello, Turmero, Edo. Aragua / Mención, concurso, Guacara, Edo. Carabobo / Primer premio, Concurso Castor Vásquez, Turmero, Edo. Aragua

1987 Primer premio, Colegio de Médicos del Estado Aragua, Maracay / Mención, I Salón de Pintura Ingenua Bárbaro Rivas, Museo de Petare / Segundo Premio Ipasme, Valencia, Edo. Carabobo / Mención honorífica, VII Salón Anual Municipal de Pintura, Galería Municipal de Arte, Maracay

1988 Premio Isabel Ribas, II Bienal Salvador Valero / Tercer premio, I Muestra de Pintura Popular Venezuela 2000, Fedecámaras, Caracas

2002 Premio Regional de las Artes Visuales, Maracay

4 Colecciones

MACMMA

5 Fuentes

- Cañizares, Carol. De costumbres, rituales y otras devociones (catálogo de exposición). Caracas: Fundación Cultural José Ángel Lamas-Museo de Petare, 1995.

- Cinap, A 161.

 

Armas Enrico

n. Caracas, 23.11.1957

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Monumentos públicos 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor y pintor. Hijo del escritor Alfredo Armas Alfonzo, Premio Nacional de Literatura 1969, y la esmaltista Aída Armas. Inicia su actividad expositiva como escultor en 1973, a los 16 años. En esa primera muestra (Sala Ocre, Caracas), sus piezas parecían, según Juan Calzadilla, más abiertas "a la expresividad material, antes que al virtuosismo de la forma" (1973). En 1977 recibe el Premio Pepino Acquavella en el V Salón Nacional de Jóvenes de Caracas. Por esta época realiza estudios en el Cegra con profesores como Manuel Espinoza y Alirio Palacios. En 1978 recibe una beca del gobierno francés y viaja a París, realiza estudios de escultura y grabado en la Escuela de Artes Decorativas de Niza (1978-1980), en la Escuela de Bellas Artes de París y, posteriormente, de artes gráficas en la Escuela Superior de Artes Decorativas. Paralelamente realiza pasantías en la Escuela de Bellas Artes de París junto al escultor Étienne Martin, uno de sus maestros más influyentes. En 1981 regresa a Venezuela y estudia en el Instituto Neumann, hasta 1983, cuando retoma sus estudios en el Cegra, para egresar en 1984. El trabajo de este polifacético artista plástico tiene como fundamento la libertad técnica, de lenguajes y géneros, y la ruptura de los estilos. Así, dos tendencias pueden denotarse en el desarrollo de su trabajo escultórico: por un lado, en los años setenta, realiza obras básicamente figurativas, mediante el fundido en bronce, donde las representaciones de caballos y seres humanos son predominantes.

Después de su estadía en Francia, se vuelca hacia la abstracción, trabaja con obras realizadas fundamentalmente con varillas de metal, hierro y aluminio que se doblan y retuercen, hasta componer un entramado de líneas que crean en el espacio dibujos tridimensionales. De su obra en esta época escribió Federica Palomero: "se impone el carácter informalista del trabajo: el proceso de doblegar la materia desnuda y resistente viene a constituir la obra misma, marcada por la violencia del esfuerzo físico. Los volúmenes obtenidos son variados, así como su densidad […]. En el transcurso de la década [de los ochenta], las cabillas van adquiriendo cierto orden y sosiego" (1997). En una entrevista con Carlos Cruz-Diez en 1985, Enrico Armas describe estas obras como "concentraciones": volúmenes transparentes que son también masa. Un ejemplo de estas piezas es el Monumento al hierro (700 x 180 cm), con la que gana el concurso para una pieza monumental de Fundametal (Valencia, Edo. Carabobo, 1983). En 1989 regresa a la figuración con la técnica del modelado en cera o arcilla, y su posterior fundición en bronce. En 1990 reúne más de 30 caballos realizados entre 1989 y 1990 en la exposición "Caballos de bronce" (Galería Uno, Caracas). Sus creaciones no tienen dimensiones fijas, aunque entre lo figurativo y lo abstracto, se aprecia un desarrollo mayor de obras de pequeño y mediano formato por sobre las de gran formato. Participa en repetidas ocasiones en el Salón Arturo Michelena, en el cual es premiado en tres oportunidades. En el ámbito internacional ha participado en exposiciones colectivas en Francia, Hungría, Colombia, Estados Unidos, India y España. Como artista gráfico ha realizado litografías y serigrafías que ha incluido en muchas de sus exposiciones. También ha incursionado en el arte efímero, como la instalación para el Castillo San Carlos Borromeo (Pampatar, Edo. Nueva Esparta, 1984), cuyo interés radica en los materiales habituales de la zona (arena, madera, restos de embarcaciones, conchas marinas, etc.), que se relacionan con el espectador en un espacio distinto al cotidiano.

En 1992 presenta su primera individual de pinturas en la Galería Arte Hoy de Caracas. Según Juan Carlos Palenzuela, el artista, en la pintura, al igual que en la escultura, "pasa indistintamente del arte abstracto al figurativo y viceversa" (1992). Armas trabaja con óleo y acrílico sobre tela, incorporando algunas veces el collage. Palenzuela añade: "el espacio activo continúa siendo el tema de Armas" (op. cit.). Con ocasión de una exposición de 1998, "Del color a la intimidad", Palenzuela describe la evolución del artista en este género: "seguramente, Enrico Armas busca, entre otros aspectos, una polifonía del color. Ya no se trata de timbres sutiles, transparentes, tal como recuerdo aquellos de 1992, sino ahora se hallan compactos, abrasivos, con breves luces que son como centellas. Color textural, en unas pocas gamas y desde allí en diversos registros […]. Pintura de un espacio saturado, amarillos que se sobreponen a la fuerza del color, empastes que llegan hasta los ojos y en medio de todo ello, figuras —árboles, botellas, caballos—, como persistencia de la imagen, de lo imaginativo, de lo festivo en medio del fuego" (1998). Armas ha trascendido los espacios tradicionales dedicados al arte, museos o galerías, realizando obras de variadas dimensiones para ser expuestas al aire libre en distintos sitios públicos, dentro y fuera del país. En febrero de 1999 presentó la exposición "Con secuencias" (Galería Braulio Salazar), más de 50 obras que recorren todas sus etapas y estilos como artista. En 2001 representó a Venezuela en el Festival de Cagnes-sur-Mer (Francia).

2 Exposiciones individuales

1973 "Escultura", Sala Ocre, Caracas

1976 "Dibujos", Sala Ocre, Caracas

1978 "Esculturas", Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1984 "Esculturas, serigrafías", Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo

1985 "Esculturas", Galería Graphic/CB2, Caracas

1986 "Esculturas", Tienda, MACC / "Colores en el espacio", La Casa Rosada, Caracas / "Esculturas", Interalúmina, Puerto Ordaz

1987 "Esculturas, gráficas y tapices", Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz

1988 "Convergencias y singularidades", Museo Soto / Museo Francisco Narváez

1989 "Dibujos y esculturas", Galería Arte Bocetos, Caracas / Galería El Pasillo, Estación Chacaíto, Metro de Caracas

1990 "Esculturas y dibujos", Espacio Simonetti, Valencia, Edo. Carabobo / "Caballos de bronce", Galería Uno, Caracas

1992 "Espacio activo, pinturas", Galería Arte Hoy, Caracas

1993 "Trazas", Los Espacios Cálidos

1994 "Vivir", Galería Art Nouveau, Maracaibo / "Ese otro espacio", Galería Art Nouveau, Maracaibo

1997 "Al filo de la realidad", Sala Sidor / "Juegos ocultos", Galería Sólido, El Hatillo, Edo. Miranda / Galería San Francisco, Caracas

1998 "Eclipse total", Asamblea Legislativa del Estado Anzoátegui, Barcelona / "Alegría de vivir", Galería III Milenium, Puerto Ordaz / "Del color a la intimidad", Galería Medicci, Caracas / "Transparencias, pinturas", Café del Ateneo, Ateneo de Caracas

1999 "Con secuencias", Galería Braulio Salazar / "Viaje imaginario", Galería Medicci, Caracas / "Acto de fe", Galería Municipal, Punto Fijo, Edo. Falcón / "Entre cielo y tierra", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Entre mares", Casa de la Cultura, La Asunción

2000 "Sistema de signos. Pinturas", Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / "Del Caribe al Orinoco. Pinturas", Centro de las Artes, Ciudad Bolívar / "Largo camino. Pinturas", Galería Medicci, Caracas

2001 "Nombrar la pintura", Centro Cultural Corp Group, Caracas / "Glosa de trazos", Galería Medicci, Caracas

2002 "Paisaje tricolor", Galería Medicci, Coral Gables, Florida, Estados Unidos / "Paisaje tricolor", Galería Galica, Milán, Italia

2003 Museo Casa La Blanquera, San Carlos / MACMMA / Galería Factoría del Perro Verde, Madrid / La Casa del Pueblo, Beas, Huelva, España / Espace Meyer Zafra, París / Galería Medicci, Caracas

3 Premios

1977 Premio Pepino Acquavella, V Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Caracas / Premio UC para Escultura, XXXV Salón Arturo Michelena

1983 Premio Pieza Monumental, Fundametal, Valencia, Edo. Carabobo

1984 Premio Bernardo Rubinstein, XLII Salón Arturo Michelena / Mención honorífica, sección de escultura in situ, II Bienal de Escultura Francisco Narváez, Castillo San Carlos Borromeo, Pampatar, Edo. Nueva Esparta

1985 Premio Julio Morales Lara, XLIII Salón Arturo Michelena / Premio Gran Formato, Jardín Botánico, Caracas

1986 Segundo premio de escultura, II Bienal Nacional Ciudad de Maracaibo

1989 Premio Julio Morales Lara, XLVII Salón Arturo Michelena

1997 Segundo premio, IX Bienal TAGA

4 Monumentos públicos

Concentración para Caracas, Estación Chacao, Metro de Caracas / Concentración para Valencia, Parque Universitario, Valencia, Edo. Carabobo / Escultura 85, Jardín Botánico, Caracas / Homenaje a Jackson Pollock, Museo al Aire Libre Mariano Picón Salas, Mérida / Instalación de escultura arco amarillo, Mavesa, Los Cortijos de Lourdes, Caracas / Laberinto, Parque Baconao, Santiago de Cuba / Llovizna, Superintendencia General de Bancos, Caracas / Monumento al hierro, Fundametal, Valencia, Edo. Carabobo / Nido de pasiones, Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo / Un caballo para La Asunción, Fundación Cultural Arismendi, La Asunción

5 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / CAMLB / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Centro Wifredo Lam, La Habana / Colección Cisneros, Caracas / Conac / Fundarte / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / GAN / IVIC / MACMMA / Metro de Caracas / Mujabo / Museo Cruz-Diez / Museo de Ciudad Bolívar / Museo de Petare / Parque Baconao, Santiago de Cuba / Parque Bolivariano Minas de Aroa, Edo. Yaracuy / Sidor / TAGA / UC / UNESCO, Caracas

6 Fuentes

- Archivo del artista.

- Calzadilla, Juan. Esculturas (catálogo de exposición). Caracas: Sala Ocre, 1973.

- Cinap, A 101.

- Cruz-Diez, Carlos. Esculturas (catálogo de exposición). Caracas: Galería Graphic/CB2, 1985.

- Palenzuela, Juan Carlos. Pinturas de Enrico Armas (catálogo de exposición). Caracas: Galería Arte Hoy, 1992.

- Palomero, Federica. Al filo de la realidad (catálogo de exposición). Puerto Ordaz: Sidor, 1997.

 

 

Armas Lourdes

n. Cumaná, 11.11.1927

m. Houston, Texas, Estados Unidos, 28.4.1977

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Dibujante y pintora. Hija de Rafael Armas Chacín y Mercedes Alfonzo R. Su infancia y adolescencia transcurrió en Clarines, Edo. Anzoátegui; en los años cuarenta se traslada a Caracas, trabaja en Cartografía Nacional y en el Ministerio de Fomento como dibujante técnico. Realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. Entre 1948 y 1952 participó en las actividades del Taller Libre de Arte y, en 1949, en el II Salón Anual de Artes Plásticas en el Instituto Cultural Venezolano Soviético en Caracas. Esta etapa representó un importante momento en su actividad artística y el inicio de su carrera en el mundo del arte. Comenzó como ilustradora en revistas, textos y cuentos infantiles, trabajo que desarrolló en las revistas El Farol y El Morrocoy Azul. En 1950 participo en el XI Salón Oficial con tres acuarelas: El gallo, La boa y Macuto y, en 1951, en el IX Salón Arturo Michelena con la obra El caponcito y en la muestra "Pintura venezolana contemporánea" (Biblioteca Central Obrera, Caracas). En 1954 asiste al XV Salón Oficial con el guache Gallos y gallitos, y realiza un mural en cerámica para el Centro Materno Infantil María Teresa Toro (Maracay). En su trabajo se aprecia el carácter religioso y el apego a las tradiciones populares que aparecen en muchas de sus obras urbanas: iglesias, procesiones de Semana Santa o Carnaval. En 1961 se estableció en Maracaibo, hecho que coincidió con una variación de sus escenas de calles, a las que imprimió colores brillantes. En 1964 participó en el X Salón D'Empaire y un año después en el XXVI Salón Oficial con dos acuarelas sobre papel (Evocación de la ciudad con lago y Plaza popular). Entre 1966 y 1969 participó en el XI Salón D'Empaire, en el XXVII Salón Oficial y en "Nuevas tendencias de la pintura en Venezuela" (Biblioteca de la Facultad de Odontología, LUZ). A finales de los años sesenta se evidencia en su obra un alejamiento del espacio urbano para trabajar de una forma más íntima, el tema de la mujer. En los años setenta los gallos y los pájaros fueron tema constante en su obra, representados como creaciones fantásticas, plenas de colores, arabescos y líneas curvas, lo que la condujo a buscar nuevas formas de expresión y trabajar sus diseños a una escala mayor y con una técnica distinta (lanas sobre loneta), con la cual realizó Los tapices guajiros. En 1972, el MBA presentó una importante muestra de esos tapices. A mediados de los años setenta incorporó un nuevo tema de estudio en su obra: la abstracción, en la que experimentó con papeles recortados y pegados sobre distintas superficies, intervenidas con creyones y pasteles, guaches y tintas, o sobre superficies impresas, como patrones de costura.

2 Exposiciones individuales

1949 Taller Libre de Arte, Caracas

1964 Galería 40 Grados a la Sombra, Maracaibo

1968 "Señoras en el tocador", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1972 "Tapices", MBA

1977 "Retrospectiva", Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

3 Exposiciones póstumas

1977 "Homenaje en el día de la madre a Lourdes", Instituto Experimental Cantaclaro, Maracaibo

1978 Museo Emilio Boggio

1979 Mamja / Musaval / Galería Armando Reverón, Barcelona, Edo. Anzoátegui

1984 "Desde un balcón del bloque 1", Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas

1998 "Retrospectiva", CAMLB

 

4 Colecciones

Centro de Bellas Artes, Maracaibo / GAN / Maczul

 

5 Fuentes

- Cinap, A 40.

- Lourdes Armas A. Retrospectiva (catálogo de exposición). Maracaibo: CAMLB, 1998.

Armas Ricardo

n. Caracas, 23.11.1952

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo del escritor Alfredo Armas Alfonzo y la esmaltista Aída Armas. Su padre se dedicó durante la juventud a la fotografía y, como director de la revista Farol, realizó un importante registro fotográfico de templos coloniales venezolanos. En 1962, Armas Alfonzo le regala a su hijo una cámara Agfa Rapid, con la que éste toma sus primeros paisajes, retratos de familia y de amigos, además de algunos autorretratos. Ese año, en Cumaná, conoce a Sebastián Garrido, quien trabajaba en la Dirección de Cultura de la UDO. Posteriormente, en el Inciba, Garrido y Luis Brito lo estimulan a dedicarse profesionalmente a la fotografía. En 1972 abandona los estudios de arquitectura en la UCV y, entre 1974 y 1975, trabaja en la revista Escena, para la que realizó retratos, reproducciones de libros y fotografías de teatro y danza; también publica en los diarios El Nacional y El Universal y en las revistas M (Corimón), Imagen (Inciba) y Crisis. En 1976 funda, junto a Luis Brito, Alexis Pérez Luna, Vladimir Sersa y Jorge Vall, un movimiento fotográfico llamado El Grupo, que presentaba una visión crítica de la llamada Venezuela saudita; Fermín Valladares se incorpora posteriormente. El Grupo organiza una exposición colectiva, "A gozar la realidad", que se exhibió en Caracas (Librería Cruz del Sur, 1977) y en diversas ciudades del interior del país. Entre 1975 y 1978, como fotógrafo oficial, Armas realiza el registro de presentaciones del Ballet Internacional de Caracas. De ese período son las fotografías que publicó en Ballet Internacional de Caracas: programa de su IV temporada oficial (Fundación Neumann, 1977) y BID: imagen del ballet perdido (Fundación Pro Artes Coreográficas, 1981). Armas fue fotógrafo de la GAN (1976 y 1977), donde elaboró un importante registro de retratos de artistas (Manuel Cabré, Pedro Ángel González y Mateo Manaure, entre otros) en sus respectivos talleres. En 1978, la Cancillería publica el libro Venezuela, que reúne una selección significativa de fotografías de este artista de paisajes y aspectos de la cultura venezolana.

En 1979 publica, junto a El Grupo, el libro Letreros que se ven; ese año viaja a Nueva York y se inscribe en la Universidad de Nueva York, donde estudia inglés e inicia cursos de cine, que abandona para continuar con la fotografía. A partir de 1980 y hasta 1982 estudia en el International Center of Photography de Nueva York. Durante su estancia en esa ciudad, Armas desarrolla un trabajo titulado Cuadernos de Nueva York, constituido por varias series, cada una de las cuales representaba un año de trabajo y en las que realizó una lectura muy personal del paisaje urbano. De estos cuadernos, sólo se exhibió el primero (de 1980), en la Sala Cadafe, junto a la fotógrafa Lydia Fisher (1981). En Nueva York continúa su investigación sobre el autorretrato, que había iniciado en sus primeras experiencias fotográficas y que no había interrumpido. La revista M publicó un artículo-monografía de Isaac Chocrón titulado La nueva fotografía en Venezuela (nº 71, 1981), donde Armas fue incluido junto a Nelson Garrido, Bárbara Brändli, Samuel Dembo y Gonzalo Galavís. En 1982 retoma la antigua técnica del calotipo y el cianotipo para elaborar positivos, con una cámara de cartón de 4 x 5 hecha por él mismo; sus temas eran objetos cotidianos y naturalezas muertas, que expuso en la Sala Mendoza ese mismo año. Asimismo, bajo la influencia de Edward Weston experimenta con una cámara de gran formato 8 x 10.

En 1983 regresa a Venezuela y comienza a trabajar como fotógrafo jefe de la unidad de fotografía del MACC; ese año la moneda venezolana sufrió una brusca devaluación ("viernes negro", febrero de 1983) y el fotógrafo captó la nueva realidad del país en una serie de tomas de la ciudad, completamente alejadas de la imagen documental. En el MACC realiza retratos de artistas como Robert Rauschenberg y Jesús Soto, además de reproducciones de obras de arte. Continúa su serie de autorretratos; captura partes de su cuerpo o su sombra proyectada sobre paisajes urbanos o rurales, y también se retrata en el entorno familiar. En 1983 inicia su actividad docente en el Instituto Neumann, labor que desempeña hasta 1985. Desde entonces, y hasta 1996, imparte clases particulares en los talleres Manoa, donde estudiaron fotógrafos como Ricardo Alcaide, Ramón Lepage, Alexander Apóstol, Andrés Manner, Beatriz Grau, Amalia Caputo y Mauricio Donelli, entre otros. Ha participado en exposiciones colectivas como "Hecho en Venezuela" (MACC, 1978), "Fotografía latinoamericana" (Kunsthaus, Zúrich, Suiza, 1981), "Primera muestra de fotografía venezolana" (MBA, 1982), "Fotógrafos venezolanos" (The Photographers Gallery, Londres, 1982), "Seis fotógrafos venezolanos" (Oxford University, 1986), "Ricardo Armas y Luis Brito" (MACC, 1987), "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN, 1990) y "Ten Contemporary Venezuelan Photographers: De-Centering Visions" (Dubois Gallery, Lehigh University, Pensilvania, 1998).

En 1989 comienza a investigar con el uso de formas geométricas dentro del plano de la imagen y sobreimpresiones que revelaban una trabajada técnica de laboratorio. El resultado es un conjunto de grandes mosaicos que el artista llamó Surtidos. Estos trabajos experimentales fueron mostrados, junto al trabajo de otros cinco fotógrafos, en una exhibición organizada en 1989 por Corimón con motivo de la celebración de sus 40 años y luego publicados en el libro 40 x 5: cuarenta años de Corimón, cinco fotógrafos, con texto de Isaac Chocrón. A partir de este momento y hasta 1996, elabora una extensa serie de mosaicos, entre los cuales están Naturaleza surtida, Surtido de héroes y Surtido de templos. En agosto de 1996 se muda a Nueva York, y, en 1997 recibe el Premio Nacional de Fotografía y realiza la curaduría de la muestra "Grandes fotógrafos en colecciones venezolanas" (Centro de Arte La Estancia, Caracas). La GAN posee obras de este fotógrafo en su colección.

2 Exposiciones individuales

1976 "Venezuela, 84 fotografías", MACC

1977 "Fotografías de Ricardo Armas", La Fototeca, Caracas / "Fotografías de Ricardo Armas", USB

1982 "Calotipos", La Librería, Sala Mendoza

1985 "Fotografías", Galería El Daguerrotipo, Caracas

1996 "Unexpected landscapes", Consulado de Venezuela, Nueva York

2004 "Rostrum. Ricardo Armas 1972-2004", TAC

3 Premios

1993 Mención de honor, III Bienal Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas

1994 Premio Eladio Alemán Sucre, LII Salón Arturo Michelena

1997 Premio Nacional de Fotografía, Caracas

4 Colecciones

BN / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / MAO / MBA / Museo Soto

5 Fuentes

- Archivo del artista.

- Cinap, A 71.

 

Armitano Óscar

n. Caracas, 20.7.1954

m. Caracas, 12.12.1991

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Artista de medios mixtos. Estudió arquitectura en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV (1970-1975). Paralelamente realizó estudios de música y teatro, y luego, en París, de escenografía y utilización del espacio teatral. Ejerció como arquitecto, publicista y escenógrafo. Además de la pintura y la escultura, su obra comprende la realización de instalaciones y ensamblajes elaborados con telas, fragmentos y objetos de los siglos XVII y XVIII, a los cuales agregaba máscaras y joyas que se podían utilizar y luego retornar al conjunto de la obra. En 1980 realizó seis intervenciones-performances que conformaron la serie Tentaciones de medianoche, con la cual recorrió diversos lugares de Europa y Venezuela. Para esta época realizó trabajos escenográficos en Kenya invitado por el Centro Venezolano Francés para el Festival de Teatro de Humor de Nairobi. En 1983 expone en el Espacio Alterno de la GAN y participa en el Salón de Jóvenes Artistas realizado en la Casa Guipuzcoana (La Guaira), donde obtuvo el premio Conac de arte no convencional. Participó en diversas exposiciones en Europa entre las que se encuentran "8 artistas" (Galería Art et Buffet, París, 1985) y el Festival Iberoamericano de Arte (Hamburgo, Alemania, 1986). En su trabajo artístico, Armitano buscaba esa atmósfera irreal, evocativa, donde se crea una interacción entre los diferentes elementos que acusan una tensión psicológica. Materia y manera confrontadas. Esta tensión se plantea en un plano ficticio, como es ficticio el espacio teatral.

2 Exposiciones individuales

1983 "Objetos y ambientación", Espacio Alterno, GAN

1984 "Puesta en escena y arte de los objetos", Sala Cristóbal Rojas, Embajada de Venezuela, París /  "Dibujos del mundo", Galería Nesle, París

1985 "Object's Objects", Centro Cultural Francés, Nairobi, Kenya / "Ediciones limitadas", Galería Sotavento, Caracas / "Encuentro con la naturaleza", Galería Sagitario, Caracas

1986 "Pacto, pasión y poder", Galería Sotavento, Caracas

3 Premios

1976 Segundo premio de pintura, Salón de Arte de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV

1977 Primer premio de pintura, Salón de Arte de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV / Segundo premio de escultura, Salón de Arte de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV

1983 Premio Conac, arte no convencional, Salón de Jóvenes Artistas, Casa Guipuzcoana, La Guaira

1985 Premio Conac, Salón Nacional de Jóvenes Artistas, MACC

4 Colecciones

Colección Cisneros, Caracas / GAN / MACCSI

5 Fuentes

- Cárdenas, María Luz. Objetos/Ambientación (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1983.

- Duque, Luis Ángel. Pacto, pasión, poder (catálogo de exposición). Caracas: Galería Sotavento, 1986.

- Cinap, A 160.

Arnal [María] Carolina

 

n. Caracas, 12.10.1960

 

1 Vida y obra 2 Premios 3 Fuentes

 

1 Vida y obra

Diseñadora. Realizó estudios en el Instituto Neumann (1978-1982) y cursos de filosofía en la UCV, que no concluyó. Fue diseñadora gráfica de la GAN, donde llevó a cabo una importante labor en el Departamento de Publicaciones (1982-1985). Diseñadora asociada de ABV Taller de Diseño desde 1986, ha desarrollado la imagen corporativa de numerosas empresas e instituciones, publicaciones en general, investigaciones en el campo visual y realización de promociones. Entre sus trabajos más resaltantes se pueden nombrar los libros Un siglo de flores (Caracas: Ateneo de Caracas, 1988), La flor imaginaria (Caracas: Grupo Unión-Ateneo de Caracas, 1989), Mares (Caracas: Grupo Unión-Ateneo de Caracas, 1990), Fiestas tradicionales de Venezuela (Caracas: Fundación Bigott, 1991), La pesca artesanal en la costa Caribe de Venezuela (Caracas: Fundación Bigott, 1994) y El pan nuestro de cada día (Fundación Bigott, 1995).

 

2 Premios

1989 Diploma de honor, "Exposición internacional del arte del libro", Leipzig, Alemania

1990 Mención, Grafinal, Brasil

1991 Premio ANDA, mención libro del año, Caracas / Premio Gráfico Nacional, categoría libro tapa dura, Asociación de Industriales de las Artes Gráficas de Venezuela, Caracas

1993 Mención, categoría mejor libro ilustrado, Fundalibro

1995 Premio Mejor Libro del Año 1994, categoría libro divulgativo, mención diseño, Fundalibro

1996 Premio Mejor Libro del Año 1995, categoría libro ilustrado, mención diseño, Fundalibro

1997 Mención honorífica, I Bienal de Artes Visuales del Mercosur, Porto Alegre, Brasil

1998 Reconocimiento (a ABV Taller de Diseño) por la calidad de sus publicaciones, Cenal

 

 

3 Fuentes

- Armas Alfonso, Alfredo. Diseño gráfico en Venezuela. Caracas: Maraven, 1985.

- Esté, Aquiles. "No puede no comunicar. 25 años del diseño gráfico en Venezuela". En: DGV 70.80.90. Diseño gráfico en Venezuela (catálogo de exposición). Caracas: Centro de Arte La Estancia, 1996.

- Márquez, Felipe. La imprenta como origen del diseño gráfico en Venezuela (catálogo de exposición). Caracas: BN, 1996.

- Williams, Rynn. "South American Vanguard". En: Graphis 297, 51. Nueva York, 1995, p. 58.

 

AS

 

 

Arraga Julio

 

n. Maracaibo, 31.7.1872

m. Maracaibo, 18.7.1928

 

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Premios

5 Colecciones 6 Fuentes

 

1 Vida y obra

Pintor. Hijo del ebanista de imágenes José del Rosario Arraga y María Concepción Morales. A los 12 años ya realizaba retratos. Esta temprana inclinación llevó a sus padres a inscribirlo, en 1884, en la Escuela Normal de Dibujo de Maracaibo, donde fue alumno de los pintores italianos Luis Bicinetti y Luis Fontana y del pintor y arquitecto Manuel S. Soto, quien trabajó en el Teatro Baralt. Arraga inicia paralelamente estudios de medicina e incluso dirige la cátedra de anatomía. En 1886, al retirarse Soto, éste deja a su discípulo como director-profesor de la Escuela, quien en 1888 expone por primera vez en la Exposición de Productos Regionales del Zulia. En 1893 recibe su primer encargo importante, Bolívar en el campo de San Mateo, a partir de Guérin (colección Instituto Zuliano de la Cultura), y ese año un proyecto suyo gana un concurso al mejor diseño para el trono de la Virgen de la Chiquinquirá (Maracaibo), que él mismo tallará en cedro. También como escultor realizará las tres estatuas de la fachada de la Casa de Beneficencia de Maracaibo, proyectada por Soto (Maracaibo gráfico, 1915-1918, p. 83). En 1895, Arraga exhibe Una conquista en la "Exposición regional en conmemoración del centenario de Sucre" (Maracaibo), y su obra es premiada. Al año siguiente pinta un retrato de cuerpo entero de Francisco de Miranda, de perfil, como la imagen acuñada por Juan Lovera y luego por Martín Tovar y Tovar, pero en ambiente neoclásico (colección Instituto Zuliano de la Cultura), para el Salón de Sesiones del Palacio de Gobierno de Maracaibo, por el que se le adeudaron 4.000 pesos que nunca le fueron cancelados. En 1896, es pensionado por el presidente del estado, el ingeniero Jesús Muñoz Tébar, para seguir estudios en Italia. Parte, junto con el pintor Manuel A. Puchi Fonseca, el 28 de julio; llegan a Génova el 26 del mes siguiente y a Florencia el 29, donde Arraga se inscribe en la Academia como alumno de Tomini Pietro, obteniendo al año siguiente una distinción de sobresaliente. Simón González Peña afirma que también recibió clases de Faldi, Ursi y Ferreni (1924, p. 46). Arraga permaneció en Italia por espacio de un año, conoció Roma y Venecia y realizó obras como Paisaje con la Catedral de Florencia y La caída de la nieve (óleo sobre madera, colección Arraga Zuleta).

 

Al regresar nuevamente a Maracaibo, el 3 de septiembre de 1897, se dedicó a la docencia; daba clases en su taller y era director de la Escuela de Dibujo y Pintura (Los Ecos del Zulia, 8 de julio de 1899), pero después, al ser ésta clausurada, abrió un Centro de Bellas Artes en la calle Las Ciencias, donde dictaba cursos de dibujo, pintura y escultura, ofreciéndose al mismo tiempo como profesor y retratista a domicilio. En esa época realizaba retratos al creyón y cuadros de salón. Arraga además abrió un taller de fotografía donde iluminaba retratos tomados por él mismo. Sus actividades académicas fueron de gran importancia ya que entre 1898 y 1901 su taller organizaba exposiciones en ocasión de la conmemoración del 5 de Julio. En esa época, el gobierno del general Régulo Olivares lo comisiona para que pinte en el Cuartel de Policía un cuadro que representara la justicia. En 1903 regenta la cátedra de dibujo del Instituto Pestalozziano de Hermágoras Chávez, cátedra en la que sustituyó a Puchi y que mantuvo hasta el final de sus días. Ese año contrae matrimonio con María Dolores Zuleta. En 1907 realiza El milagro de Bethania (colección Instituto Zuliano de la Cultura) para la Junta del Lazareto; en 1910, Calvario épico, considerada su mejor obra, y, en 1914, Purgatorio, para la Basílica de la Virgen de Chiquinquirá (Maracaibo). El 26 de julio de 1916, al fundarse el Círculo Artístico del Zulia, Arraga participa en las actividades artísticas y docentes promovidas por dicha corporación, y bajo el patrocinio de ésta lleva a cabo su primera exposición individual donde expuso 120 piezas y la cual tuvo como sede el Palacio Legislativo de Maracaibo. Los cuadros de tendencia impresionista del pintor zuliano se inician en ese año, y desde 1917 trabaja con gruesos empastados a la espátula.

 

Luego de un frustrado intento por llevar su obra a Nueva York, Arraga dedicó los últimos años de su vida a trabajar en la pintura de paisajes que, como escribe Juan Calzadilla, interpreta "un paisaje real aparentemente desprovisto de color atmosférico en una obra esencialmente cromática que sin traicionar a aquel paisaje, ni como escenario ni como humanidad, continúa siendo ante todo solución pictórica y expresión de la sensibilidad del artista" (1972, p. 83). En 1918 viaja a los Andes e inicia una excelente serie de cuadros como Paisaje de Timotes, y en 1920 realiza Proclama de la Guerra a Muerte para la Sala de Sesiones del Concejo Municipal de Valera. De 1920 es también su Arco de Valencia (óleo sobre madera). En 1921, instalado en la calle Colón de Maracaibo, Arraga vendía paisajes en pequeño formato. Allí se interesó por la hormigueante vida del puerto de Maracaibo, con sus personajes envueltos en costas o elementos arquitectónicos y los barcos varados, tan cercanos a su sensibilidad. De esta serie son sus obras Mirando el horizonte y Al amanecer (ambas óleos sobre cartón, 1920). También en 1921 expone 60 cuadros en el Club Venezuela (Caracas). Ésta será su última muestra individual en vida. El 19 de abril de 1921 expuso en el salón de estudios del Círculo Artístico un busto de Juan Vicente Gómez y dos cuadros, Una comida entre indígenas y Velorio indígena, singulares por su interés en esta temática. En 1923 realiza uno de sus últimos cuadros históricos, La muerte de Negro Primero (colección Instituto Zuliano de la Cultura); en 1926 viaja a los Andes, y en 1927, tras una breve visita a Caracas, produce obras como Arco de la Federación.

 

Los cuadros realizados durante sus dos últimos años de vida, de 1926 a 1928, muestran variantes importantes con respecto a su obra anterior: Arraga amplió la perspectiva y trabajó planos de color sin textura ni toques de pincelada (Calle del comercio, colección Arnold Zingg, y Dos épocas, colección Cobeca). "De un naturalismo inseguro y académicamente poco convincente, Arraga pasa en el ínterin de 10 años a un fresco estilo de paisajista que se nos revela en sus obras al tanto de las técnicas impresionistas. El cambio formal es violento y la gente quedará sin entenderlo […]. Arraga escoge para trabajar los momentos en que son más visibles los contrastes de tonos, colores y reflejos de la atmósfera: la madrugada y el atardecer. De allí que pueda parecer como expresionista un rasgo dramático muy característico de la factura de Arraga, y la cual se refiere no sólo al ambiente, sino más que todo a la hora, es decir, a la luz elegida. El artista manifestará aquí su gusto por una materia densa y rica de matices logrados preferentemente con la espátula. Muestra interés por la arquitectura y por lo humano. El cronista de visión torturada surge desde este mismo momento. Nada de lo que le rodea, traducible a signos plásticos, escapa a una observación insistente y metódica que lo mismo fija en la tela a la multitud de una procesión [Procesión del viernes santo, 1926], que observa con lujo de detalles el acontecer costumbrista de una agitada plaza pública; los más variados aspectos de la bulliciosa vida del puerto adquieren una presencia sonora en el vibrante empaste de la factura de Arraga, para quien Maracaibo y su puerto fue lo que el litoral guaireño para Reverón" (Erminy y Calzadilla, 1975, pp. 84-85).

 

2 Exposiciones individuales

1920 Palacio Legislativo de Maracaibo

1921 Club Venezuela, Caracas

 

3 Exposiciones póstumas

1929 Sociedad del Mutuo Auxilio, Maracaibo

1958 Centro Vocacional Dr. Octavio Hernández, Maracaibo

1972 Galería Banap, Caracas

1978 "Muestra retrospectiva del pintor zuliano Julio Arraga", GAN

 

4 Premios

1895 Medalla de oro, "Exposición regional en conmemoración del centenario de Sucre", Maracaibo

1896 Medalla de oro, "Exposición regional del estado Zulia", Maracaibo

1920 Diploma de primera clase con derecho a medalla de oro, "Cuarta exposición regional del estado Zulia", Maracaibo

5 Colecciones

Basílica de la Virgen de Chiquinquirá, Maracaibo / Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo / Palacio de Gobierno, Maracaibo / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

6 Fuentes

- Calzadilla, Juan. J. Arraga. Caracas: Armitano, 1972.

- Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.

- González Peña, Simón. Ensayo sobre la historia de las artes en el Zulia. Maracaibo: Tipografía Excelsior, 1924.

- Maracaibo gráfico. Maracaibo: Tipografía Panorama, 1915-1918.

- Muestra retrospectiva del pintor zuliano Julio Arraga (catálogo de exposición). Caracas: Fundarte-GAN, [1978].

- Pintura venezolana. Obras de la colección de la Gobernación del Estado Zulia. Caracas: Plan Cultural Caracas-Sala de Exposiciones Plaza Bolívar, 1973.

- Retrospectiva del pintor zuliano J. Arraga 1872/1928. Caracas: Galería Banap, 1972.

 

AS

Arráiz Parra Antonio

n. Caracas, 14.6.1946

m. Caracas, 19.6.1987

 

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

 

1 Vida y obra

Pintor y ceramista. Hijo del escritor Antonio Arráiz y sobrino nieto de Teresa de la Parra. Entre 1948 y 1962 vive en Nueva York y en 1963 inicia estudios en la Academia de Bellas Artes de Roma con Luigi Montarini, de donde egresa con una tesis sobre Armando Reverón. Durante este período expuso colectivamente en la Rassegna Figurativa di Roma e del Lazio, en el Premio Cittá di Trevi y en el Premio Ciuffena. Sus primeras piezas de cerámica eran de pequeño formato. En 1966 presenta su primera individual en La Galería del Palazzo delle Esposizioni, curada por Luigi Montarini. Entre 1966 y 1968 se establece en Nueva York y continúa sus estudios de pintura en la Arts Students League con Sydney Gross. A finales de 1968 regresa a Caracas, expone en la Galería El Muro y dirige el Taller Periférico Bárbaro Rivas. En 1969 expone en el Salón D'Empaire, en el XXVII Salón Arturo Michelena y en el XXX Salón Oficial donde le otorgan el Premio Henrique Otero Vizcarrondo. Este mismo año presenta una muestra individual en la Galería El Muro donde exhibe una serie de cuadros geométricos en tonos blancos. Para esta época realiza sus primeras obras usando pistola de aire. En 1970 viaja a Roma, participa en el IX Premi Internacional de Dibuix Joan Miró en Barcelona (España) y en 1971 expone pinturas abstracto-geométricas en la Galería SM-13 (Roma); en la Galería Giorgi (Florencia, Italia) y en la Galería II Giorno (Milán, Italia). Paralelamente a su trabajo pictórico prosigue su investigación en la cerámica. En 1972 instala su taller en Caracas y trabaja simultáneamente pintura y cerámica. En 1973 realiza los dibujos para el poemario Textos del desalojo de Antonia Palacios. En 1974 exhibe óleos figurativos en la Galería Banap (Caracas) y en el Ateneo de Caracas y en 1977 representa a Venezuela, junto a Jesús Soto y Minumboc, en la X Cuadrienal de Arte en Italia.

 

La pintura de Arráiz, podría ubicarse en una tendencia abstracto lírica de vanguardia en la que el color juega un papel trascendente. Arturo Bovi refiriéndose a su obra señaló: "la sugestión plástica que hubiera podido venir en función del signo de la gran lección de Mondrian, en Antonio Arráiz se ha liberado de esquemas geométricos para afrontar las profundidades sugeridas por Malévich y Kandinsky" (1971). Sus cerámicas muestran un universo barroco lleno de figuras irreales (monstruos, animales y dioses mitológicos, figuras zoomorfas, hongos gigantescos y flores). Es relevante destacar la tridimensionalidad de las figuras y los efectos sorprendentes que el artista logra con la luz al retocar las piezas con pinceladas de oro, platino y otros esmaltes. Además de su obra pictórica, Arráiz se dedicó a la poesía y publicó varios libros.

 

2 Exposiciones individuales

1966 "Pintura gestual", Galería del Palacio de las Exposiciones, Roma

1968 Galería El Muro, Caracas

1969 Galería El Muro, Caracas

1971 Galería SM-13, Roma / Galería Giorgi, Florencia, Italia / Galería Il Giorno, Milán, Italia

1974 Galería Banap, Caracas / Ateneo de Caracas

1979 "Cerámica", Galería El Muro, Caracas

1980 "Imágenes de cerámica", Galería Alejandro Freites, Caracas

 

3 Premios

1969 Premio Henrique Otero Vizcarrondo, XXX Salón Oficial

 

4 Colecciones

MBA

 

5 Fuentes

- Bovi, Arturo. El Nacional. Caracas 21 de enero de 1971. Sin más datos.

- Cinap, A 44.

 

ENA-MACA

 

 

 

 

Arráiz Leonor

 

n. Caracas, 30.3.1952

 

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

 

1 Vida y obra

Pintora. Hija de Rafael Clemente Arráiz y Ana Lucca. Estudió en el Instituto Neumann (1969-1973) y posteriormente en el Cegra (1983-1985). En 1984 participó en el proyecto Intervención en Venecia, enmarcado dentro de la XLI Bienal de Venecia. Ese mismo año, el grupo es invitado por el MACC a retomar el proyecto, exhibido bajo el nombre de Viaje inverso. Participa además en la II Bienal Nacional de Escultura, con la experiencia realizada en el Castillo de San Carlos Borromeo (Pampatar, Edo. Nueva Esparta). Expuso sus trabajos en la muestra "El nuevo dibujo" (Sala Mendoza), y en 1985 recibió el Premio Fundayacucho por su obra Fragmentos de la modernidad (colección GAN) en el III Salón Nacional de Jóvenes Artistas. "La obra de Leonor Arráiz es un mural fragmentado e incompleto. Sobre varias lajas de mármol pintadas, se pueden reconocer algunos detalles de obras de Picasso, una orquídea y los segmentos de un mar pictórico […]. Las imágenes picassianas remiten a la modernidad, el mármol es un material asociado al arte clásico, la flor y la marina son datos del paisaje tropical y los dorados huesos incorporados sugieren fósiles. Al hacer la lectura de la obra elemento por elemento se organiza el conjunto: con fragmentos de la historia del arte dispuestos al modo de hallazgo arqueológico, como pedazos de un mural de la antigüedad" (Montero Castro, 1985). Esta misma obra fue exhibida un año después en el Festival Latinoamérica Presente (Hamburgo, Alemania).

 

Además de pinturas y ambientaciones, ha incursionado en el video-arte y en el diseño de arte-objetos. Su video Tratado de estética participó en la I Bienal de Video de Arte realizada en el Museo de Arte Moderno de Medellín (Colombia) y en el III Festival Internacional de Cine, TV y Video en Río de Janeiro, ambos en 1986. En 1987 presentó su primera individual en la Galería Sotavento: pinturas de mediano y gran formato y objetos de arte, resultado de investigaciones sobre el arte, el símbolo, la imagen mística y la ilusión. A través de la apropiación de iconos que representan principios en la historia del arte, la artista logra formular un discurso propio. Esta apropiación no constituye una alegoría a una obra o tema determinado de la historia del arte sino una decodificación manifiesta de la obra misma. En 1988 exhibe "Instalaciones", "obras que están entre la escultura y la arquitectura, […] piezas [que] intentan trabajar con el espacio arquitectónico que las rodea" (Arráiz, 1988). Entre las obras exhibidas se encuentra Demolición-deconstrucción (en su tercera versión), instalación que semeja un templo de siete columnas que tiene en el centro parte de los escombros del paseo Los Próceres (Caracas); esto, según la artista, hace reflexionar sobre la destrucción de Caracas y la pérdida de la memoria de los habitantes de la ciudad. Leonor Arráiz pertenece al grupo de creadores que en la década de los ochenta introdujo, desde la pintura, claves pertenecientes al arte conceptual, asumiendo como fondo de su investigación la historia del arte universal. Así, desde el hecho pictórico ingresa en la utilización de medios conocidos como no convencionales.

 

2 Exposiciones individuales

1987 "Pinturas", Galería Sotavento, Caracas / "Demolición-deconstrucción", Asociación Cultural Humboldt, Caracas

1988 "Instalaciones", Galería 2817, Caracas

 

3 Premios

1985 Premio Fundayacucho, III Salón Nacional de Jóvenes Artistas, MACC

 

4 Colecciones

GAN / MACCSI

 

5 Fuentes

- Arráiz, Leonor. "A través del arte busca la reflexión". En: El Diario de Caracas. Caracas, 10 de octubre de 1988.

- Cinap, A 143.

- Montero Castro, Roberto. "Fragmentos de la modernidad". En: El Universal. Caracas, noviembre de 1985.

 

ENA

 

Arria María Cristina

 

n. Mérida, 17.2.1929

 

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Monumentos públicos 5 Colecciones 6 Fuentes

 

1 Vida y obra

Escultora. Hija de Enrique Arria Ruiz y Gracia Luz Salas. En 1945 ingresa en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas donde estudia durante cinco años arte puro y escultura con los profesores Martín Durbán, Pedro Ángel González, Rafael Monasterios, Odoardo Crema, Ernesto Maragall, Francisco Narváez y Eduardo Gregorio. Su trayectoria profesional está asociada tanto a la creación artística como a la promoción cultural. En 1971 se radica en Maracay, ciudad en la que dirige la Galería Extramuros, al tiempo que inicia su actividad expositiva. Sus primeras piezas se basan en la estilización de la figura humana y revelan una sólida formación técnica que le permite desempeñarse con destreza en el modelado, la fundición y la talla en piedra de Cumarebo. En 1975 regresa a Caracas y en 1977 es designada coordinadora de artes plásticas de Fundarte. Paralelamente presenta su trabajo artístico en varios espacios expositivos del país. Juan Calzadilla señala que "su escultura tiende a desarrollar las posibilidades que le brindan los materiales, trabajando indistintamente medios como la piedra, la madera, la arcilla o el hierro. Por la vía de la estilización y la perforación espacial, tal como se observa en sus figuras de bulto, alcanza la forma abstracta" (1977, p. 215).

 

El año 1980, en el que realiza la exposición "Duraciones visuales", marca su evolución definitiva hacia el lenguaje abstracto con un grupo de nueve piezas que abordan el tema del juego y la danza. Entre este conjunto se encuentra la escultura El espíritu de Caracas (obra figurativa), hoy en la colección Museo Ambiental (Caracas). En 1982, como parte de ese esfuerzo por extender su propuesta a los espacios públicos, realiza la escultura El cubo como gente en el marco de la exposición colectiva "Las seis caras del cubo", presentada en el Módulo Venezuela (Fundarte, Parque Los Caobos, Caracas). El interior de la obra estaba conformado por imágenes, diapositivas, perfumes, cadenas y otros elementos con los cuales el público podía interactuar y experimentar sensaciones (Borzacchini, 1982). Ese mismo año dona la escultura Proposición nº 4 al Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica (Valencia, Edo. Carabobo). La obra, constituida por un volumen cúbico de aproximadamente tres metros, estaba montada sobre un soporte de hierro provisto de rolineras para que girara suavemente. Para esta fecha recibe el primer premio de escultura del VII Salón Aragua (Casa de la Cultura, Maracay) por Proposición nº 5, "pieza que muestra el equilibrio efímero de un cubo apoyado en uno de sus vértices. Como elemento sorpresa, una de las caras está abierta, permitiendo percibir objetos colgantes y fotografías pegadas a sus paredes" (Historia del Salón Aragua, 1997, p. 5). En 1984, en el marco de la muestra individual "Formas, movimiento, lenguaje. Homenaje a Ernesto Maragall", exhibe una serie de maquetas realizadas en hierro y apoyadas sobre dispositivos giratorios. Entre ese año y 1987, se desempeña como directora de artes plásticas de Fundarte, institución en la que desarrolla un programa de valorización del arte popular, la fotografía y la escultura, destacándose el "Encuentro de escultores. Escultura '85". En 1986 representa a Venezuela en la II Bienal de La Habana y, un año después, asiste como invitada a la VII Bienal de Escultura de Atenas. En 1988 expone "Memorias de Grecia", muestra integrada por 12 obras dedicadas a la exploración de los simbolismos antiguos y facturadas en piedra reconstruida, concreto vaciado, piedra de Cumarebo y bronce. En "Códigos", exposición realizada en 1990, la artista combina el lenguaje constructivo y algunos elementos del arte minimalista para realizar 14 esculturas de hierro y bronce, donde la geometría y el material tienen un papel protagónico. En el catálogo de la muestra, el crítico Sergio Antillano afirma que "María Cristina Arria, al alcanzar el periplo riesgoso pero obligado de la metáfora al símbolo, aborda con imaginación y vigorosa resolución una obra que participa por igual del rigor técnico conceptual y la fascinación del minimal art" (1990). En 1991, el Museo de Arte de Maracay presenta 16 obras de la artista bajo el título "La invención de un lenguaje". En esa ocasión emplea la técnica del ensamblaje y reitera la presencia del hierro y el bronce. Entre los trabajos expuestos se encontraban Código I X-H 200 (colección GAN) y El cubo como gente, concebida para la participación colectiva y emplazada en las áreas exteriores del Museo de Arte de Maracay. En 1997 exhibe nueve trabajos en la Sala RG que son como "proyectos, maquetas pensadas y diseñadas para espacios abiertos, al aire libre y de enormes proporciones" (Vivas, 1997, p. 5). En 1998 concibe Lejarsú, compuesta por tres elementos volumétricos de forma circular, colocados directamente sobre la tierra. En 2000 realiza una pieza titulada El aleph, conformada por dos volúmenes circulares entrelazados y realizada en hierro oxidado (hoy en el Centro Comercial El Recreo, Caracas). Paralelamente a su labor creativa, María Cristina Arria continúa su actividad como promotora cultural, a través de la organización del Festival de Artistas, realizado en 1998 en la Torre Corp Banca (Caracas), y como presidenta de Autorarte, entidad de gestión colectiva de derechos de autor para artistas visuales, a la cual se incorpora en el año 2001.

 

2 Exposiciones individuales

1974 Galería Sassu, Maracay

1975 Galería Siembra de Arte, Caracas / Galería Bancofove, Barquisimeto

1976 Quinta Caracas, Caracas / Cámara de Comercio e Industria del Estado Aragua, Maracay

1977 Galería Gaudí, Maracaibo / Casa de la Cultura Andrés Eloy Blanco, Cumaná / Casa de la Cultura, Maracay

1978 Museo San Felipe el Fuerte, San Felipe

1980 "Duraciones visuales", Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1981 Galería de Arte Moderno, Santo Domingo

1984 "Arte hoy y mañana", Ateneo José María Vargas, La Guaira / "Formas, movimiento, lenguaje. Homenaje a Ernesto Maragall", Centro de Arte Euroamericano, Caracas

1985 "Formas, movimiento, lenguaje. Homenaje a Ernesto Maragall", Centro Venezolano de Cultura, Embajada de Venezuela, Bogotá

1988 "Memorias de Grecia", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Memorias de Grecia", Galería Braulio Salazar

1990 "Códigos", Alianza Francesa, Caracas

1991 Galería de Arte, USB / "Invención de un lenguaje. Esculturas", Museo de Arte de Maracay

1992 Galería Arri-Art, El Hatillo, Edo. Miranda

1996 Galería Aldo Castillo, Chicago

1997 Sala RG

1998 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

 

3 Premios

1982 Primer premio de escultura, VII Salón Aragua, Casa de la Cultura, Maracay

 

4 Monumentos públicos

1980 El espíritu de Caracas, Museo Ambiental, Caracas

1982 Proposición nº 4, Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo

1998 Lejarasu, Caracas / Encuentros, Escuela de Salud Pública, UCV

2000 El aleph, Plaza Nicolás Simón, Centro Comercial El Recreo, Caracas / Proyecto Alma Mater, ULA

2004 Homenaje a Julio César Salas, Fundación La Ruta del Arte, ULA

 

5 Colecciones

Ateneo de Aroa, Edo. Yaracuy / CAMLB / Casa de Bolívar, La Habana / Casa de la Cultura Andrés Eloy Blanco, Cumaná / Celarg / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Consulado de Venezuela, Boston, Massachusetts, Estados Unidos / Fundación Chacao / Fundarte / GAN / MACCSI / MACMMA / Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo / Museo al Aire Libre Mariano Picón Salas, Mérida / Museo Ambiental, Caracas / Museo Bolivariano, Minas de Aroa, Edo. Yaracuy / Museo de Arte Contemporáneo, Cumaná / Museo de Ciudad Bolívar / Museo Policronópulos, Atenas / UC / ULA / USB / USB, Núcleo Litoral, Edo. Vargas

 

6 Fuentes

- Antillano, Sergio. Códigos. Esculturas (catálogo de exposición). Caracas: Alianza Francesa, 1990.

- Borzacchini, Chefi. "Seis caras del cubo para cinco artistas". En: El Nacional. Caracas, 7 de noviembre de 1982, p. C/28.

- Calzadilla, Juan y Pedro Briceño. Escultura/escultores. Un libro sobre escultura en Venezuela. Caracas: Maraven, 1977.

- Cinap, A 45.

- Historia del Salón Aragua. Maracay: MACMMA, 1997.

- Vivas, Zuleiva. Maria Cristina Arria. Esculturas (catálogo de exposición). Caracas: Sala RG, 1997.

 

FS

 

 

Arria María Eugenia

 

n. Caracas, 25.6.1951

 

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

 

1 Vida y obra

Pintora y dibujante. Hija de Edgardo Arria y de Ligia Nucete Salas; nieta del crítico de arte y escritor José Nucete-Sardi. En 1969 se inscribe en la Escuela de Letras de la UCV y toma cursos libres de dibujo, pintura y escultura en la Escuela Cristóbal Rojas, con Alirio Rodríguez y Juan Jaén. Al año siguiente cambia los estudios de letras por los de derecho en la UCAB, carrera que cursará durante un año; luego retomará las clases de letras, hasta 1973. Este año abandona su formación plástica en la Escuela Cristóbal Rojas. A los 22 años llega a Londres y posteriormente se traslada a París, donde se inscribe en la Escuela Superior de Artes Decorativas (1974). En 1975 recibe una beca del Conac y el Premio Emilio Boggio en el XXXIII Salón Arturo Michelena con Personaje in. Colabora durante dos años con la revista L'Oeil du Golem, con dibujos y grabados, y participa en el Salón de Artistas Franceses en el Grand Palais (París, 1977). En 1978 obtiene el grado de decorador con especialidad en grabado, con ilustraciones en aguafuerte a partir de textos de Julio Cortázar y Octavio Paz. La lectura de Cortázar le sugiere la idea de sus figuras amordazadas, que más adelante desarrollará bajo el nombre de Sábana y cuerda. Expone en el Salón de la Joven Pintura (París), en el Salón Internacional de Arte (Museé de la Ville, Toulon, Francia) y en "Pintores de América Latina" (Galerie de la Pie, Saint-Maur, Francia).

 

En 1979 obtiene por concurso un espacio para trabajar en el taller de la Cité International des Arts (París), perteneciente a la Escuela Superior de Artes Decorativas. Ilustra con grabados La nuit des faubourgs del poeta húngaro Attila József, en edición de 60 ejemplares. Expone en el XXXV Salón de Mayo (París), "Pintores venezolanos en París" (Embajada de Venezuela, París), XVIII Premio Internacional de Dibujo Joan Miró (Centro de Estudios de Arte Contemporáneo, Barcelona, España) y en el XIV Gran Premio Internacional de Arte Contemporáneo (Montecarlo, Mónaco). En 1980 trabaja la serie Sábana y cuerda, identificada por tres elementos: la tela, la cuerda y el nudo, que apresan la figura femenina. Estos elementos se irán independizando hasta formar propuestas más abstractas, cambio que comienza a notarse en la serie Vendas. Realiza una exposición individual en la Cité International des Arts y participa en las colectivas "Salón del Trazo" (Cité International des Arts, París) y Galería Salón Permanente (París). En 1981 cursa teoría del arte en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales (hasta 1984). Ese año expone individualmente (Sala Mendoza) y participa en colectivas como "Pequeño formato" (Espacio Latinoamericano, París), Salón de la Joven Pintura (Grand Palais, París), Salón de Grandes y Jóvenes de Hoy (Grand Palais, París), Bienal Internacional de Grabado (Ljubljana) y el I Salón Nacional de Jóvenes Artistas (MACC). En 1982 alquila en la Cité un espacio en un taller colectivo de escultura donde producirá gran parte de su obra gráfica de gran formato, la serie Estructuras y parte de sus Triángulos. Para esa época surge su interés por la escuela norteamericana que se reflejará en sus dibujos gestuales. Realiza una nueva exposición en la Cité International des Arts y participa en colectivas como "América Latina en París" (Grand Palais), "Pequeño formato" (Espacio Latinoamericano, París), Salón de Grandes y Jóvenes de Hoy (Grand Palais) y en la I Bienal Nacional de Dibujo y Grabado (GAN). En 1983 trabaja varios grupos temáticos: Columna vertebral, Torbellinos y Espirales, Cilindros, Casas, Barcos y Óvalos, donde comienza, en algunos casos, a experimentar con el acrílico y colores en pastel. También en este año participa en el Salón de Montrouge (Francia).

 

En 1984 se instala en Basilea (Suiza), donde permanecerá seis años, y expone individualmente en la Sala Mendoza. Hacia 1985 realiza la serie Trenes y empieza Masaccio. Elabora las series Animales y Aviones y comienza a trabajar en Línea y movimiento. En 1986 contrae matrimonio con Markus Wirz. Para entonces trabajaba en obras de su serie Óvalos. Participa en "Espacio latinoamericano" (Rheinisches Landesmuseum, Bonn, Alemania) y al año siguiente en "Artistas de Basilea" (Munsstermesse), la Feria Internacional de Arte de Basilea y "Pintores de Venezuela" (IFA-Galerie, Bonn, Alemania), en donde exhibe obras de su serie Línea y movimiento. En 1988 recibe el Premio de Adquisición Kunskredit por su obra Jungla, y el Premio Municipal de Pintura que concede el Concejo Municipal del Distrito Federal (Caracas) por la obra Dibujo en perspectiva. Realiza una nueva muestra individual en la Sala Mendoza y participa en la colectiva "Artistas de Basilea" (Kunsthalle, Basilea, Suiza). En 1989 recibe el Premio Adquisitivo de Pintura Juan Lovera en el Salón Arturo Michelena, por un óleo sobre tela, Serie umbrales tierra-roja-mar (colección GAN), y participa en una colectiva en la Galería Mashrabia (El Cairo).

 

En 1990 regresa a Venezuela y realiza individuales en la Galería Sotavento y la Galería Ruta Correa de Friburgo de Brisgovia (Alemania). Participa también en las colectivas "10 de los 80 en los 90" (Salón CANTV), "El ritmo y la línea" (MBA) y "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN). Para esta época se interesa por las culturas hindú y maya y realiza pinturas como Aurangabad (colección MBA), El juego de la pelota Chichén Itzá (colección Banco Mercantil, Caracas) y su serie Puertas. Lleva a cabo exposiciones individuales en la Sala Alternativa de Caracas, en el Museo Francisco Narváez y en el Museo Soto, y participa en las colectivas "44 x 44 x 44" (Centro de Arte Euroamericano, Caracas), "De Caracas a Bogotá" (Museo de Arte Moderno, Bogotá), "Abstracto" (Galería Ruta Correa, Friburgo de Brisgovia, Alemania) y "Umbrales" (Ausstellungsraum Klingental, Basilea, Suiza). En 1992 imparte clases de pintura en el Instituto Federico Brandt y de dibujo en el Instituto Neumann (hasta 1993), además de clases en la UJMV (1999) y en la Escuela de Artes de la UCV (1999-2000). Participa en colectivas como "Entre trópicos" (MACCSI), "Monocromías latinoamericanas: un solo color" (Museo de Arte de Maracay) y la I Bienal de Pintura del Caribe y Centroamérica (Galería de Arte Moderno, Santo Domingo). En 1993 lleva a cabo una exposición individual en la Sala Alternativa (Caracas). En 1994 expone en el MBA e interviene en exposiciones colectivas como "Murales sobre papel" (MBA) y "Pintura 94" (Sala Alternativa). En 1995 participa en una exposición colectiva en la Galería Wang-Fu (Pekín). En 1996 desarrolla el proyecto Takemitsu en homenaje al compositor japonés. En este trabajo retoma la estructura en el dibujo desde una perspectiva analítica, con intervenciones rítmicas sobre el soporte. Comienza a dar clases en la USB, en el departamento de arquitectura, diseño y artes plásticas y continúa con las clases particulares en su taller. Participa en colectivas como FIA 96 (Sala Alternativa, Caracas), "Cosecha 96" (Galería Li, Caracas) y "Galería de Arte Nacional. Veinte años por el arte venezolano: adquisiciones 1976-1996. Obras escogidas" (GAN). En 1997 toma parte en la colectiva "El cacao de Chuao" (MACMMA) y, en 1998, en la Bienal del Paisaje (MACMMA) y la FIA 98. En 2000 participa como artista invitada en el LVIII Salón Arturo Michelena.

 

Durante su primera etapa (1980-1985), María Eugenia Arria se valió del carboncillo como herramienta esencial para desarrollar un dibujo gestual y laberíntico, donde sobresale la línea nerviosa y expresiva; posteriormente usa el óleo sobre papel y finalmente el óleo sobre tela para sus paisajes evocativos (de 1989 en adelante), como en la serie Umbrales. Sus etapas están marcadas por el trabajo serial. Su evolución "traza una parábola que va de lo expresivo a lo simbólico: de la vertiginosidad casi instintiva de su obra gráfica hacia la producción de una pintura cada vez más intelectual y sintética salpicada de alusiones sagradas. Es así como el protagonismo de la línea, su vigor y direccionalidad, desembocan en la plenitud de la mancha a través de la cual se transparentan los vestigios de un mundo que se esfuma hacia otra dimensión" (Obra gráfica y pictórica 1980-1999, p. 9). La GAN posee de ella una obra de la serie Umbrales, Tierra roja-mar (1989), Óvalo (carboncillo, 1985), un dibujo sin título de la serie Sábana y cuerda (pastel y grafito sobre papel, 1981) y obra gráfica.

 

2 Exposiciones individuales

1980 Cité International des Arts, París

1981 "Dibujos de María Eugenia Arria", Sala Mendoza

1982 Cité International des Arts, París

1984 Sala Mendoza

1988 "Pinturas y dibujos 1985-1988", Sala Mendoza

1990 "Umbrales", Galería Sotavento, Caracas / Galería Ruta Correa, Friburgo de Brisgovia, Alemania

1991 "Las cualidades móviles del color-luz: pinturas y dibujos", Sala Alternativa, Caracas / Museo Francisco Narváez / "Las cualidades móviles del color-luz: pinturas y dibujos", Museo Soto / "Umbrales", Ausstellungsraum Klingental, Basilea, Suiza

1993 "Alientos vitales, estructuras sagradas", Sala Alternativa, Caracas

1994 "De la luz y del vacío", MBA

1999 "Obra gráfica y pictórica 1980-1995", GAN

3 Premios

1975 Premio Emilio Boggio, XXXIII Salón Arturo Michelena

1988 Premio de adquisición, Kunskredit, Basilea, Suiza / Premio Municipal de Pintura, Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas

1989 Premio Juan Lovera, XLVII Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Academia de Bellas Artes, Pekín / Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / Conac / Fonds Nationales d'Art Contemporain, París / Fundación Christoph Merian Stifftung, Basilea, Suiza / Fundación Polar / Fundación Shell / GAN / MACCSI / MBA / Museo de Arte Moderno, Bogotá

5 Fuentes

- Obra gráfica y pictórica 1980-1999 (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1999.

 

Arriens Pacheco, Teodoro, ver Churucuto

 

Arroyo [Castillo], Miguel [Gerónimo]

n. Caracas, 28.8.1920

m. Caracas, 3.11.2004

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Ceramista, museólogo, museógrafo, crítico y teórico del arte. Realizó estudios en el Colegio San Ignacio de Caracas y entre 1934 y 1937 asistió a la Academia de Bellas Artes, posteriormente llamada Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. En 1937 fue asistente de Luis Alfredo López Méndez para la decoración del Pabellón de Venezuela en la Feria Mundial de Nueva York (1939), ciudad en la que vivirá durante dos años. En 1943 expuso Negros e India en la sección de pintura del IV Salón Oficial. Fue profesor de dibujo e historia del arte en el Liceo de Aplicación de Caracas (1944-1946) y realizó una especialización en educación artística en el Instituto de Tecnología Carnegie de Pittsburgh (Pensilvania, Estados Unidos), entre 1947 y 1948. Al año siguiente, retoma sus cursos en el Liceo —en donde realiza un mural con los temas de la siembra, la pesca y la caza— y crea el taller de manualidades, el cual dirige hasta 1951. En 1950 formó parte del grupo Los Disidentes y desde ese año hasta 1959 trabajó en diseño de interiores y muebles. Fue profesor jefe del taller de cerámica de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1953-1956), formó a una nueva generación de ceramistas e inició, al alcanzar en 1954 el Premio Oficial de Artes Aplicadas del XV Salón Oficial, la tradición de la cerámica contemporánea como parte del arte moderno. La sencillez y belleza de sus cerámicas, así como la sutileza de las texturas y formas que cultivaba para transformar simples vasijas y jarras en objetos de contemplación, son destacables. Entre 1957 y 1959 fue profesor jefe del taller de plástica de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (UCV), en donde realizó cinco murales y las divisiones de la Sala de Lectura. En 1958 diseña e instala la colección egipcia del MBA, del cual fue nombrado director en 1959. Durante su gestión, que se prolongó hasta 1975, organizó el museo en departamentos y curadurías, creó el Servicio de Registro, sistematizó el de Conservación, inició la colección de dibujo y estampas, incorporó el diseño gráfico y la fotografía como materia museística y fomentó el intercambio internacional con otros museos. Fue profesor de la Escuela de Arquitectura de la USB (1975-1978) y de la Escuela de Artes de la Facultad de Humanidades de la UCV (1978-1984). Su libro Arte, educación y museología. Estudios y polémicas 1948-1988 (Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1989) reúne una selección de sus ensayos críticos. Entre sus numerosos escritos figura una novela, El Reino de Buria (Caracas: Monte Ávila, 1993), así como obras básicas para la comprensión del arte prehispánico venezolano: Arte prehispánico de Venezuela (en colaboración con José María Cruxent y Sagrario Pérez Soto de Atencio; Caracas: Fundación Mendoza, 1971) y El arte prehispánico de Venezuela (en colaboración con Lourdes Blanco, Erika Wagner y otros autores; Caracas: GAN, 1999). En 1992 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Se le considera el padre de la museología moderna venezolana. Su obra rebasó los límites de la creación individual, trascendió en un clima intelectual, cultural y artístico de excelencia y sirvió como referencia educativa y visual en la Venezuela del siglo XX. La GAN posee de Arroyo una pintura (Los caballitos , hacia 1944, óleo sobre cartón) y una obra de cerámica (Sin título, 1947).

2 Premios

1954 Premio Nacional de Artes Aplicadas, XV Salón Oficial

1992 Premio Nacional de Artes Plásticas

3 Colecciones

GAN

4 Fuentes

Archivo del artista.

 

Arrue Valle Ricardo

n. Bilbao, España, 1889 (datos en estudio)

m. (Datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Realizó estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao, donde se especializó en la técnica del esmalte sobre metal. En 1925 recibió medalla de oro en la "Exposición internacional de artes decorativas" en París. En 1936, a raíz de la guerra civil española, se residenció en Caracas, donde dio clases de artes del fuego en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas y en el Taller Libre de Arte. Expuso regularmente en el Salón Oficial esmaltes traslúcidos sobre plata y cobre (1941), así como óleos de paisajes caraqueños y escenas (1943) y vistas de París (1944). En 1947 obtuvo el Premio Oficial de Artes Aplicadas en el VIII Salón Oficial con un envío de 10 esmaltes sobre plata y cobre. Realizó exposiciones individuales en Madrid, Bilbao y Barcelona (España), Buenos Aires y París.

2 Premios

1925 Medalla de oro, "Exposición internacional de artes decorativas", París

1947 Premio Oficial de Artes Aplicadas, VIII Salón Oficial

3 Colecciones

Museo de Arte Moderno, Bilbao, España / Museo de Bellas Artes, Zaragoza, España

4 Fuentes

- Cinap, A 48.

 

 

 

Arteaga Jorge

n. Caracas, 15.1.1935

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor muralista. Realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (1953-1954). Fue alumno de Marcos Castillo, Armando Lira y Rafael Ramón González. Posteriormente estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Barquisimeto (1954-1958), bajo la dirección de José Requena. En 1956 obtiene el Premio Lorenzo Álvarez en el III Salón Julio T. Arze. Entre 1958 y 1961 formó parte del Taller de Arte Realista de Caracas que desapareció en 1961. Jorge Arteaga fue fundador de la Escuela de Artes Plásticas Carmelo Fernández (San Felipe, 1959), subdirector de la Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios (Maracay, 1965-1968) y director de la Escuela de Artes Plásticas Antonio Esteban Frías (ULA, 196+2-1965). En 1957 realizó su primera exposición individual en el Ateneo de Caracas. En 1970 lleva a cabo para el Palacio Legislativo del Estado Aragua un mural de 72 m de ancho por 2 m de alto, que tiene como tema la historia y los aspectos sobresalientes del Edo. Aragua. Asimismo, en 1973 hace un mural sobre la vida de Páez para el Museo del Parque General José Antonio Páez en el Edo. Portuguesa. En 1977 se inauguró el mural Las ciencias médicas, ubicado en la sala de espera de consulta externa del Hospital Central de Acarigua-Araure, Edo. Portuguesa. La obra tiene 12 m de ancho y 6 m de alto, presenta los contenidos potentes del color junto con la expresión del realismo social y la visión futurista de la medicina. En 1981, con Forma angular (acrílico sobre madera), participa en la I Bienal de La Habana. En 1984 exhibe en el Salón de Lectura del Ateneo de San Cristóbal sus pinturas sobre las diferentes facetas de la vida del Libertador, muestra que itineró por varias ciudades del país. En 1986, en la sede de la Federación Campesina de Venezuela, se inauguró "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", muestra integrada por 41 obras entre bocetos y ejercicios muralísticos que manifiestan versiones gráficas de la epopeya de la historia venezolana. Sus cuadros, la mayoría trabajados en acrílico y de grandes dimensiones, reflejan la multiplicidad de actitudes, rasgos, gestos y colores característicos de su pincel, donde las enseñanzas de sus maestros Gabriel Bracho y David Alfaro Siqueiros están implícitas en todas sus creaciones. En sus murales y pinturas se intuye un luchador social, profundamente preocupado por lo que acontece en el país y en América Latina, posición que lo lleva a la cárcel en cuatro oportunidades. Estos hechos lo marcan en su planteamiento plástico, que se refleja en el realismo social y en la crítica sistemática y sociológica sobre temas históricos y bolivarianos. A partir de 1980, el artista residenciado en Barquisimeto, retoma sus labores docentes en la Ucla y continúa con su actividad expositiva hasta la actualidad. En 2002 se inaugura el Centro Cultural Jorge Arteaga en Barquisimeto en homenaje al artista.

2 Exposiciones individuales

1957 Ateneo de Caracas

1967 Ceproaragua

1971 Sala de Lectura, Plaza Bolívar, Caracas / Centro Profesional, Barquisimeto / Galería Sótano de Arte, Caracas

1974 Galería Marcos Castillo, Caracas / Museo de Arte La Rinconada, Caracas

1975 Galería Siqueiros, San Cristóbal / Club Táchira, San Cristóbal

1984 "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Casa de la Cultura Carlos Gauna, Acarigua-Araure, Edo. Portuguesa / "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Centro de Cultura Carlos Emilio Muñoz Oraa, Guanare / "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Centro de Historia Larense, Barquisimeto

1985 "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Museo de Arte e Historia de Valencia Casa de los Celis, Valencia, Edo. Carabobo / "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Casa de la Cultura, Maracay

1986 "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural" Federación Campesina de Venezuela, Caracas / "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Biblioteca Central, UCV / "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Casa de la Cultura Jorge R. Gómez, Cagua, Edo. Aragua

1987 "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui / "Bolívar. III centuria de inmortalidad, ideas, bocetos, ejercicios de mural", Galería Universitaria Rafael Monasterios, Barquisimeto

1988 "Bolívar-Jiménez-Torres-Urdaneta. III centuria", Concejo Municipal del Distrito Jiménez, Quíbor, Edo. Lara / "Urdaneta-Bolívar. III Centuria de inmortalidad", Casa de la Capitulación, Maracaibo

1990 "Bolívar-Páez. III centuria de inmortalidad", Vicerrectorado, Unellez, Guanare

1991 "Bolívar-Páez. III centuria de inmortalidad", Casa de la Poesía y del Humor, Alcaldía del Municipio Páez, Acarigua, Edo. Portuguesa / "Bolívar. III centuria de inmortalidad", Casa de la Cultura, Cabudare, Edo. Lara

1996 "Jorge Arteaga… el maestro", Ateneo de Cabudare, Edo. Lara

1999 "III centuria de inmortalidad", Universidad de Yacambú, Cabudare, Edo. Lara / "Homenaje a Kotepa Delgado", Ucla / "A Taormina Guevara", Ucla

2001 "Bolívar. III centuria de inmortalidad", itinerante por la Alcaldía del Municipio Morán, El Tocuyo, Edo. Lara; Alcaldía del Municipio Simón Planas, Sarare, Edo. Aragua; Alcaldía de San Carlos; Complejo Cultural Mauricio Pérez Lazo, Barquisimeto

2002 "Jorge Arteaga", Centro Cultural Jorge Arteaga, Ucla

3 Premios

1956 Premio Lorenzo Álvarez, III Salón Julio T. Arze

1957 Premio popular, II Salón de Jóvenes Pintores, Maracaibo / Premio Cervecería C.A., II Salón Jóvenes Pintores, Barquisimeto

1959 Premio popular, III Salón de Jóvenes Pintores, Escuela Cristóbal Rojas

1960 Premio Armando Reverón, VI Salón Julio T. Arze

1963 Primer premio, concurso de bocetos para la realización del mural del Palacio de Gobierno, Mérida

1968 Premio Artista Aragüeño, VI Salón de Arte, Maracay

4 Colecciones

Asamblea Legislativa del Estado Aragua, Maracay / Ateneo de Coro / Casa de las Américas, La Habana / Ceproaragua / Gobernación del Distrito Federal, Caracas / Gobernación del Estado Mérida, Mérida / MAO / Museo de Antropología, Historia y Artes Plásticas, Barquisimeto / Museo de Artes Plásticas, Sofía / Museo Salvador Allende, La Habana / Ucla / ULA / Unellez

5 Fuentes

-Cinap, A 49.

 

 

Arvelo Jesús María

n. Petare, Edo. Miranda, h. 1888

m. Petare, Edo. Miranda, 10.9.1925

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo del tallista Elías Arvelo y Carmela Arvelo de Arvelo. Sus inicios artísticos se remontan hacia 1908, cuando realiza Muchacha en la granja. Por esa fecha realizó murales, desaparecidos en 1966, en el nº 13 de la calle Madelaine frente a la Plaza Sucre en Petare, donde trabajó flores, medallones con paisajes y dos composiciones (Niña con perro y Niño con traje marinero). A partir de 1910 su pintura sufrió una transformación: de las gamas de mayor transparencia y luminosidad, Arvelo adoptó una limitada paleta en la que predominan las tierras, los bermellones, los grises y el negro, con menor frecuencia. Durante este período predominan los retratos, como Fray José de Maraury (1910), Domitila Arvelo de Díaz (su única obra firmada y fechada, 1911) y Francisco Antonio Amos y su esposa Carmen Sofía Serrano de Amos, realizado a partir de una tarjeta de visita del Gabinete Fotográfico de Navarro (hacia 1912). En 1912 pintó un retrato ecuestre del presidente general Juan Vicente Gómez; Arvelo fue pensionado para que estudiara en la Academia de Bellas Artes y, aunque permaneció poco tiempo, sus estudios formales lo llevaron a un toque más temperamental del color y un modelado más rotundo.

En 1962, Francisco Da Antonio organizó, en la Sociedad Maraury de Petare, la primera y única individual de Arvelo, aunque su obra ha sido incluida en colectivas como la "Primera retrospectiva del arte ingenuo contemporáneo en Venezuela" (Galería Caracas, Caracas, 1967) y "5 versiones del ingenuismo del siglo XX en Petare" (Sala de Lectura, Plaza Bolívar, Caracas, 1972). Para 1972 apenas se conocían 12 obras de Arvelo, en su mayoría retratos y una naturaleza muerta. Francisco Da Antonio ha escrito sobre este pintor: "poco tardó, sin embargo, para que su pintura comenzara a perfilar algunos cambios: el tratamiento del color acusa un toque más temperamental, el modelado aparece más libre y el diseño ha perdido el laconismo de otrora. Si por una parte conserva, con todo, las limitaciones de su paleta, su concepción espiritual del mundo fue fiel a sus días iniciales, pese al marcado sabor académico que deriva particularmente de su Naturaleza muerta y del enfoque que ofrecen la Cabeza de perro y esa interesantísima estampa que conocemos con el nombre de El niño de la blusa, con la cual se anunciaba la aparición de un pintor de superior sensibilidad formal, no obstante su evidente naturalismo de buena ley. Así y todo, dentro de su limitada significación actual, el mayor de sus méritos lo hallaríamos en la rara calidad de su pintura; en la pulcritud de su elaborada artesanía plástica y en el frecuente buen gusto para la elección de los motivos y para sortear con éxito las seducciones y peligros de lo sensiblero y la cursilería, tan propios de los talentos subalternos. Su obra nos revela en forma incontestable su exigente ideativa y su absoluta honestidad, pese a los altibajos e insucesos de su trayectoria" (1967, p. 159).

2 Exposiciones individuales

1962 Sociedad Maraury, Petare, Edo. Miranda

3 Fuentes

- Da Antonio, Francisco. "Pintores ingenuos". En: Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.

- Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.

 

 

 

Arvelo Luis Alejandro [El Pintor del Trapiche]

n. La Guaira, 17.7.1937

m. Caracas, 1.2.1996

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Óscar Carlos Arvelo y Petra Jerónima González. Conocido como el Pintor del Trapiche, debido a que después de 1976 desarrolló su obra en el trapiche que poseían sus abuelos en La Urbina. Trabajó como gandolero del Instituto Municipal de Aseo Urbano. En un principio probó materiales de desecho como maletas, puertas, ollas, trozos de madera, etc.; trabajó primero el paisaje, luego temas míticos (Los nietos de Ícaro), fantásticos (Acto inquisitorial) y series dedicadas a los desechos (El cardumen de la contaminación). A partir de 1982 empieza su participación en muestras colectivas, como la llevada a cabo en el Taller de Arte Paseo Las Flores, en Caracas, y en la I Exposición Pictórica de la Asociación Armenia de Venezuela. Para ese entonces logra mayor contraste cromático y abandona los tonos oscuros de sus comienzos. En 1984 participa en el V Salón de Pintura Ingenua Bárbaro Rivas (Museo de Petare) y recibe el segundo premio. Para 1985, la vida y obra del Pintor del Trapiche es llevada al cine a través de un cortometraje realizado por José Gregorio Castro llamado El mundo de Luis Arvelo. A partir de 1986 trabaja el óleo sobre tela; participa en colectivas como la I Bienal Bárbaro Rivas (1987), y al año siguiente en "Cabimas, Trujillo, Petare: moradas para el arte popular" (Museo de Petare), I Concurso de Arte Ingenuo en el Hotel Tamanaco (Caracas) y la II Bienal Salvador Valero, donde recibió el primer premio. En 1989 realiza su primera exposición individual "El Pintor del Trapiche: fantasía e irreverencia" en el Museo de Petare, en la que reunió facetas pictóricas que mezclan el arte popular con manifestaciones vanguardistas.

2 Exposiciones individuales

1989 "El Pintor del Trapiche: fantasía e irreverencia", Museo de Petare

3 Premios

1984 Segundo premio, V Salón de Pintura Ingenua Bárbaro Rivas, Museo de Petare

1988 Primer premio, II Bienal Salvador Valero

4 Colecciones

Fundación Polar, Caracas / Museo de Petare

5 Fuentes

- El Pintor del Trapiche. Fantasía e irreverencia (catálogo de exposición). Caracas: Fundación José Ángel Lamas-Museo de Petare, 1989.

- Planchart Licea, Eduardo. Lo sagrado en el arte venezolano. Caracas: Conac, 1996.

Arvelo Solange

n. Cumaná, 5.3.1938

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Artista textil. Hija de Juan Mendoza y María Luisa Ramírez. Estudió en la Escuela Cristóbal Rojas (1957-1962). En un primer momento se dedicó a la pintura, luego montó un taller colectivo en donde elaboró murales y cerámica utilitaria (1964-1967). Desde 1969 hasta 1971 se estableció en Colonia (Alemania), donde estudió dibujo, texturas y fibras, y montó un telar rudimentario. A mediados de 1971 regresa a Venezuela y, en 1972, expone pinturas y tapices hechos en aros de bambú, en los que predominaba la forma redonda. La primera fase de su trabajo fue abstracto, ya que no poseía suficientes recursos técnicos ni utilizaba el diseño. Improvisaba en el telar, trabajando sólo con las texturas de lanas de colores industriales. Esta fase duró dos años. Después inició un período de estudio del espacio, elaboró móviles, transparencias cromáticas y telarañas en el espacio. Mantuvo durante esta fase la forma redonda y siguió tejiendo utilizando el soporte redondo hecho en bambú. En una etapa posterior agregó a sus tejidos elementos marinos y objetos naturales como caracoles, semillas, palos, conchas de mar y trozos de cerámica. De esta época datan sus máscaras de fique, lana y fibras vegetales, expuestas en la Galería La Otra Banda (1975). Hacia los años ochenta aborda el trabajo escultórico de grandes proporciones. Su trabajo siempre ha sido abstracto y expresionista pero en los últimos se insinúan las líneas esenciales de las formas. A partir de esta etapa predominan las mezclas y los matices y no los colores planos iniciales. Paralelamente a sus tapices la artista se interesa, en los años noventa, en desechos de hierro recogidos en las fundiciones que ensambla a manera de escudos metálicos. La GAN posee de Solange Arvelo un tapiz de tejido de lana virgen y fibras vegetales, realizado en 1983.

2 Exposiciones individuales

1972 "Pintura y tapices", Galería Track, Caracas

1974 "Tapices", Galería Gaudí, Maracaibo / "Tapices", Galería La Oficina, Medellín, Colombia / "Tapices de Solange Arvelo", Hotel Toquisay, Bailadores, Edo. Mérida

1975 "Tapices de Solange Arvelo", Extensión Cultural Universitaria, Tovar, Edo. Mérida / "Tapices", Sala Ocre, Caracas / "Tapices", Galería La Otra Banda, Mérida

1978 "Tapices de Solange Arvelo", Centro Cultural Lea, Barquisimeto

1985 "Ancestros", Museo de Arte Colonial, Mérida

1991 "Nudos-desnudos de Solange Arvelo", Los Espacios Cálidos

1993 "Nudos", Ateneo Jesús Soto, Tovar, Edo. Mérida

1995 "Muros y nostalgias", Galería El Galpón del Flacso, Quito

1997 "Umbrales", CAMLB

3 Premios

1972 Mención pintura, I Salón de Arte del BCV

1991 Premio único para arte textil, XVI Salón Aragua, Museo de Arte de Maracay / Segundo Premio Nacional, obra tridimensional, I Salón de Artes Visuales Conac

1993 Primer premio, obra tridimensional, I Salón de Arte Merideño, Mérida

4 Colecciones

BCV / GAN / MACMMA / Museo Central de Tapicería, Lodz, Polonia

5 Fuentes

Archivo de la artista.

 

 

Arze Julio Teodoro

n. Carora, Edo. Lara, 20.7.1868

m. Carora, Edo. Lara, 7.1.1934

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hizo estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Barquisimeto con Eliézer Ugel hasta 1885. Figuró entre los primeros alumnos de Emilio J. Mauri en la recién instalada Academia de Bellas Artes en 1887, donde permaneció hasta 1889. En 1897 efectuó un corto viaje de estudios a Roma becado por el general Aquilino Juares Rumbos, presidente del estado, de quien hace un retrato fechado en Roma (colección GAN). En esa ciudad, Arze estudió en la academia del maestro Tiratelli. Hacia 1903 se encuentra de vuelta en el país y participa en el Primer Concurso Industrial del Estado Lara, donde recibe el primer premio. En 1904 regentaba su propia escuela (El Impulso, 7 de junio de 1904). En 1905 su obra ya era reproducida y comentada en El Cojo Ilustrado (Cabeza de estudio, lápiz, en la edición del 1 de julio de 1905), donde aparecerá otro de sus tipos criollos en la portada del 15 de mayo de 1906. Una resolución del 3 de febrero de 1906 comisionó a Arze a pintar al entonces presidente Castro y a Aquilino Juares. Arze vive en Caracas hasta 1914, exponiendo con frecuencia su producción en Fotografía Manrique. Entre 1914 y 1923 se encuentra en Carora, con breves lapsos en Caracas ya que aparece como profesor auxiliar de escultura en la Academia de Bellas Artes, en abril de 1921. Ese año dictaba clases de dibujo en el liceo Fermín Toro en sustitución de Manuel Cabré. Paisajista, desde 1919 se dedicó al retrato (Actualidades, 27 de febrero de 1921). Su cuadro épico Las Queseras del Medio (colección EFOFAC) fue exhibido en la Fotografía Manrique con elogio de la prensa (El Nuevo Diario, 27 de julio de 1926). De él es también un retrato de José Gil Fortoul, sin fecha, actualmente en la colección GAN. Al morir de tuberculosis, recuerda Rafael Pineda, usaron sus pinturas como mortaja siguiendo las medidas sanitarias de la época (1977, pp. 41-42). Propugnado por José Requena, se creó en 1954 el Salón Julio T. Arze en Barquisimeto.

2 Premios

1903 Primer premio, Primer Concurso Industrial del Estado Lara, Barquisimeto

3 Colecciones

EFOFAC / GAN / Palacio de Gobierno, Barquisimeto

4 Fuentes

- Academia Nacional de Bellas Artes. Documentos relativos a la solemne inauguración de este instituto verificada el 2 de octubre de 1887. Caracas: Imprenta y Litografía del Gobierno Nacional, 1887.

- Calzadilla, Juan. Obras singulares del arte en Venezuela. Bilbao: La Gran Enciclopedia Vasca, 1979.

- Libro de Inscripciones de la Academia de Bellas Artes, 1913 (manuscrito). Archivo GAN.

- Pineda, Rafael. Catálogo de las obras de arte del Ministerio de Relaciones Exteriores. Caracas: Impresos Moranduzzo, 1977.

Asprino Alberto

n. Maracaibo, 12.1.1952

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Ceramista, artista de medios mixtos y museógrafo. Hijo de Aquiles Asprino Curiel y Ada Perozo. Realizó estudios de arquitectura en la Facultad de Arquitectura de LUZ y en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, de donde egresó en 1980. Sus primeras obras eran ensamblajes realizados con materiales reciclados. Inició su actividad expositiva en los salones de arte de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, en 1975. En 1981 expuso en el I Salón Nacional de Jóvenes Artistas (MACC) y al año siguiente en el I Salón Nacional (Museo de Barquisimeto), donde obtuvo una mención en escultura. En 1984 formó parte de "La nueva naturaleza" (Museo de Barquisimeto), donde obtuvo accésit al primer premio con Variquicimeto, presentada con Julio Iribarren. Ese año participó en la II Bienal Nacional de Escultura, experiencia in situ, Castillo San Carlos Borromeo (Pampatar, Edo. Nueva Esparta). En 1985 y 1986 expuso en el III y IV Salón Nacional de Jóvenes Artistas en el MACC y en la exposición "Las 5 partes de Venezuela", organizada por el mismo museo en la Sala Cadafe. En 1987 formó parte de la representación de Venezuela en la II Trienal Mundial de Pequeña Cerámica, en Zagreb, y participó en el XV Salón Nacional de las Artes del Fuego, Sala Mendoza. En 1988 participó en la I Bienal Nacional de Artes Visuales, sección arte no objetual (GAN) y en la exposición "Visiones escultóricas", Galería Tito Salas. En 1989 se radicó por un tiempo en Washington, donde realizó Intervenciones en el paisaje en Red Parrot Park y en Rock Creek Park. En 1990 fue invitado a participar en el II Salón de Arte Efímero, homenaje a Ángel Vivas Arias en Maracay, y en la muestra "Ensamblajes". Igualmente, participó en la III Trienal Mundial de Pequeña Cerámica en Zagreb. En 1993 formó parte de la Bienal Francisco Narváez. En 1996 y 1998 participó en la I y II Bienal Nacional del Paisaje Tabacalera Nacional (MACMMA) en esta última con la instalación urbana Rescate: a Jesús María de Las Casas, realizada con materiales diversos recogidos de la franja costera del Litoral Central, a los que les imprime un tratamiento museístico. Asimismo, participa en el LV Salón Arturo Michelena, siendo merecedor del Premio Andrés Pérez Mujica, segundo en importancia, por su obra Mi escritorio de la serie Nuevas lecturas, realizada con materiales de desecho, escritorio, libros, pedazos de madera y una lámpara. El tema del artista es la metamorfosis del objeto. Formó parte también de la muestra "Ensamblaje. Arte y parte", Sala Cultural de Pdvsa, Puerto La Cruz. Artista invitado en el LVIII Salón Arturo Michelena (2000).

2 Exposiciones individuales

1984 "Interpretaciones rocosas", Módulo Venezuela, Fundarte, Parque Los Caobos, Caracas / "Interpretaciones rocosas", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Mareas de sueños, naturaleza tres tiempos", Museo de Arte La Rinconada, Caracas

1986 "Mareas de sueños, un fragmento", Terracota Taller de Arte, Valencia, Edo Carabobo / "Un cupón para Brasilia", TEAF

1991 "Ejercicios", Galería Okyo, Caracas

1996 "Vigilia", Galería Okyo, Caracas

1998 "Cariaco. Nuevas lecturas", Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz

3 Premios

1978 Segundo premio de escultura, Salón de Arte Facultad de Arquitectura y Urbanismo, UCV / Accésit al primer premio, II Salón Julio T. Arze, Museo de Barquisimeto / Mención Honorífica UC, XI Salón Nacional de las Artes del Fuego, Sala Braulio Salazar

1986 Primer premio de escultura, II Bienal Nacional de Artes Visuales, Secretaría de la Gobernación de Maracaibo

1995 Premio Harijs Liepins, LIII Salón Arturo Michelena

1997 Premio Andrés Pérez Mujica, LV Salón Arturo Michelena / Premio Gobernación del Estado Anzoátegui, IV Bienal Nacional de Artes Plásticas de Oriente, Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz

2003 Premio Arturo Michelena, LXI Salón Arturo Michelena

4 Fuentes

- Barrios, Guillermo. Alberto Asprino (catálogo de exposición). Caracas: Galería Okyo, 1991.

- Segunda Bienal Nacional del Paisaje Tabacalera Nacional (catálogo de exposición). Maracay: MACMMA, 1998.

 

Assian Fernando

n. Madrid, 28.12.1951

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y grabador. Cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Oficios Artísticos de Madrid (1964-1968); a mediados de la década siguiente adquiere la nacionalidad venezolana y se residencia en Maracaibo. En 1973 expone en la Galería Gaudí (Maracaibo) trabajos monocromos que recrean indígenas con todo su expresionismo étnico y paisajes lacustres. Al negarse al color, sus dibujos terminan por sugerirlo con una amplia gama de grises y blancos de gran precisión académica. En 1977 exhibe, en la Galería Lía Bermúdez de Maracaibo, óleos y dibujos de mediano formato con la misma temática. Este mismo año recibe la mención honorífica en el I Salón Nacional de Grabado en el Museo de Artes Gráficas en Maracaibo. En 1978, junto a Francisco Bellorín, Francisco Hung y Lía Bermúdez, entre otros, participa en la colectiva "9 artistas plásticos del Zulia", y en 1979 en la itinerante "Manos de siempre, signos de hoy. Dibujo actual en Venezuela" (GAN) y expone "Los jugadores" en la Gallery Salón de Arte (Maracaibo). Sergio Antillano señaló en esa ocasión que Assian "voluntariamente prescindió de cierta meticulosidad descriptiva generalmente presente en sus óleos y dibujos a pluma, para quedarse tan sólo con la silueta de una realidad sugerida, presentida apenas por un especial juego de valores sutiles. De esta manera singular, la técnica, parca en medios y procedimientos, sirve a sus propósitos nobles, donde la idea, el concepto creador, se expresa con plenitud a través del recurso plástico" (1979). En 1981, con Bandera III, obtiene el Premio Emilio Boggio en el XXXIX Salón Arturo Michelena. Posteriormente participó con una tinta china sobre papel en "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Segunda parte" (GAN). Este mismo año exhibe, en la Galería Durban de Caracas, 20 dibujos en plumilla y pincel a tinta china cuyo elemento protagónico es el alambre de púas, con el que juega realizando composiciones que reflejan el paisaje guajiro y su desolación. En 1983, con "Dibujos marzo 83" expone, en el Museo Municipal de Artes Gráficas del Zulia, trabajos en los que persiste la temática de la Guajira y el paisaje zuliano, realizados bajo una misma técnica (plumilla, pincel, tinta china). Actualmente trabaja como ilustrador de la revista zuliana Respuesta.

2 Exposiciones individuales

1973 Galería Gaudí, Maracaibo

1977 Galería Gaudí, Maracaibo / Galería Lía Bermúdez, Maracaibo

1979 "Los jugadores", Gallery Salón de Arte, Maracaibo

1981 Galería Durban, Caracas

1983 "Dibujos marzo 83", Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

1984 Centro de Arte Euroamericano, Caracas

3 Premios

1977 Tercer premio, Salón de Dibujo y Pintura del Estado Zulia, Maracaibo / Mención honorífica, I Salón Nacional de Grabado, Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

1981 Premio Emilio Boggio, XXXIX Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / CAMLB

5 Fuentes

- Antillano, Sergio. Los jugadores de Fernando Assian (catálogo de exposición). Maracaibo: Gallery Salón de Arte, 1979.

- Cinap, A 54.

 

ENA-MACA

Ávalos Ana

n. Santiago de Chile, 7.12.1940

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Escultora. En 1958 se estableció en Venezuela, estudió cerámica en el Taller Libre de Arte y durante cinco años en la Escuela Cristóbal Rojas con Eduardo Dorta. Ha alternado la producción creativa con la promoción y difusión cultural. Después de dedicarse a la cerámica utilitaria, derivó hacia una figuración ornamental y estilizada cercana a la escultura. En 1979 realizó su primera exposición individual en la Sala Ocre, en la que expuso 20 "cerámicas-esculturas" realizadas en aluminio a partir "de referencias antropomorfas […] con una cadencia llameante del art déco [integrada] a la superficie limpia y espejeante del metal" (Pineda, 1979). En 1983, junto a Ángel Martínez Lobo, exhibió pequeños bronces de figuras eróticas expresionistas, y en 1984 realizó una individual en Brasil, conformada por 19 bronces con temas como la mujer, la pareja y el amor. En 1985 expone, en el Consulado de Venezuela (Nueva York), obras de tamaño natural donde introduce el tema de la maternidad. Entre sus obras instaladas en Caracas se encuentran Amistad (Estación La Hoyada, Metro de Caracas, 1985), La mujer del Calvario (El Calvario, Caracas, 1986), La familia (Parque Vargas, Caracas, 1987), y el monumento a Salvador Allende ubicado en la entrada de la UCV (1993).

2 Exposiciones individuales

1966 "Cerámicas", Galería Gamma, Caracas

1970 "Cerámicas", Galería Track, Caracas

1979 "Esculturas", Sala Ocre, Caracas

1984 Río Palace Gallery, Río de Janeiro

1985 "Bronze Sculptures", Consulado de Venezuela, Nueva York

3 Premios

1965 Primer premio de artes aplicadas, IV Salón Aragua, Casa de la Cultura, Maracay

1967 Primer premio de artes aplicadas, XXV Salón Arturo Michelena

2000 Mención honorífica, Latin American Art Museum, Coral Gables, Florida, Estados Unidos

4 Fuentes

- Archivo de la artista.

- Pineda, Rafael. Ana Ávalos. Esculturas (catálogo de exposición). Caracas: Sala Ocre, 1979.

 

Avendaño Francisco

n. Cumaná, 4.2.1792

m. La Guaira, 24.2.1870

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Al coronel Avendaño se le adjudica la introducción de la litografía en Venezuela: en un artículo publicado en el periódico El Promotor del 26 de febrero de 1844 se leía: "el primero que introdujo en este país una máquina litográfica fue el Sr. coronel Francisco Avendaño, siendo comandante del puerto de La Guaira, en los años de 1823 a 1825. Allí ejecutó él mismo los primeros ensayos, siendo su retrato uno de los objetos de la operación. En 1828 convidó al célebre pintor Sr. Juan Lovera en Caracas, para trabajar en la máquina y perfeccionarse en el manejo del arte. Reuniéronse varias veces en la casa de éste, donde se dejó aquélla. Entonces el Sr. coronel Avendaño volvió a ser retratado por el Sr. Lovera y éste lo fue también por aquél. El Sr. Lovera dibujó el retrato del I. Sr. arzobispo Dr. Ramón Ignacio Méndez, y el Sr. José María Rosales tiró varias flores y principios de dibujo de varias partes del cuerpo humano. En 1829 ó 1830 el Sr. coronel Avendaño vendió la máquina al Sr. Antonio Damirón, quien también ejecutó algunos ensayos". Es curioso que en sus numerosas menciones a Avendaño, sir Robert Ker Porter no señale en su Diario nada sobre las aficiones artísticas de éste, y cuando nombra al francés Damiron, quien fue su impresor, tampoco comente el origen de su prensa litográfica o sus trabajos. Es posible, por otra parte, que entre los planes de Avendaño estuviera el de abrir un periódico, como lo muestra su presencia en la junta general de accionistas de El Constitucional Caraqueño, que apareció entre el 13 de septiembre de 1824 y el 25 de abril de 1825. Dos años antes, en 1822, los hermanos Devisme instalaban en Caracas un buen taller tipográfico comprometiéndose a imprimir grabados. "No podemos, sin embargo, precisar si estas impresiones eran litográficas o no. Son, no obstante, grabados realizados según los 'más recientes usos de Europa'" (Febres Cordero, 1983, p. 240).

Avendaño estudió en la Escuela de Matemáticas de Tomás Mires hacia 1808, perteneció a la compañía de Húsares Nobles de Fernando VII en Cumaná, junto con los hermanos Sucre, y en 1810 fue nombrado subteniente del Real Cuerpo de Ingenieros. Sin embargo, pronto se adhirió a la causa revolucionaria: participó en la Campaña de Valencia con Francisco de Miranda, en 1812, y peleó contra Domingo Monteverde. Al ser derrotada la Primera República, huye a las Antillas para regresar en 1813. En esos años es nombrado comandante de ingenieros de La Guaira hasta que, en 1814, cae Caracas bajo el dominio realista y Avendaño emigra con el mermado ejército patriota a Oriente. Avendaño combate en Aragua de Barcelona, en 1817 es nombrado teniente coronel y, en 1819, coronel. Tras la victoria de Carabobo, en 1821, se le asigna el puesto de comandante de armas de Caracas y, en 1825, la comandancia general de Puerto Cabello, cargo que todavía ocupaba cuando conoce a Porter. Ese año participa en un concurso promovido por la Intendencia del Departamento de Venezuela para realizar una columna conmemorativa a la victoria de Carabobo: el proyecto de Avendaño (actualmente en la colección Archivo Nacional de Colombia, Bogotá), fechado el 11 de mayo de 1825, consistía en una columna ática, de fuste liso, sobre la cual coloca en letras romanas la alusión al vencedor. En 1826 es nombrado diputado al Congreso Constituyente de Valencia y, en 1833, consejero de gobierno. Gobernador de la provincia de Cumaná en 1838 y de Guayana en 1843. Entre 1845 y 1847 es ministro de Guerra y Marina, y entre 1848 y 1850 director de la Academia de Matemáticas, que le toca reestructurar en abril de 1858, en plena contienda militar, por orden de Julián Castro. En 1861 es ascendido a general de brigada y tres años después a general en jefe. La carrera militar de Avendaño no permitió, después de los años treinta, su regreso a sus aficiones gráficas, pero su prensa tuvo una enorme repercusión y motivó de alguna manera el auge que la litografía vendría a tener a mediados del siglo XIX.

2 Colecciones

Archivo Nacional de Colombia, Bogotá

3 Fuentes

- Febres Cordero, Julio. Historia del periodismo y de la imprenta en Venezuela. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.

- Soto Tamayo, Carlos. General Francisco Avendaño: facetas de una vida ejemplar. Caracas: Oficina Técnica Mindefensa, 1966.

- Zawisza, Leszek. Arquitectura y obras públicas en Venezuela, siglo XIX, 3 vv. Caracas: Ediciones de la Presidencia de la República, 1988-1989.

Avril Henrique

n. Barinas, h. 1866

m. Puerto Cabello, 27.6.1950

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo del francés Emilio Avril y María Bauden, de origen suizo. Su abuelo, Luis Avril, vino de Francia a Venezuela cuando Napoleón III restableció el imperio. Henrique Avril fue enviado a París a terminar sus estudios de secundaria. De regreso en Venezuela se dedicó a la fotografía con su hermano Luis. Los Hermanos Avril, que firmaban ocasionalmente H.H. Avril, trabajaron como lo que hoy se entiende por reporteros gráficos de El Cojo Ilustrado, fundado en 1892. Antes de 1897, Avril se encontraba en Tinaquillo, hasta la muerte de su hermano en mayo de ese año (El Tiempo, 12 de mayo de 1897). Ese año realizaba fotos en Carúpano como la de la hacienda de Tomás Massiani (El Cojo Ilustrado, 1 de diciembre de 1897). Contrajo matrimonio con María de Lourdes Ugueto en Barcelona. En 1898 fundó el Club Daguerre de Carúpano, con Domingo Lucca, Rafael Requena y José Carbonell, con quienes hacía excursiones para realizar tomas al aire libre (El Cojo Ilustrado, 15 de septiembre de 1898). En 1900 publicó en El Cojo Ilustrado fotos de los indios caribes orientales (1 de octubre de 1900); en 1902 realizaba vistas del río Orituco (El Cojo Ilustrado, 1 de septiembre de 1902) y en 1903 se encontraba en Villa de Cura (Edo. Aragua), donde se realizó un autorretrato (colección BN). En la segunda mitad de este último año aparecieron en El Cojo Ilustrado "fotografías patéticamente veraces" de la reciente guerra, que le merecieron ser llamado el Caillot venezolano por Mariano Picón Salas (en Los días de Cipriano Castro). Realizó fotos en Caracas (San Bernardino, Valle Abajo y el barrio San José, publicadas en El Cojo Ilustrado el 1 de enero y el 1 de septiembre de 1901) y se han encontrado imágenes de Coro. Posteriormente se radicó en Puerto Cabello. Inicialmente la esposa de Avril iluminaba las fotos que salían del estudio, pero posteriormente se inició ella misma como fotógrafa. Avril utilizó el formato rectangular 9 x 3 pero no se eximió de usar recuadros ovalados o circulares. Avril publicó en El Cojo Ilustrado pinturas (1 de julio de 1908), fotografías intervenidas (1 de enero de 1909) y dibujos (15 de enero de 1909) de tema regional y con escenas criollas. Puede considerarse el primer reportero gráfico del país. Humberto Cuenca se detuvo en este aspecto: "las fotos de Avril revelan plásticamente la realidad muy humana y sensible de un país desmantelado por el persistente saqueo de caudillos mediocres, pero ambiciosos […], inició entre nosotros la fotografía como arte autónomo, distinto de la litografía y el grabado, un arte dramático que nunca apuntó al cursi decorativismo de su época" (1980, p. 191). Avril falleció en 1950 y su viuda lo sobrevivió 15 años.

2 Colecciones

BN

3 Fuentes

- Con la fuerza y verdad de la luz de los cielos (catálogo de exposición). Caracas: Funres-GAN, 1977.

- Cuenca, Humberto. Imagen literaria del periodismo. Caracas: UCV, 1980 (segunda edición). Primera edición en 1961.

- Misle, Carlos Eduardo. Venezuela siglo XIX en fotografía. Caracas: CANTV, 1981.

Ayesta Chávez Carlos

n. Caracas, 28.7.1949

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo de Emiro Ayesta Hernández y Rosa Herminia Chávez. Desde muy joven se interesa en la fotografía, en la cual se inicia de forma autodidacta durante el bachillerato, cuando comienza a revelar y copiar en el laboratorio de un compañero de clases. En 1969 se inscribe en la Facultad de Ciencias de la UCV, donde comienza sus estudios de biología. Paralelamente a esta actividad realiza trabajos fotográficos por encargo, sobre todo para medios audiovisuales, y se integra a un círculo de amigos fotógrafos donde se encuentran Luis Brito, Vladimir Zersa, Sebastián Garrido, Jorge Vall y Tito Caula, entre otros. Entre 1971 y 1973 realiza cursos de fotointerpretación y fotogrametría dictados por el Instituto de Cartografía Nacional en el Ministerio de Obras Públicas de Caracas y asiste a las cátedras de fotografía I, II y III que enseñaba el profesor Carlos Herrera en la Escuela de Biología de la UCV. En 1974 interrumpe sus estudios en la universidad y viaja a Londres para realizar cursos sobre fotografía avanzada, retrato y paisaje en la Universidad de Londres. Al año siguiente regresa a Caracas, retoma sus estudios en la universidad y es contratado como auxiliar docente a dedicación exclusiva para asistir al profesor Carlos Herrera en el Laboratorio de Fotografía. Junto al profesor Herrera realiza su primera exhibición fotográfica en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV (1976), en la que presenta un conjunto de imágenes de paisajes y personajes tomadas en Londres y Venezuela. De esta muestra destaca una fotografía realizada a modo de autorretrato, en la que uno de sus glóbulos rojos es ampliado microscópicamente para conferirle intencionalmente un valor artístico y significante a esa forma aparentemente abstracta, así como una serie conmovedora protagonizada en alguna calle de Caracas por un dipsómano callejero que revela en un estado de delirio un profundo drama existencial. Los paisajes, por su parte, son producto de circunstancias imprevistas ocurridas en instantes; imágenes poéticas que constituyen una apología al ver y al estar. En este sentido, el trabajo de Ayesta revela la esfera de sus intereses: el paisaje, la naturaleza humana y la subjetividad estética.

En 1978 obtiene la licenciatura en biología celular, ingresa al panel de profesores de la Escuela de Biología para dictar los cursos de fotografía I y II e inicia trabajos de investigación con el microscopio óptico y electrónico que le permiten completar su formación acerca del uso y la aplicación de la fotografía en el campo científico. En 1980 asume la jefatura del Laboratorio de Fotografía de la Facultad de Ciencias de la UCV, y comienza a realizar producciones para cine en formato 16 mm y en video llegando a completar más de 36 documentales en el área científica y etnográfica entre 1984 y 2004. En 1986 trabaja con el destacado fotógrafo Carlos Eduardo Puche —también discípulo de Herrera— quien ingresa al Laboratorio de Fotografía y con quien compartirá reflexiones en torno a temas fotográficos por más de una década. A partir de 1990 participa en actividades relacionadas con el teatro, específicamente en la creación de efectos especiales, iluminación y escenografía de seis obras presentadas dentro y fuera del país con el grupo Sin Teatro. En 1991, junto a Josune Dorronsoro, ejerce la curaduría de la exposición "Paisaje… estado interior" (MBA), homenaje póstumo a su maestro Carlos Herrera. Ha sido consultor en comunicación y medios del Programa de Control de Enfermedades Endémicas del Instituto de Biomedicina del Ministerio de Sanidad y Asistencia Social (1997), así como jurado en diferentes concursos y salones de fotografía, entre ellos, el Premio Nacional de Fotografía que otorga el Conac (1995). Ha participado en diferentes muestras colectivas como el "Primer mes de la fotografía" (Museo Jacobo Borges, 2003) y "Ciudades en tránsito", con Rodrigo Benavides, Joaquín Cortés y Jesús Ochoa (Espacio Arte Daniela Chappard, Caracas, 2004), entre otras. Igualmente ha dirigido y realizado exposiciones multimedia dentro y fuera del país, entre las que cabe destacar el material de video presentado en el Pabellón de Venezuela en "Expo Hannover 2000" (Alemania) y la muestra "Ciudad Universitaria de Caracas", itinerante por Austria, Francia, Alemania, España y Venezuela (2002-2004).

Aunado a su particular inclinación por los temas ya mencionados, Ayesta indaga en categorías estéticas. Su propósito es "ver la luz" y la influencia de ésta en seres y objetos estructurados compositiva y significativamente. Por los momentos le atrapa la atmósfera que suscita el claroscuro y su impacto dramático y casi escenográfico; este recurso expresivo se apropia de los diversos ambientes que recorre su sensibilidad fotográfica y se refleja en una extensa serie que desarrolla actualmente en torno a uno de los fenómenos sociales e históricos más relevantes que ocupa a la venezolanidad en el nuevo siglo: las protestas de calle o las catarsis colectivas de júbilo e ira, y sus diversos contrastes expresivos, aglutinados en las marchas caraqueñas cuyas imágenes, comunicacionalmente, le son propias al mundo entero. El reto al abordarlas fotográficamente no es más que la intención de dejar al futuro un testimonio objetivado a través de una particular y entrañable visión que muestra la multiplicidad de facetas implícitas en el hecho humano. Actualmente continúa ejerciendo la jefatura del Laboratorio de Fotografía de la Facultad de Ciencias de la UCV, mientras dicta charlas y conferencias en diversas instituciones y museos nacionales en torno a la significación histórica de la fotografía, los materiales fotográficos y su conservación, la fotografía y la ciencia, y la fotografía de Carlos Puche.

2 Colecciones

UCV

3 Premios

2003 Premio Regional de Fotografía al Valor y la Constancia Jorge Tortoza, Instituto Autónomo de Cultura del Estado Miranda y periódico Tras la Noticia

4 Fuentes

- Worwa, Lida. Entrevista al artista. Caracas, 2002-2004.

Azcárate Emilia de

n. Caracas, 6.5.1964

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora. Realizó estudios en el Central Saint Martins College of Art and Design de Londres (1983-1986), y participó en el video Versus, presentado en el IV Encuentro de Arte Contemporáneo DANAE, en París. En 1989 se traslada a Madrid, donde vivió hasta 1991. Ha participado en colectivas como "Raíces" (Sala RG, 1988), "Cinco de tierra firme" (Casa de las Américas, La Habana, 1991), "Entre trópicos" (MACCSI, 1992), I Salón Pirelli (1993), IV Bienal Internacional de Pintura (Museo de Cuenca, Ecuador, 1994), XXI Salón Aragua (MACMMA, 1996) y I Bienal Nacional del Paisaje (MACMMA, 1996). En 1992 fue reconocida con una mención de honor en la VI Edición del Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza), con un óleo sobre tela sin título de gran formato. Su evolución pictórica ha pasado por diferentes etapas: en un primer momento usó el óleo, posteriormente empleó pigmentos en polvo y, desde 1994, trabaja la encáustica. Sus obras llaman la atención por su extraordinaria energía y minuciosa técnica de superposición de finas capas de cera previamente mezcladas con trementina u otras sustancias. Entre capa y capa la artista "marca" el lienzo encerado con pigmentos naturales o con sellos de hierro, hasta convertir las telas en pinturas que la artista denomina "paisaje de piel". En 2004 expuso en la Casa de América (Madrid). La muestra resume su experiencia de trabajo en Puerto España (Trinidad) con un conjunto de obras que manifiesta su interés por subvertir la pintura a una producción objetual, saltando al espacio tridimensional y expandiendo los límites del acto pictórico. "También es clara la influencia en estas obras de la filosofía hindú: su visión de la realidad, sus motivos y prácticas espirituales que valoran los remanentes del mundo material, y de los cuales Emilia Azcárate se vale para construir un lenguaje artístico donde el significado del acto creativo reside en lo más sutil e inadvertido de nuestra cotidianidad visual" (Azcárate, 2004).

2 Exposiciones individuales

1988 "Pinturas", Galería Clave, Caracas

1990 "Óleos", Institución Libre de Enseñanza, Madrid

1991 "Obra reciente", Sala Mendoza

1997 "Senderos perforados", Galería Ars Forum, Caracas

1998 "Obras sobre papel", Sala Mendoza

1999 Galería Luis Adelantado, Valencia, España

2000 MAO

2001 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

2004 Casa de América, Madrid

3 Premios

1992 Mención de honor, VI Edición del Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza

1996 Tercer premio, I Bienal Nacional del Paisaje, MACMMA

1997 Mención honorífica, V Bienal de Guayana / Mención honorífica, V Bienal Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas

1999 Primer premio, LVII Salón Arturo Michelena

2000 Mención honorífica, Primer Premio ABC de Pintura, Madrid

4 Colecciones

Banco Mercantil, Caracas / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Coca-Cola, Madrid / Fundación Noa Noa, Caracas / MACCSI / MACMMA / MAO / Museo de Toledo, Ohio, Estados Unidos

5 Fuentes

- Azcárate, Ana de. "Emilia Azcárate en la Casa de América, Madrid". En: Arte al Día, 2, 4. Caracas, mayo de 2004.

- Cinap, A 159.

Aziz + Cucher, ver Cucher, Sammy

 

 

Azuaje Ana Antonia

n. Niquitao, Edo. Trujillo, 3.6.1932

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora. En 1938 fallece su madre y a partir de este momento es criada por una tía. Desde muy pequeña se dedica a labores domésticas y del campo, fabrica figuras de barro y dibujos con carbón. No asiste con regularidad a la escuela. En 1948 se traslada con su tía a Caracas y trabaja como doméstica. En 1953 contrae matrimonio y se traslada a Carúpano. En 1972 regresa a Caracas con su familia y se emplea como doméstica en casa de Maruja Bustamante, quien en 1978 descubre su afición por el dibujo y le facilita pinceles, lienzos y pinturas. Al año siguiente conoce a J.J. Mayz Lyon, quien organiza su primera individual. En sus inicios pinta con los dedos, sobre todo paisajes que evocan su infancia. A partir de 1980 experimenta con yeso, papier maché y cemento, modela piezas grandes y especies de floreros con rostros y utiliza diversos soportes para la pintura como caracoles y madera. En 1981 se hace acreedora del Premio CANTV en el II Salón de Pintura Ingenua (La Guaira). En 1982 obtiene el primer premio en el III Salón de Arte Popular Bárbaro Rivas (Concejo del Municipio Sucre, Petare, Edo. Miranda) con En el camino real, y el Premio Fundarte del III Salón de Pintura Ingenua con Qué bello se ve mi rancho; en 1983 el Premio Conac en el IV Salón de Pintura Ingenua con Un perfil de Bolívar cuando montaba a caballo, y en 1984 el Premio Metro de Caracas con Salida del metro, reproducida como tarjeta de navidad por esta compañía. En 1986 experimenta una nueva mezcla de papier maché con yeso y arcilla, con la cual logra mayor consistencia. Realiza pequeñas figuras individuales y conjuntos. A partir de los años noventa utiliza más los pinceles, sin embargo, sigue pintando los rostros con los dedos. De su obra, la GAN posee en su colección los óleos Un páramo triste y frío (1982) y Una sonrisa (1985).

2 Exposiciones individuales

1980 Galería La Pirámide, Caracas

1984 "El caminar de la tierra", Galería Arte Venezuela, Caracas

1990 "La edad de las flores", Museo de Petare

3 Premios

1981 Premio CANTV, II Salón de Pintura Ingenua, Casa Guipuzcoana, La Guaira

1982 Primer premio, III Salón de Arte Popular Bárbaro Rivas, Concejo del Municipio Sucre, Petare, Edo. Miranda / Premio Bárbaro Rivas, XL Salón Arturo Michelena / Premio Fundarte, III Salón de Pintura Ingenua, Casa Guipuzcoana, La Guaira

1983 Premio Conac, IV Salón de Pintura Ingenua, Casa Guipuzcoana, La Guaira

1984 Premio de adquisición, V Salón de Arte Popular Metro de Caracas, Casa Guipuzcoana, La Guaira

1986 Premio Sociedad Financiera Latinoamericana, VII Salón de Arte Popular, Casa Guipuzcoana, La Guaira

1988 Mención pintura popular, II Bienal Salvador Valero

1991 Distinción para creación experimental, III Bienal Salvador Valero

1992 Mención especial, I Salón de Pintura Popular Bárbaro Rivas, Los Teques

2001 Premio Nacional de Arte Popular

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Conac / Fundarte / GAN / Museo de Petare / USB

5 Fuentes

- Cinap, A 112.

 

 

Azuaje Eduardo

n. Pariaguán, Edo. Anzoátegui, 13.10.1968

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1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Pedro Azuaje y de Petra Aída Guaramata. Realizó estudios de arte puro en la Escuela Cristóbal Rojas. Miembro fundador de los Talleres de Creaciones Plásticas CREA-10, realizó su primera individual en 1988, en la Casa de la Cultura de El Tigre (Edo. Anzoátegui). Ha participado en colectivas como el XV, XVI y XXI Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay, 1990 y 1991, y MACMMA, 1996), V Salón Nacional de Dibujo (MAVAO, 1990), I Bienal de Artes Visuales Barquisimeto (1991), Art Festival of America (Washington, 1992), LI y LII Salón Arturo Michelena (1993 y 1994) y IV Bienal de Guayana (1994). Azuaje desarrolla un lenguaje en el que elementos "como la cruz, el círculo, simbologías indígenas se dan cita en su espacio para informarnos de un tema primitivo, ancestral, universal, informalista" (González, 1991). Sus obras, pinturas, esculturas o instalaciones, sobre tela o madera con materiales como esmalte, óleo, acrílico, petróleo, tierras, etc., están realizadas como series completas elaboradas a partir de un mismo tema. En sus piezas destaca la presencia del negro.

2 Exposiciones individuales

1991 "Reflejos indígenas", Galería 125, Caracas

1992 "Rastros primigenios", Galería Arte Hoy, Caracas

1993 "Materias sugestivas", Galería 125, Caracas

1995 "Fragmentaciones telúricas", Galería Leo Blasini, Caracas

1997 "Confrontaciones", Galería Leo Blasini, Caracas

1999 "Territorio de Omao", Galería Leo Blasini, Caracas

3 Premios

1994 Premio Municipal Los Salias, San Antonio de los Altos, Edo. Miranda

1995 Premio Armando Reverón, AVAP

2001 Premio España, II Salón Internacional de Arte, Museo Nacional de Arte, La Paz

 

4 Fuentes

 

- Cinap, A 269.

MTH