V

Vaisman

Meyer

n. Caracas, 23.5.1960

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Artista de medios mixtos. Estudió ingeniería en el Dade Community College (Miami, Florida, Estados Unidos, 1978) y diseño comunicacional en la Parson School of Design, Nueva York (1980), donde, además, estudia bellas artes. En 1984, junto a compañeros de estudio, funda la galería International With Monument de Nueva York, que abandona dos años más tarde para dedicarse a su producción artística. Ha realizado exposiciones individuales y ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas: "Alice Albert, Peter Nagy & Meyer Vaisman" (With Monument Gallery, Nueva York, 1984), "Philosophies on the art process" (Galería Makkom, Amsterdam, 1984), "Select artists the East Village" (Holly Solomon Gallery, Nueva York, 1985), "Rooted Rhetoric" (Castel dell'Oro, Nápoles, Italia, y Jay Gorney Modern Art, Nueva York, 1986), "Recent tendencies in black and white" (Galería Sidney Janis, Nueva York, 1987), "Cultural geometry" (Deste Foundation for Contemporary Art House of Cyprus, Atenas, 1988), "The silent baroque" (Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburgo, 1989), "El jardín salvaje" (Fundación Caja de Pensiones, Madrid, 1991), "Altrove: imagine e identità, fra identità e tradizione" (Museo d'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, Italia), "Tutte le strade portano a Roma" (Palazzo delle Esposizioni, Roma, 1993). En 1989 recibió el primer premio de la I Bienal Christian Dior (MACC, 1989) con Autorretrato con hermanos imaginarios.

Su obra se ha asociado con las tendencias norteamericanas del neogeo y el pospop. Su interés por la ironía se inicia hacia 1986 cuando realiza Toda la cosa pública, cuatro asientos de inodoro colocados simétricamente en una plataforma serigrafiada. Entre 1986 y 1987 trabajó su serie Los retratos del Uffizi (1988, colección GAN), a partir de monedas serigrafiadas colocadas sobre estructuras forradas con telas estampadas, y entre 1987 y 1988, su serie Fillers (rellenos), formas cubiertas con telas en las que amplió el tejido del lienzo para simular un cuadro. Algunos de estos trabajos realizados con grandes estampados industriales o serigrafiados con elementos de collage, sugieren parodias visuales. A estos soportes de tela siguen, a comienzos de los años noventa, las tapicerías y pendones (réplicas de gobelinos con temas célebres como Hércules y el unicornio), intervenidos con elementos del cómic. En algunos casos llega al refinamiento de obras como Jardín zen (1990), realizada con satén de seda y tinta sobre algodón, o a la parodia de Fleur de lys (1991), en cuya tarja reprodujo un cambur. En otras piezas de esta serie empleó escritos ilegibles o signos imbricados con gran habilidad y un incuestionable interés técnico. "El suntuoso derroche de elementos decorativos, que en los tapices estaba destinado a complementar la narración de historias heroicas, ahora ha sido intervenido para reflejar las variadas formas de crisis de identidad del hombre actual […]. Con este procedimiento se vanagloria al mismo tiempo el chiste trivial (expresado en los mensajes escritos) y el elitismo cultural (presente en los motivos antiguos), propiciando una convivencia entre lo popular y lo exquisito" (Meyer Vaisman. Obras recientes [guía didáctica], 1993). En sus instalaciones o esculturas de esta época utilizó pavos disecados con mantillas y ropajes. En su serie Pavos realiza radiografías de estos animales (1992-1993). Su visión del arte es cínica ya que crea obras que simulan y se burlan del arte de pintar, del proceso creativo y de la relación de los artistas y del mercado.

Entre 1990 y 1993 participó en las muestras "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela" (GAN, 1990); II Bienal de Guayana (1991); VI Edición del Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza, 1992); "Nuevas adquisiciones 1991-1992" (GAN); "CCS-10. Arte venezolano actual" (GAN, 1993), con Verde por fuera, rojo por dentro (1993), instalación que reflejaba la oposición entre los fenómenos sociales: un rancho con orificios para mirar hacia adentro y acceder a un mundo íntimo y privado, recreación de la propia habitación donde el artista vivió su adolescencia. La yuxtaposición entre diversos códigos y culturas en las que ha tenido que vivir el artista, han incidido en la creación de una obra que expresa con ironía las contrariedades de la existencia humana. En 1997 formó parta de la muestra "La invención de la continuidad" (GAN) y en 1998 fue invitado a la I Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil). Ruth Auerbach señala en torno a la propuesta de Vaisman que: "utilizando una iconografía plagada de ficciones, caricaturas y personajes alterados y transmutados, manipula los significados para comunicar de una manera muy personal, aunque no estrictamente geográfica, la verdad intrínseca de la vida contemporánea en toda su paradoja. Su respuesta nunca es directa. Utiliza como estrategia el enmascaramiento, la superposición de ficciones, forzando así la ambigüedad para contradictoriamente conseguir ideas claras" (1997). Actualmente vive y trabaja en Nueva York. La GAN posee obras representativas de este artista, como Los retratos del Uffizi (1988), Grotesco (1991) y Verde por fuera, rojo por dentro (1993).

2 Exposiciones individuales

1986 Galería Daniel Weinberg, Los Ángeles / Jay Gorney Modern Art, Nueva York / White Columns, Nueva York

1987 Jay Gorney Modern Art, Nueva York / Galería Leo Castelli, Nueva York

1988 Museo de Arte Contemporáneo, La Jolla, California, Estados Unidos / Museo de Arte, Universidad de California, Berkeley, Estados Unidos / Galería Daniel Weinberg, Los Ángeles

1989 "Live in the dream", Edition Julie Sylvester, Nueva York / Galería Jablonka, Colonia, Alemania / "The beaver show", Beaver College Art Gallery, Spruance Art Center, Glenside, Estados Unidos / Galería Mario Diacono, Boston, Massachusetts, Estados Unidos / Galería Rhona Hoffman, Chicago / Galería Lawrence Olivier, Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos

1990 Galería Sonnabend, Nueva York / Galería Jablonka, Colonia, Alemania / Editions Ilene Kurtz, Nueva York / Galerías Waddington, Londres / Casino Knokke, Knokke-Heist, Bélgica / Jay Gorney Modern Art, Nueva York

1991 Galería Akira Ikeda, Tokio / Galería Mario Diacono, Boston, Massachusetts, Estados Unidos / Jay Gorney Modern Art, Nueva York

1992 "Œuvres récents", Galería Daniel Templon, París / Galería Jason Rubell, Palm Beach, Florida, Estados Unidos / Galería Jablonka, Colonia, Alemania / "Turkey", Galería Leo Castelli, Nueva York

1993 "Obras recientes", Centro Cultural Consolidado, Caracas

1994 "Turkey", Galería Daniel Templon, París

1995 "Propiedad privada", Espacio 204, Caracas / Galería Off-Shore, East Hampton, Nueva York, Estados Unidos

1996 "Verde por fuera, rojo por dentro (el closet de mis padres)", Galería 303, Nueva York

1999 Galería Jablonka, Colonia, Alemania / Galería Patrick Painter, Los Ángeles

2000 Gavin Brown's Enterprise, Nueva York / Galería Camargo Vilaça, São Paulo

2001 "Madres postizas", Galería Patrick Painter, Los Ángeles

2002 "Al-boroto", Casa de América, Madrid / Galería Estrany-De la Mota, Barcelona, España

3 Premios

1989 I Bienal Christian Dior, MACC

4 Colecciones

Colección Cisneros, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / MACCSI / MAO / MOMA / Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles / Museo de Arte Moderno, San Francisco, California, Estados Unidos / Museo de Israel, Jerusalén

5 Fuentes

- Auerbach, Ruth. "Meyer Vaisman". En: Estilo, 8, 30. Caracas, 1997.

- Cinap, V 106.

- Meyer Vaisman. Obras recientes (catálogo de exposición). Caracas: Centro Cultural Consolidado, 1993.

- Meyer Vaisman. Obras recientes (guía didáctica). Caracas: Centro Cultural Consolidado, 1993.

ENA

Valbuena

Lilia

n. Caracas, 17.9.1946

m. Caracas 12.4.2009

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Escultora y dibujante. Hija de Jaime Valbuena y Lilia Romero. Su abuelo, Hermes Romero Villalobos (Romis), fue arquitecto, dibujante, pintor y escultor natural de Maracaibo, miembro fundador de Círculo Artístico del Zulia. En 1966, Valbuena se inscribe en la Escuela Cristóbal Rojas y cursa artes aplicadas y decoración; estudia también allí dibujo, fotografía, escenografía, textiles, cerámica y otras disciplinas. Entre sus profesores se encontraban Pedro Briceño, Luis Guevara Moreno, Pedro León Zapata y Pedro Ángel González. Egresa de la Escuela en 1970 y empieza a trabajar en la agencia publicitaria Vepaco como dibujante de vallas; este trabajo representó una oportunidad para experimentar el dibujo a gran escala. En su tiempo libre realizaba cojines y manualidades. Valbuena había iniciado su investigación forrando las formas con tela de franela; posteriormente, cubrió los volúmenes con gasa y un material elástico. La gomaespuma, forrada en gasa y trabajada con pega y sellador, resultó ser un material con muchas posibilidades para generar formas humanas con pliegues y grandes curvas, que la artista llama "las gordas", características de su obra. En 1972 participa en el II Salón de Jóvenes Artistas (Casa de la Cultura, Maracay), con las obras Con la soledad en movimiento, Apenas un romance y Después de un gran amor, con la que obtiene el primer premio. Ese año deja de trabajar en Vepaco y es contratada por el INCE para realizar los dibujos de los proyectos para los cursos de artesanía de esta institución, labor que desarrolla hasta 1977. En 1973, su Figura en mí recibe el premio de escultura del I Salón de Arte Centro Plaza (Caracas). Ese año participa en el premio Ernesto Avellán (Sala Mendoza), donde envía un grupo de figuras inspiradas en Juan Vicente Gómez y sus hermanas, titulada Presencia de un tiempo, en las que combinó gomaespuma, pintura y mica. En 1975, con la escultura Alumbramiento, una figura en gomaespuma y una jaula de pájaros, obtiene una mención honorífica en el I Salón de la Joven Pintura (Galería Serra, Caracas). En 1978 participa en el I Encuentro Iberoamericano de Críticos y Artistas (Caracas).

En 1981 concurre a la XVI Bienal de São Paulo con dos esculturas: El puesto y Siempre me sucede lo mismo en octubre, en las que combinó la técnica de la gomaespuma con la superficie pictórica; sobre esta combinación, Roberto Guevara comenta: "Lilia Valbuena está propiciando el diálogo en dos medios: la pintura y la escultura. Sus trabajos están pasando de un ámbito al otro, o sugiriendo la implicación entre ambos. Al propio tiempo, la escultura también adopta variantes como el relieve; curioso, sorpresivo método para hacer sensible ese material tan neutro que usa, la gomaespuma, para que vaya mucho más allá de sus grandes, pero simplificados volúmenes de figuras gordas, al detalle de los retratos" (1981). A mediados de los ochenta comienza a trabajar la arcilla con Cándido Millán y realiza cuatro piezas de pequeño formato llevadas a bronce, con las cuales participó en la Bienal de Escultura (MBA, 1988). A finales de los ochenta, empieza a investigar el uso del alambre y el yeso para fundir en bronce con Alberto Guédez. En este proceso elabora grandes volúmenes con tramas y rejillas de alambre, siempre relacionados con las "gordas". Estas piezas, originalmente pensadas para ser fundidas en bronce, la condujeron a trabajar las estructuras solas, como esculturas acabadas que poseen la transparencia otorgada por la trama de alambre y el peso que sugiere el volumen. Así, a partir de 1999, su producción escultórica basada en los volúmenes de alambre, empieza a manifestarse como un resultado lógico de su evolución artística. Ha participado en exposiciones colectivas desde 1972, como el II Salón de Jóvenes Artistas (Casa de la Cultura, Maracay, 1972), "La escultura contemporánea en Venezuela" (Primer Encuentro Iberoamericano de Críticos y Artistas, Cancillería, Caracas, 1978), "La generación intermedia" (Centro Venezolano de Cultura, Embajada de Venezuela, Bogotá, 1981), "11 tipos" (Sala Mendoza, 1981), el Salón Nacional de Jóvenes Artistas (MACC, 1981), "Contemporary Trends in Venezuelan Art" (The Hort Institute of Fine Arts, New Castle, Pensilvania, Estados Unidos, 1982), "14 sua conta e risco" (XVI Bienal de São Paulo, 1982), "14 por su cuenta y riesgo" (MBA, 1982), "Los nuevos dibujantes en Venezuela" (Sala CANTV, 1982), la I Bienal Nacional de Dibujo y Grabado (GAN, 1982), "Autorretrato. El artista como objeto/sujeto del arte" (Espacio Alterno, GAN, 1983), la I Bienal Francisco Narváez (1983) y la Bienal de Escultura (MBA, 1988), entre otras. De esta artista, la GAN posee Y fue costumbre la vida… (carboncillo sobre tela adherida a visopán, 1983).

2 Premios

1972 Primer premio de adquisición, II Salón de Jóvenes Artistas, Casa de la Cultura, Maracay

1973 Primer premio de obra tridimensional, I Salón de Arte Centro Plaza, Caracas

1975 Mención honorífica, I Salón de la Joven Pintura, Galería Serra, Caracas

1979 Premio Julio Morales Lara, XXXVII Salón Arturo Michelena

1980 Premio UC, XXXVIII Salón Arturo Michelena

1981 Premio bolsa de trabajo, Salón Nacional de Jóvenes Artistas, MACC

3 Colecciones

BCV / GAN

4 Fuentes

- Archivo de la artista.

- Cinap, V 2.

- Guevara, Roberto. "Vaya tipo". En: El Nacional. Caracas, 15 de septiembre de 1981.

MGC

Valdez

Francisco

n. Caracas, 1877 (datos en estudio)

m. (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Entre 1896 y 1898 realizó estudios en la Academia de Bellas Artes, donde recibió clases de Emilio J. Mauri. Su trabajo comenzó a llamar la atención en 1898, a raíz del Concurso Semestral de la Academia, donde exhibe sus obras Una lavandera y Dos mujeres rezando; esta última ganadora del premio de pintura por unanimidad (El Tiempo, 15 de febrero de 1898; reproducida en El Cojo Ilustrado, 15 de marzo de 1898). En esa obra Valdez se acercaba al tema de los negros y sus costumbres mágico-religiosas. La prensa alabó ambos cuadros (El Tiempo, 16 de febrero de 1898), prefiriendo Una lavandera, que reprodujo El Cojo Ilustrado, tras la exposición de la Academia, el 1 de septiembre. En 1899, en el Premio de Arte de la Academia, su Cabeza de expresión recibió un accésit en escultura (El Tiempo, 8 de marzo de 1899). Aún en 1904 Valdez recibía clases de Ángel Cabré i Magrinyà (El Constitucional, 3 de marzo de 1904). Según Enrique Planchart, Arturo Michelena vio algunos de sus trabajos y lo alentó con sus consejos. De fines de siglo datan algunos bodegones que se conservan de su producción (Naturaleza muerta, colección GAN). Posteriormente realiza Miseria (colección GAN), que para Planchart es la obra donde mejor muestra Valdez su capacidad, destacando el dibujo sobre el colorido, el cual peca de "falta de vibración y de riqueza en los contrastes"; este tipo de pintura, inspirada en escenas que muestran la miseria, el dolor y el abandono y que busca suscitar la compasión sentimental en el espectador —tendencia muy en boga en esos años—, tuvo como uno de sus representantes principales en Venezuela a Cristóbal Rojas, autor de varios cuadros con tales temas. De acuerdo con los datos que aporta Mariano Picón Salas, Valdez era de origen humilde y "su vida fue dura y difícil", en lo que coincide con Planchart, quien afirma que quebrantó su vida por "el esfuerzo desarrollado en un medio poco propicio". Por ello no es de extrañar que en una nota aparecida en la revista La Alborada del 15 de marzo de 1909, se informe que el artista había abandonado la pintura para hacer carteles y frescos por encargo.

Sin embargo, Valdez realiza en la primera década del siglo un grupo de vistas de gran sugerencia, realizadas al aire libre, como su Paisaje de Caracas (1901), Caracas, vista desde El Calvario (1901), el Arco de la Federación (1905) y dos vistas de Caracas (1909, colección Residencia Presidencial La Casona, Caracas). Una de estas últimas consiste en una estatua sobre un pedestal seguida de planos de jardines con una montaña de fondo; la otra, unas ruinas en medio del campo, óleos de pequeño formato casi siempre sobre madera y que hacen señalar a Adolfo Wilson que "en lugar de emplear su motivo como pretexto para una exploración plástica personal, sujeto a su instrumental formativo, permanece también atado a la tradicional concepción de la pintura como arte de la representación de lo visual" (1991, p. 40), a pesar de lo cual son claros precedentes de la temática y tendencias que asumirá posteriormente el Círculo de Bellas Artes. "Después de Tovar y Tovar, en esta etapa, fue Valdez quien más se empeñó en recrear el paisaje capitalino" escribe Juan Carlos Palenzuela, quien afirma incluso que en algunos como el Paisaje de Caracas, "el dato real cede ante la visión pictórica" (2001, pp. 61-62). Así, en 1912, Valdez es llamado a figurar en la nómina de los miembros fundadores de la sección de pintura y escultura del Círculo de Bellas Artes (El Universal, 28 de agosto de 1912), dentro del cual, según Planchart, creó una modalidad especial: "Valdez se esfuerza en comprender e interpretar nuestro paisaje. Quizás sea el primero en quien se note la voluntad de tratarlo como tema que se basta a sí mismo. Los suyos son, por lo general, paisajes crepusculares donde frecuentemente los volúmenes aparecen casi en silueta, o dentro de una luz indecisa que da lugar a un colorido de escasa palpitación, sepias, pardos y tonos de tierras, y a un dibujo poco definido. Sin embargo, esta manera, que no exige ni esfuerzo de imaginación ni estudio riguroso de la naturaleza, constituyó en nuestra pintura algo como un género especial: el paisaje literario, el cual, a semejanza del paisaje histórico de la pintura europea, estaba dominado por una serie de cánones tan inverosímiles como respetados. No sólo algunos pintores, sino también ciertos escritores de nota se mostraron apasionados por esta clase de paisajes; pero en verdad, si a Valdez le tocó iniciarla, no fue él precisamente quien más elogios cosechó por ello" (1956 [1979, p. 47]). A pesar de esto, Valdez no es mencionado en las diferentes reseñas que se hicieron sobre los salones anuales del Círculo entre 1913 y 1915. En 1914 realizó su obra Camino (colección GAN). Escasas piezas conocidas de su producción han figurado en las siguientes exposiciones: "Exposición del paisaje venezolano" (MBA, 1942), donde exhibió cuatro obras; "Tres siglos de pintura venezolana" (MBA, 1948); "Guaraira Repano-La Gran Montaña" (GAN, 1978); "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" (GAN, 1980).

2 Premios

1898 Premio de pintura, Academia de Bellas Artes

3 Colecciones

GAN / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

4 Fuentes

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.

- Calzadilla, Juan. Obras singulares del arte en Venezuela. Bilbao: La Gran Enciclopedia Vasca, 1979.

- Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.

- Cinap, V 3.

- Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.

- Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.

- López Méndez, Luis Alfredo. El Círculo de Bellas Artes. Caracas: Inciba, 1969. Segunda edición en Caracas: Editora El Nacional, 1976.

- Nucete-Sardi, José. Notas sobre la pintura y escultura en Venezuela. Caracas: Ediciones González y González, 1957 (tercera edición). Primera edición en 1940.

- Palenzuela, Juan Carlos. Historia del arte en Venezuela 1839-1958. Caracas: BIV, 2001.

- Picón Salas, Mariano. Perspectiva de la pintura venezolana. Caracas: Secretaría General de la Décima Conferencia Interamericana, 1954.

- Planchart, Enrique. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979.

- Wilson, Adolfo y Carmen Julieta Centeno. Pintura venezolana en la colección de La Casona. Caracas: Colbert Consultores de Arte, 1991.

AS

Valencia

María

n. Quillota, Chile, 31.5.1905

m. Caracas, 20.3.1982

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Fuentes

1 Vida y obra

Artista textil y pintora. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Santiago de Chile. A comienzos de la década de los treinta realizó juguetes y tapices con los que participó en los salones de arte de su país. A mediados de 1934 viajó a Europa y prosiguió estudios de arte textil y juguetería en Kunstgewerbe Schuller, Charlotenburg, Berlín. A partir de 1936 se establece en Venezuela. Formó parte del equipo docente que propulsó las reformas de la Academia de Bellas Artes para transformarla en Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas y fundó su taller de artes textiles. Participó en el Salón Oficial (en las ediciones de 1941, 1943, 1950, 1952, 1953, 1957 y 1961), en la secciones de artes textiles y pintura. Su trabajo es figurativo y son frecuentes las escenas folklóricas, frutas, flores, pájaros, retratos de niños y escenas callejeras.

2 Exposiciones individuales

1942 CVA

1957 Sala Mendoza

3 Fuentes

- Cinap, V 4.

MACA

Valenzuela Silva

Santos

n. Quíbor, Edo. Lara, 1.11.1817

m. (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Muy joven se trasladó a El Tocuyo (Edo. Lara), protegido por el presbítero José R. Agüero. En esa ciudad, Valenzuela realizó estudios y siguió cursos de anatomía con José de la Cruz Limardo. Es el autor del San Agustín que estaba en el Templo de la Paz de Barquisimeto desde 1881, y se le adjudica la Virgen de la Guadalupe de la Catedral de Barquisimeto. Fue profesor de pintura en el Colegio San Agustín del padre Juan Pablo Wohnsiedler (Caracas, hacia 1877) y realizó obras en Mérida.

Fuentes

- Silva Uzcátegui, R.D. Enciclopedia larense. Caracas: Impresores Unidos, 1941.

AS

Valera

Nelson

n. Caracas, 8.7.1950

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor. Inicia su actividad expositiva en 1976 en la Galería Yakera, en la que exhibió sus móviles flotantes realizados en bambú. Ha participado en numerosas muestras colectivas, entre ellas, el XXXVIII, XL y XLI Salón Arturo Michelena (1980, 1982 y 1983), "El viaje inmerso" (MACC, 1984), III Salón de Jóvenes Artistas (MACC, 1985), "Esculturas 85" (Teatro Teresa Carreño, Caracas), I Salón de Arte Nacional, sección expresiones libres (GAN, 1988), "Transmutación de lo orgánico" (Museo de Arte La Rinconada, Caracas, 1988), V Edición del Premio Eugenio Mendoza (Sala Mendoza, 1990), "Convergencia 91" (Galería Minotauro, Caracas, 1991), "Convergencia 92" (Galería Minotauro, Caracas, 1992), "Inauguración de nuevos espacios" (Galería Minotauro, Caracas, 1995) y XVII Salón Anual de Arte Bijoux/Wiso (Comunidad Hebrea, Caracas, 1996). Nelson Valera se considera un artesano y trabaja esencialmente con materiales vegetales. Entre los elementos que más utiliza se encuentran la palma moriche, la palma chaguarama, el coco, el bambú, el carrizo, la madera de caoba, el yute, la arcilla y piedras. Su forma de utilizar la materia podría interpretarse como una focalización actualizada, orgánica y natural de las indagaciones constructivistas y tecnológicas realizadas por los artistas cinéticos durante las décadas anteriores. Su mirada podría interpretarse a la vez como una reacción ecológica, que proviene de la matriz de la naturaleza en contra de las altas tecnologías que provienen de la matriz de la industrialización.

2 Exposiciones individuales

1976 "Bambú, viento y música", Galería Yakera, Caracas

1979 "Bambú, viento y música", Galería Yakera, Caracas

1980 "Verdades efímeras", Librería Cruz del Sur, Caracas

1984 "Espacios aéreos", Facultad de Arquitectura y urbanismo, UCV

1992 "Piedras", Galería Minotauro, Caracas

1996 "Esculturas y papeles", Embajada de Venezuela, París

1997 "Esculturas y papeles", Galería Minotauro, Caracas

3 Premios

1979 Premio de escultura, Salón Nacional de Jóvenes Artistas, Sala CANTV

1995 Primer premio, Premio Puerto Andino, Avianca

4 Colecciones

Colección Cisneros, Caracas

5 Fuentes

- Entrevista al artista.

DJ

Valera

Víctor

n. Maracaibo, 17.2.1927

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor y pintor. En 1941 inicia sus estudios de arte en Maracaibo, y en 1945 se traslada a Caracas, donde se inscribe en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas (1948-1950), de donde es expulsado a raíz de las huelgas de estudiantes. A partir de 1950 se incorpora al Taller Libre de Arte de Caracas. En 1952, con una modesta beca, viaja a París, donde asiste al taller de Jean Dewasne y Victor Vasarely. Realiza pinturas abstractas y trabaja en el taller de Fernand Léger. Entra en contacto con Robert Jacobsen, quien lo anima a realizar obras tridimensionales en hierro, material que introduce en la escultura venezolana. Durante esta época investiga los problemas de la forma y el color en relación con el espacio virtual o real. A su regreso a Caracas (1954) trabaja obras figurativas con soldadura. Comienza sus investigaciones utilizando láminas de metal como si fuera tela que cortaba y recomponía. El resultado de esta etapa es Aroa (1957, colección GAN), Premio Nacional de Escultura del XIX Salón Oficial en 1958. Se incorpora al proyecto de integración de las artes concebido por Carlos Raúl Villanueva, en la Ciudad Universitaria de Caracas; a partir de aquí, la integración de arquitectura y plástica se constituirá en uno de los vértices principales en la indagación creativa de Valera. Todos los murales cerámicos existentes en los edificios de la Facultad de Humanidades y Educación de la UCV, con excepción de los ubicados en el interior del Instituto de Arte, fueron creados por Valera. En el edificio de la puerta sur, sobre las paredes del vestíbulo se encuentran dos murales: el de la izquierda semeja un gigantesco encerado de fondo negro sobre el cual infinidad de líneas blancas producen vibraciones ópticas; el otro, opone una acción contraria con su fondo blanco y líneas negras. Frente al auditorio, otras gráficas divididas por un pasillo, producen una acción dinámica que a su vez desarrolla otros centros radicales de líneas negras y amarillas. En el extremo este de la misma Facultad de Humanidades hay otros dos murales, uno junto a la rampa de acceso al piso superior y otro sobre la alargada pared que limita con el Instituto de Arte. La composición del primero se basa en la verticalidad de sus líneas en amarillo y blanco, mínimos recursos con los que se trata de concretar una fina armonía. Este mismo tema se repite en la pared de la rampa sur y en la Facultad de Derecho. El segundo mural consiste en dos planos compositivos adosados a la pared en forma horizontal, cuya gráfica de ángulos verticales crea un dinámico fuelle de colores. Valera continúa trabajando en hierro y elabora obras figurativas que representan una sucesión de imágenes multiformes entre sí y a la vez seriales. Las piezas están decapitadas o guardan posturas desgarradoras, son victimizadas o prisioneras, con una elaboración particular de sus morfologías, posturas, afeites y ropajes. En las obras de esta época se evidencia la repetición de la figura, de los perfiles y de las cabezas. En 1963 realiza una exposición individual en la Sala Mendoza y al año siguiente trabaja junto al escultor inglés Kenneth Armitage y un grupo de siete jóvenes escultores venezolanos —Harry Abend, Max Pedemonte, Fernando Irazábal, Carlos Prada, Gilberto Manrique, Édgar Guinand y Alejandro Henríquez— en un taller que duró tres meses y que al finalizar presentó la exposición "Kenneth Armitage y ocho escultores venezolanos" en el MBA. En 1966 forma parte del envío venezolano a la XXXIII Bienal de Venecia, en 1967 gana la IV Bienal Armando Reverón con Andrés y el balancín (colección GAN), y hacia 1969 trabaja con varillas tubulares con sentido de símbolos.

Una segunda etapa en la obra de este artista se extiende entre las décadas de los setenta y ochenta, durante la cual retoma la exploración de la luz, el neoplasticismo y el cinetismo. Valera realiza su serie de torres metálicas que llama Esquemas perforados, y la serie de las cajas (1972-1973). Existe un rigor geometrizante en estas obras pero sobre todo es de notar cómo cierta severidad formal geométrica cede ante las ondulaciones dadas por la planimetría y la volumetría, lo cual indica la compenetración lograda por su investigación en la arquitectura, así como la madurez obtenida en el trato con la materia escultórica. En este momento, el espectador adquiere un papel de mayor relevancia, pues Valera considera las posibilidades virtuales de ciertas realizaciones, en conjunto con la reflexión y difuminación de la luz, aunadas a la sensualidad de las nuevas formas y la monumentalidad de las dimensiones. En 1971 Valera ingresa como docente en la Escuela Cristóbal Rojas, y al año siguiente obtiene el primer premio en el XXX Salón Arturo Michelena. Entre sus trabajos integrados a las edificaciones, se cuentan la primera de las dos obras ubicadas en el IVIC (1972). Los Papeles perforados son otro elemento importante en las realizaciones de Valera durante los años ochenta, a los que llega por el manejo sensual y sutil de la técnica escultórica que no teme regresar a ciertas formulaciones bidimensionales: entre óvalos y asimetrías se observa la línea atravesada por la escuela constructivista, a través de las perforaciones se nota la obsesión por la luminosidad y la fascinación por la sombra. Para Víctor Guédez, los Papeles perforados "no representan una ruptura traumática con los términos sintácticos y semánticos de sus esculturas, sino más bien, una continuación signada por la coherencia de un discurso y por la autenticidad de una infraestructura afectiva" (1984). Las principales características de la obra realizada en la década de 1980 son el trabajo con agregados, que define el barroquismo de las nuevas piezas, la serialidad decantada, la policromía y sobre todo, la recuperación de la volumetría en piezas que juegan en un territorio fronterizo entre lo figurativo y lo abstracto, entre lo totémico y la ciencia ficción. Para María Elena Ramos, estos objetos parecen originarse en lecturas de Julio Verne; para Enrique Viloria, los objetos son atemporales pues no puede decidirse si son restos arcaicos, objetos arqueológicos, o pequeñas máquinas y artefactos del futuro. En todo caso, en 1985 el artista presenta en la GAN la exposición "Víctor Valera y el cometa Halley", en la que propone una visión desenfadada de los adelantos tecnológicos que circundan tanto la vida rutinaria como las estrellas y el espacio exterior. A pesar de las variaciones técnicas y formales que se introducen en su obra, la voluntad de construcción de sentido de una manera sintáctica y morfológica se mantiene inalterable, lo que se ha constituido en un código personal, en un lenguaje artístico inconfundible.

2 Exposiciones individuales

1961 "Pinturas y esculturas", CIV / CIV, Maracaibo

1963 Sala Mendoza

1965 "Retrospectiva de la obra pictórica", Ateneo de Caracas

1969 "Esculturas en Estudio Actual", Galería Estudio Actual, Caracas / Casa de la Cultura, Maracay

1973 "Relieves y esculturas", Galería Estudio Actual, Caracas / "Relieves y esculturas", Estudio II, Valencia, Edo. Carabobo / Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1974 Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá / "Relieves: 74", Galería Estudio Actual, Caracas

1975 "Víctor Valera", Galería Estudio Actual, Caracas

1980 "Papeles perforados", Galería Estudio Actual, Caracas

1981 "Esculturas", Galería Estudio Actual, Caracas

1982 "3 Esculturas: homenaje a los cantantes populares", GAN / Galería Estudio Actual, Caracas / Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo

1984 "Esculturas 1954-1984", MACC

1985 "Víctor Valera y el cometa Halley", GAN / "Retrospectiva de Víctor Valera", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Voces para leer", Sala Ipostel / "Voces para leer", Colegio de Abogados, Maracaibo / "Voces para leer", Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá

1986 Ateneo de Cumaná

1987 "Columnas excéntricas para demarcar un espacio americano", Galería Durban, Caracas

1988 "Víctor Valera. Steel Sculptur", Opus Art Studios, Miami, Florida, Estados Unidos

1989 "En el valle de los quetzales", Galería Sin Límite, San Cristóbal

1990 "Voces para leer", Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

1991 "Voces para leer", Mamja

1992 "Formas para tocar", MACCSI / "Textos del Chilam Balam", Galería Durban, Caracas

1994 "Papeles perforados y fotomontajes", Sala Anexa, Museo Francisco Narváez / "Papeles perforados y fotomontajes", MACMMA

1995 "Obras en pequeño formato", Galería 700, Maracaibo

1996 "En el valle de los quetzales", Galería Durban, Caracas

1997 "Esqueje al cuadrado, Víctor Valera, pequeño y mediano formato", Sala Alternativa, Caracas

1998 "Obras de 1993-1996", Sala de Exposiciones, Pdvsa, Caracas

2000 "El muro como soporte", MAO / "El muro como soporte", Maczul

2001 "Saurios negros, sin alusiones", Galería D'Museo, Caracas / "Víctor Valera. Papeles perforados", GAN

3 Premios

1955 Tercer premio de pintura, II Salón D'Empaire

1956 Primer premio de pintura, III Salón D'Empaire

1957 Primer premio, I Salón de Arte Abstracto, Caracas

1958 Premio Nacional de Escultura, XIX Salón Oficial

1962 Primer premio de escultura, II Salón Anual de la Casa de la Cultura, Maracay / Premio UC, XX Salón Arturo Michelena / Premio Julio Morales Lara, XX Salón Arturo Michelena

1964 Primer premio de escultura, I Salón de Jóvenes Artistas, MBA / Premio Ejecutivo del Estado Zulia, mención escultura, X Salón D'Empaire

1965 Segundo premio de escultura, concurso Pegaso, Mobil de Venezuela, Ateneo de Caracas

1967 Premio único, IV Bienal Armando Reverón, MBA / Premio a la mejor escenografía, III Festival de Teatro Venezolano, Caracas

1969 Premio Julio Morales Lara, XXVII Salón Arturo Michelena / Primer premio de escultura, XII Salón D'Empaire

1972 Premio Arturo Michelena, XXX Salón Arturo Michelena

1983 Primer premio, I Bienal Francisco Narváez

1984 Premio AICA, Capítulo Venezuela, categoría artista del año

1985 Premio AICA, Capítulo Venezuela, categoría artista del año

1986 Premio Juan Lovera, XLIV Salón Arturo Michelena

1996 Premio Pedro Ángel González, Gobernación del Distrito Federal, Caracas

1997 Premio de Escultura Maraven, El Menito, Edo. Zulia

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Central de Colombia, Bogotá / Banco Mercantil, Caracas / Concejo Municipal, Maracaibo / Fundación Noa Noa, Caracas / Fundación Polar, Caracas / GAN / Hotel Caracas Hilton, Caracas / Hotel Macuto Sheraton, Macuto, Edo. Vargas / Inavi / IVIC / LUZ / MACCSI / Mamja / Maraven, Caracas / MBA / Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo / Museo de Arte Moderno, Bogotá / Museo Francisco Narváez / Museo Soto / Nunciatura Apostólica, Caracas / Parque de la Nacionalidad, Maracaibo / Parque del Este Rómulo Betancourt, Caracas / Paseo de las Ciencias, Maracaibo / Teatro Bellas Artes, Maracaibo / UCV / Unión Panamericana, Washington / Urbanización 23 de Enero, Caracas / Urbanización Simón Rodríguez, Caracas

5 Fuentes

- Cinap, V 5.

- Guédez, Víctor. "Las connotaciones heurísticas, simbólicas y líricas de los Papeles perforados". En: Víctor Valera. Esculturas 1954-1984 (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1984.

- Rodríguez, Bélgica. Breve historia de la escultura contemporánea en Venezuela. Caracas: Fundarte, 1979.

- Víctor Valera. Esculturas 1954-1984 (catálogo de exposición). Caracas: MACC, 1984.

HC

Valero

Fernando

n. Sevilla, España, 9.7.1889

m. París, 1978 (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones

1 Vida y obra

Escultor. Hacia los años cuarenta se residencia en Venezuela. En 1946 participa en el VII Salón Oficial y obtiene el Premio Oficial de Escultura con un conjunto de retratos femeninos en yeso patinado, entre ellos Retrato de la señorita Mercedes Machado. Continúa participando en el Salón Oficial en los años 1947 (Retrato de la señorita E. Wallis y Cabeza de mujer, ambas en yeso patinado), 1949, 1954, 1957 (Cristina Capriles y Margarita Carbonell, ambas en yeso patinado) y 1958 (Busto, en madera). En 1959 una de sus esculturas fue exhibida en "Veinte años del Salón a través de sus premios" (MBA). En 1960 regresa a Europa y se establece en París hasta la fecha de su muerte. En 1981 figuró en la retrospectiva "Los Premios Nacionales" (GAN). La GAN posee en su colección Retrato de la señorita Mercedes Machado (vaciado en bronce patinado, 1981).

2 Premios

1946 Premio Oficial de Escultura, VII Salón Oficial

3 Colecciones

GAN

ENA

Valero

Salvador

n. El Colorado, Edo. Trujillo, 10.3.1903

m. Valera, Edo. Trujillo, 22.5.1976

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Eleuterio Valero y María del Rosario Corredor. Aprende las primeras letras tardíamente con el maestro Ignacio Carrasquero, en Escuque (Edo. Trujillo). En estos años realiza sus primeras pinturas con preparados que hace a base de goma y anilinas; de 1919 datan sus primeras obras, sobre papel y cartón. En 1922 trata de pintar un cuadro del generalísimo Francisco de Miranda y realiza algunos bocetos. Para esa época le regalan Venezuela heroica de Eduardo Blanco, que influye notoriamente en la temática de corte histórico que tienen sus primeros dibujos. Hacia 1923, el padre Escolástico Duque, cura párroco de Escuque, le obsequia tubos de óleo que lo inician en la técnica. Entre 1924 y 1934 ejerce diferentes oficios: ayuda al pintor Guillermo Montilla de Monte Carmelo en la decoración de la Casa de Gobierno de Escuque; luego se hace diestro en el uso del óleo junto al maestro Ángel María Cuevas, encargado de las pinturas del templo del pueblo. Posteriormente, como él mismo afirmó, "después que pinté con los maestros aludidos, fui pintor de brocha gorda en el pueblo, este trabajo lo hacía yendo todos los días del campo para el pueblo y, pasando un tiempo, aprendí a restaurar figuras e imágenes de yeso y madera, este oficio lo aprendí de un señor que se llamaba Pedro Colmenares, y aclaro que ejercí esta profesión por muchos años". En 1934 se traslada con su familia a Valera (Edo. Trujillo) y se inicia como aprendiz de tipógrafo, primero en el taller de Ángel Sánchez y posteriormente en el taller de Valeriano Diez, en donde además de aprender técnicas fotográficas realizó sus primeros grabados en linóleo para el semanario El Anunciador. Durante los años treinta frecuentó la librería de Ovidio J. Arandia y conoce a intelectuales y artistas asiduos al lugar. Paralelamente a todas sus actividades continúa desarrollando su pintura.

En 1950 conoce al pintor Renzo Vestrini y al poeta y artista plástico Carlos Contramaestre. En 1951 participa por primera vez, con dos cuadros, en una exposición junto a Renzo Vestrini, Marcos Miliani y Carlos Contramaestre, entre otros. En 1953 se vincula con otros sectores de la vanguardia intelectual, muchos de los cuales formaron los grupos Sardio, El Techo de la Ballena y Tabla Redonda. En 1955 realiza su primera exposición individual en el Ateneo de Valera, con 66 obras realizadas entre 1935 y 1955. Asimismo, es invitado a exponer en la Galería Mare Mare (Caracas). Entre 1956 y 1960 se ubica una de las etapas más significativas del expresionismo de Valero: comienza a utilizar el coleto preparado y pinta cuadros de concepción muralística, tanto por la monumentalidad del tema como por las dimensiones del formato, envolviendo los motivos casi siempre en una atmósfera ocre o sepia. De este período data La mudanza del encanto (1957), donde desarrolla el mundo de leyendas regionales asociadas al ruido del agua en las crecientes de los ríos. En 1958, en la UCV, por mediación de Rodolfo Izaguirre y Féliz Guzmán, presenta una exposición de sus obras en el sótano principal del Aula Magna y expone, auspiciado por Juan Calzadilla, en la ULA. En 1959 presenta obras en la Galería Norte-Sur (Caracas) y un año después en el Centro de Bellas Artes de Maracaibo. En 1965, a través de Oswaldo Vigas (entonces director de Cultura de la ULA), realiza una exposición en Mérida con 49 obras del período 1951-1965. La formación autodidacta de este artista no se limitó al campo de la pintura: llegó a manejar un amplio y diversificado panorama de intereses que iban desde el enfoque humorístico de motivos locales hasta la defensa de la identidad nacional, la escritura de cuentos y poesía (compilados en 1982 por Carlos Contramaestre) y la condena de los holocaustos nucleares, como se refleja en su obra Hiroshima (1971). En 1974 se presentan ocho obras de Salvador Valero en una exposición colectiva de pintura latinoamericana realizada en Ginebra (Suiza).

En la pintura de Valero está presente la reiteración de figuras campesinas resueltas con trazos breves mediante un diseño esquemático, la expresión de los rostros, invariable de un cuadro a otro, las poses rígidas y arcaizadas, y la ubicación geométrica de los personajes; los trajes anacrónicos son rasgos simbólicos no desprovistos de humor, que presentan en cada obra el sentido de una escritura, y que en su conjunto son rasgos que parecieran chocar con el gusto moderno por lo decorativo. No obstante, como afirmó Juan Calzadilla en un ensayo sobre Valero, "cuando vemos en detalle alguno de sus cuadros nos olvidamos de la dureza intencional del dibujo para reparar en la humanidad delicada y meticulosa de esas figuras humildes convertidas en prototipos, de una obra a otra […]. Se trata de figuras ideadas que representan para Valero tierna espiritualidad con los caracteres duros y expresivos de una tierra que se manifiesta en la pintura misma" (1972, pp. 175-176). En su obra se han distinguido tres etapas: la de "los falsarios", o "remedos para engañar incautos" (imitaciones de pintura popular colonial); "cuadros de cavernas" (donde buscó la unión del arte de las carvernas con el informalismo a través de superficies texturadas) y "los azarinos" (manchas de colores donde se sugerían imágenes cambiantes). A finales de 1976, meses después de su muerte, se inaugura oficialmente el Musaval, creado por la ULA, con una exposición del artista. La misma fue llevada posteriormente a Caracas y exhibida en el MBA como homenaje póstumo. Este mismo año, la Asamblea Legislativa del Estado Trujillo acordó crear la orden Salvador Valero para las personas que destacaran en actividades culturales, artísticas, científicas o deportivas de ese estado. En 1978, dos de sus obras fueron expuestas en "Pobladores de la imaginación cotidiana" (Sala Cadafe). En 1981, el Musaval editó un libro del artista con textos de Carlos Contramaestre y, en 1986, la ULA creó la I Bienal Salvador Valero. En 1991, el Museo de Petare presentó una muestra de pinturas del artista y la GAN exhibió una de sus facetas menos conocida: su labor fotográfica, en "Vecindario fotográfico de Salvador Valero", donde se reunió una multitud de rostros anónimos, "figuras hieráticas rodeadas de un halo de misterio, marcadas por el paso del tiempo, que siempre otorga a las fotografías algo que en un principio no tenían. Aunque no es la obra de un fotógrafo profesional, hay algo en estas imágenes, en este "Vecindario fotográfico", que nos seduce por su poder de encantamiento, por las composiciones mismas, por la extraña combinación de objetos y personajes dispuestos para la mirada, para la de él como fotógrafo, y para la nuestra, entre la extrañeza y el asombro" (1991). La GAN posee en su colección un significativo número de fotografías y tres pinturas de las cuales dos son autorretratos del artista.

2 Exposiciones individuales

1955 AVP, Trujillo

1955 Galería Mare Mare, Caracas

1958 Sótano del Aula Magna, UCV / Departamento de Extensión Cultural, ULA

1959 Galería Norte-Sur, Caracas

1960 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1965 Departamento de Extensión Cultural, ULA

1968 Galería Ángel Boscán

1971 Ateneo de Valera, Edo. Trujillo

3 Exposiciones póstumas

1976 MBA / Musaval

1978 Ateneo de Escuque, Edo. Trujillo

1991 Museo de Petare / "Vecindario fotográfico", GAN

4 Colecciones

Ateneo de Valera, Edo. Trujillo / GAN / Institución Escuqueña, Escuque, Edo. Trujillo / Mamja / Musaval / Museo de Petare / ULA

5 Fuentes

- Calzadilla, Juan. "La obra del artista ingenuo Salvador Valero". En: Revista Nacional de Cultura, 202. Caracas, enero de 1972, pp. 175-176.

- Cinap, V 8.

- Salazar, Élida. Salvador Valero. Cronología. Caracas, 1990 (mimeografiado).

- Vecindario fotográfico de Salvador Valero (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1991.

ENA

Vall

Jorge

n. Camagüey, Cuba, 26.3.1949

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo de Antonio Vall Tost y Josefa Águila Costa. Realiza estudios primarios en Atascadero y en San Luis Obispo (California, Estados Unidos). En 1967 viaja a Santiago de Chile, donde estudia en la Escuela Técnica Industrial y trabaja como asistente de Linford Carrasana, fotógrafo industrial. Desde ese año, se interesa en las tendencias cultivadas por Eugene Smith y Edward Weston. En 1968 realiza un taller de verano con Ansel Adams en Monterey (California, Estados Unidos). Viaja a Venezuela y se radica en Caracas, donde empieza a trabajar en el Inciba, junto a Luis Brito; durante un año trabaja en el laboratorio y, posteriormente, toma fotografías para las publicaciones de esta institución, entre ellas, Escena. Fue profesor del Instituto Neumann y de la Escuela Cristóbal Rojas. En 1983 funda, junto a otros fotógrafos, el Consejo Venezolano de la Fotografía. Entre 1988 y 1994 trabaja para las empresas Maraven, Corpoven, Palmaven, Pdvsa y CANTV, entre otras. En 1994 se radica en La Asunción, donde trabaja para empresas como la CANTV y cubre eventos como la Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado realizada en 1997, entre otros. Jorge Vall ha registrado imágenes de la cotidianidad urbana; para Fernando Rodríguez, una de sus virtudes es la capacidad de poner en evidencia factores torturantes y esclavizantes del mundo moderno: "la cámara de Jorge Vall apunta hacia los zapatos de las damas. Y allí, a ras de suelo, descubre complicadas interrelaciones de nuestro ser social: una señora que usa medias de lana en clima tropical […]; otra masacra sus dedos en medio de un ajustado correaje de resonancia sado-masoquista […]; todas andan por esas aceras de Dios en vilo, en traumática danza, en penitencia autoimpuesta" (1979). Su trabajo, de corte ideológico, se sustenta en la función comunicativa de la imagen; desde este punto de vista, la cotidianidad puede ser una fuente inagotable. Ha participado en exposiciones colectivas como "Mamita tápame que tengo frío" (Ateneo de Caracas, 1973), "A gozar la realidad" (Casa de la Cultura, Barcelona, Edo. Anzoátegui, 1976), "Octubre libre" (La Fototeca, Caracas, 1978), "Letreros que se ven" (Galería La Trinchera, Caracas, 1979), en la Galería Foto Contemporánea (Bogotá, 1980), en el Coloquio Latinoamericano de Fotografía (México, 1981), "Los venezolanos" (The Photographers Gallery, Londres, 1982) y "Nos Américas" (Consulado de Venezuela, Nueva York, 1983). Sus fotografías han sido publicadas en los libros Comarca al mar (Caracas: Corporación de Turismo de Venezuela, 1978) y Letreros que se ven (Caracas: Ateneo de Caracas, 1979).

2 Exposiciones individuales

1979 "Los zapaticos me aprietan", Consejo Venezolano de la Fotografía, Caracas

3 Premios

1978 Primer premio, Salón Nacional de la Fotografía, Maracaibo

4 Colecciones

BN / Centro Georges Pompidou / Fundación Noa Noa, Caracas / MACCSI

5 Fuentes

- Archivo del artista.

- Cinap, V 49.

- Rodríguez, Fernando. Los zapaticos me aprietan (catálogo de exposición). Caracas: Consejo Venezolano de la Fotografía, 1979.

MGC

Vallmitjana

[i Vallés], Abel

n. Barcelona, España, 11.2.1910

m. Arezzo, Italia, 21.2.1974

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor, escultor, grabador, musicólogo y profesor. Hijo del novelista y dramaturgo Julio Vallmitjana y Ana María Vallés. En 1924 ingresa a la Escola d'Arts i Oficis de Barcelona, en la que estudia por dos años. Su primer maestro fue el pintor Ricard Canals. Luego viaja a París a proseguir sus estudios en la École Boule y en la Escuela Superior de Artes Decorativas. A su regreso a Barcelona será discípulo de Francesc Galí, junto con Joan Miró, el arquitecto Puig Gairal y el ceramista Artigas. Realiza cursos especiales de esmalte, hierro forjado, escultura y talla en madera. En 1927 funda con Joan Prats, Josen Lleus Sert, Ramón Marinello, Jaime Sans y Robert Gerhard, entre otros, el grupo Adlan de vanguardistas catalanes. Ese mismo año ingresa como profesor de dibujo al Instituto Blanquerna, en Barcelona, donde desarrolla una intensa labor en el campo de la orfebrería y el arte sacro. En 1935 forma parte del comité organizador del I Salón de Artistas Independientes de Barcelona. En febrero de 1938, a causa de la Guerra Civil Española, se ve obligado a emigrar a Venezuela. A su llegada comienza a colaborar en las páginas de arte de El Universal. Un año después se integra al grupo literario Viernes y forma parte de los profesores fundadores de la Escuela Experimental Venezuela (Caracas). Hacia 1945 retoma el oficio artístico. En la obra desarrollada a partir de esta nueva etapa se encuentra alejado del surrealismo de sus años juveniles, mostrando un mayor interés por el tema del hombre, el paisaje y las tradiciones venezolanas. En 1946 inicia su labor como musicólogo y folclorista en nuestro país: es nombrado asesor musical del Servicio de Investigaciones Folclóricas Nacionales, cuyo director fundador fue el escritor Juan Liscano. Con el tiempo Vallmitjana será nombrado subdirector del instituto. Junto a Liscano organiza La Fiesta de la Tradición, gran festival folclórico de carácter nacional celebrado entre el 17 y el 21 de febrero de 1948 con motivo de la toma de posesión del presidente Rómulo Gallegos. Asimismo, realiza un trabajo de investigación con Francisco Carreño sobre los orígenes del maremare, publicado en la Revista de Folklore, y una recolección de canciones infantiles editada con el título 30 cantos del Oriente venezolano. En 1949 es nombrado, junto al musicólogo Juan Bautista Plaza, profesor de apreciación musical del IUPC. Ese año realiza su primera muestra individual en la Galería Drouant-David de París. Si bien la obra del artista catalán llamó la atención de críticos como Juan Liscano, desde París, Alejandro Otero comentó en la revista Los Disidentes: "su pintura la conocemos y no vemos en qué pueda esto interesar a la verdadera pintura" (1993, p. 67). De 1953 a 1957 se desempeña como profesor de escultura y director del Departamento de Cultura de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, y organiza varias exposiciones. Asimismo coordina algunas otras exposiciones al margen del Departamento de Cultura. En 1957 efectúa un viaje de siete meses a Europa, principalmente a Italia, donde recorre la ruta de san Francisco de Asís, lo cual inclinará la obra de esos años hacia la temática religiosa, como en su obra Figuras (1957, colección Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui). De igual manera, la observación del arte prerrenacentista italiano lo influenciará en el desarrollo de la técnica de la pintura al fresco, que trabaja con la técnica de fresco de caballate, es decir, la técnica del mural aplicada a pequeños frescos transportables, con la que realizará la obra Mediterránea (1964, colección GAN). En 1958 realiza en piedra Figura alegórica para el Panteón Sanabria (Cementerio General del Sur, Caracas), y se residencia en Arezzo (Italia).

Desde la ciudad toscana Vallmitjana inicia innumerables actividades y relaciones: organiza el Premio de Pintura Kilo de Oro (1959); viaja a París, Londres, Caracas y se detiene en Cadaqués (España); realiza la exposición "Chagall-Vallmitjana" en la Galería O'Hana de Londres (1959), y organiza el Festival Folclórico Popular para la Asociación Pro-Venezuela, en Caracas (1960). En 1961 obtiene el Premio Nacional de Escultura por Mediterráneas. Los años entre 1960 y 1965 son de gran actividad artística e intelectual, que lo llevan a mantener relación con grandes personalidades vinculadas al mundo literario. En 1966 es invitado a participar en la exposición colectiva "100 anys de joieria i orfebreria catalana", en el Colegio de Arquitectos de Barcelona (España). En 1967 se efectúa la primera exposición del grupo intrarrealista, del cual fue uno de los fundadores, en el Palazzo Strozzi de Florencia (Italia); en esa ocasión presentó un conjunto de obras inspiradas "en el ambiente y el clima psicológico y social hispano". En 1969 organiza el Museo de Escultura Miguel Ángel en Caprese (Italia). Entre 1970 y 1971 se traslada a Barcelona para preparar y organizar una exposición antológica de su obra, la cual se efectúa a finales de ese último año. Posteriormente permanece largas temporadas en Cadaqués, realizando una serie de obras pictóricas con elementos de la retórica surrealista como La casa del perseguido (1972) o La caja de la señorita Eugenia Simont (1973). Durante sus últimos años de vida, Vallmitjana se dedica a crear y poner en marcha el Museo Didáctico de Arte Moderno en la Biblioteca de Arezzo, que alcanza a inaugurar antes de su fallecimiento.

Poco después de su muerte, la Sala Mendoza reunió en una exposición un importante conjunto de su obra. En un espacio público de Arezzo se perpetúa su memoria con su escultura en bronce La hermana y la herida, que fue donada a la ciudad por su esposa Clarisa de Vallmitjana. Su labor como divulgador de temas culturales de diversas índoles fue extensa: dictó cursos y conferencias sobre historia del arte, pintura popular, música folclórica, literatura y pintura española en diferentes institutos docentes y centros culturales de Caracas. Asimismo realizó varios documentales sobre Los caprichos de Goya, sobre el impresionismo (en colaboración con Silvano Mercaroni, con el que obtuvo el primer premio de films didácticos en Montecatini, Italia, 1966), Vida de Jesús a través de la pintura y Nacimiento y muerte (estos dos últimos adquiridos por la BBC de Londres). Vallmitjana también ilustró los libros Doce ellas (con textos de Rafael Alberti, 1961), La mappe monde et le pape monde (de Salvador de Madariaga; Editions d'Art Jacques O'Hana, 1969), Luis Góngora (serigrafía; Turín: Fagola Editore, 1971), Fábula del poeta y la hormiguita (caligrafías de Rafael Alberti y dibujos de Vallmitjana, 1971), Genesi di un celo (aguafuertes del artista, 1972) y Nascita di un paese meditarraneo (aguafuertes, 1973). Vallmitjana participó en el movimiento de integración de las artes ejecutando obras públicas para parques, jardines y edificios, entre las cuales se pueden mencionar los frescos del Colegio de Médicos del Distrito Federal (Caracas, 1951), el mural de cerámica ubicado en la planta de la EDC en Arrecife (Edo. Vargas, 1953), el mural de mosaico y bronce para el CSB (Caracas, 1953), el monumento de Simón Bolívar (escultura de hierro, San Diego de Los Altos, Edo. Miranda, 1956), el mural en mosaico, cemento y metal (Hotel Humboldt, Parque Nacional El Ávila, Caracas, 1957), el monumento a Simón Bolívar (Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, 1960), el mural para el Edificio Shell (Cararas, 1960) y el monumento a Andrés Eloy Blanco (esquina de Santa Capilla, Caracas, 1969). "Vallmitjana fue ante todo un artista pensador. Cuando vivía en Arezzo (Italia) llegó a compenetrarse con algo que vio en Piero della Francesca, en Masaccio, en Paolo Uccello y en Fra Angélico. Su poder técnico, escribió de ellos, nunca fue un fin en sí mismo, sino que era 'su manera de expresar una idea'. Completamente contrario a la 'caligrafía abstracta', insistió en que 'una mano sigue siendo un punto de partida y no un fin'. Sin embargo, en su última obra, el vocabulario expresivo es firme y confidentemente limitado, despoblado y carente de una variedad libre de objetos naturales; es decir, sin imágenes capaces de transmitir profusión de significados. Volvió a los elementos más permanentes, menos dramáticos y autoexpresivos de su tierra natal" (Quinton, 1974, s.p.).

2 Exposiciones individuales

1949 Galería Drouant-David, París

1950 CVA

1953 Galería Henri Tronche, París

1957 Galería Minima, Arezzo, Italia / "Ultraje del linaje humano", Sala Mendoza

1958 Galería Vigna Nuova, Florencia, Italia / Museo Municipal, Los Ángeles

1959 Galería Motte, Ginebra, Suiza / Sala Mendoza

1960 Galería Guido Monaco, Arezzo, Italia

1961 "Doce ellas", Galería L'Incontro, Arezzo, Italia

1962 "La mujer mediterránea", Galería O'Hana, Londres

1963 "Recent Frescoes", Galería O'Hana, Londres

1964 "La mujer mediterránea", Sala Mendoza

1965 "Imágenes de la España alucinada y alucinante", Galería O'Hana, Londres

1966 Círculo Artístico, Arezzo, Italia

1968 Galería Dantesca, Turín, Italia

1969 Sala Mendoza

1971 Galería Adriá, Barcelona, España

1974 Círculo Artístico, Arezzo, Italia

3 Exposiciones póstumas

1974 Sala Mendoza

1975 Galería Durban, Caracas

1984 Galería Vasari, Arezzo, Italia

1994 Club UNESCO, Palacio Municipal y Biblioteca, Arezzo, Italia

4 Premios

1958 Primer premio de pintura, Pennello d'Oro, Concurso Nacional de Acitrezza, Sicilia, Italia

1961 Premio Nacional de Escultura, XXII Salón Oficial

1968 Medalla de plata, "Segunda exposición nacional de la gráfica Italia blanco y negro", Italia

5 Colecciones

Academia de Arte, Montecatini, Italia / Cementerio General del Sur, Caracas / Galería Nacional, Dublín / GAN / Museo de Aberdeen, Inglaterra / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo de Arte Moderno, Barcelona, España / Museo de Leeds, Inglaterra / Museo de Los Ángeles / Museo de Manchester, Inglaterra / Museo de Southampton, Inglaterra / Museo de Tel Aviv, Israel

6 Fuentes

- Archivo MBA.

- Broggi i Trías, Gloria. "Abel Vallmitjana. Un artista-humanista barceloní, cosmopolita i polifacétic" (texto inédito).

- Centro Documental, Sala Mendoza.

- Cinap, V 9.

- Otero, Alejandro. Memoria crítica. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1993.

- Quinton, Anthony. "Las últimas obras". En: Abel Vallmitjana (catálogo de exposición). Caracas: Fundación Mendoza, 1974.

- Veinticinco años de premios nacionales y el desarrollo del arte contemporáneo en Venezuela 1961-1986. Caracas: Armitano, 1987.

CMB

Van Dalen

Patricia

n. Maracaibo, 3.8.1955

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora. Hija de Jean van Dalen y Laura García. Inscrita dentro del arte abstracto, gran parte de su trabajo se relaciona sin embargo con universos reconocibles. En 1977 concluye sus estudios en el Instituto Neumann de Caracas. Se dedica a la docencia en el Instituto Universitario de Tecnología Antonio José de Sucre, en técnicas de presentación de diseño industrial (1979). Entre 1979 y 1980 trabaja como diseñadora gráfica para programas educativos audiovisuales en la UNA y, entre 1980 y 1986, trabaja en París con Yaacov Agam, en la concepción y realización de 36 libros sobre el método Agam de educación visual dirigidos al nivel preescolar. De 1983 a 1986 coordina el proyecto Educación Visual Método Agam en Venezuela, a través del ME, en Caracas y Barquisimeto. Fue profesora de color de primero y segundo año de diseño gráfico en el Instituto Neumann (1984-1986). Desde 1987 reside y trabaja en Caracas. Ha participado en importantes salones y muestras colectivas desde 1978, entre las cuales pueden contarse el II y III Salón Nacional de Jóvenes Artistas (1983 y 1985); el XLII, XLVII, XLIX y L Salón Arturo Michelena (1984, 1989, 1991 y 1992); la I, II, III, IV y V Bienal de Guayana (1987, 1989, 1991, 1994 y 1997); "Grandes et jeunes d'aujourd'hui" (Grand Palais, París, 1986 y 1987); "Novos valores da arte latino-americana" (II Festival Latinoamericano de Arte y Cultura, Brasilia, 1989); el XXIV y XXVI Salón Aragua (MACMMA, 1999 y 2001); la II, III y IV Bienal Barro de América Roberto Guevara (Caracas, 1995; Caracas y São Paulo, 1998, y Maracaibo, 2001), y la Bienal Estandartes de Tijuana 2000 (Tijuana, México, 2000). Igualmente participa en diferentes ferias internacionales de arte. Entre 1995 y 1996 trabaja como profesora en el Taller Experimental de Artes Plásticas de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV. Fue presidenta-fundadora de Autorarte, entidad de gestión colectiva de derechos de autor de artistas visuales (1999-2001).

Hanni Ossott ha recogido la significación plástica de Van Dalen en los siguientes términos: "la abstracción permite viajes interiores hacia resonancias arcaicas o primitivas. Sugerencias visuales, pero no conceptos ni mensajes, encontramos en su obra y cada cuadro se nos presenta siempre nuevo, distinto, otro. Imágenes, formas y color no se agotan" (1987, s.p.). A mediados de los años ochenta, trabaja con colores primarios que superpone, "formas que adelanten o atrasen, que salten e irrumpan, que determinen zonas de fuerza a pesar de su fluidez", según María Elena Ramos (1988, p. 18). A partir de los años noventa, incluye en sus pinturas fragmentos de papeles, como en Pirámides (1991, colección MACCSI). Roberto Guevara, al referirse a estos trabajos expresaba que "después de sus vibrantes collages de papeles encendidos de acrílicos, era presumible una necesidad de transcribir sobre el lienzo los gestos agolpados, tratando de restablecer los misterios del reino de la pintura, con sus reglas originales. Ahora cuando sus obras recientes vuelven a recibir los embates del collage pintado, el gesto se asume no para reiterar, sino para ir más allá. Patricia van Dalen ha sido una abanderada solitaria dentro de este fogoso campo de los colores de máximo impacto. Su obra persigue consolidar el lenguaje y, en contraposición, desdoblarlo una y otra vez. Los colores primarios constituyen dentro de este lenguaje una suerte de alfabeto sustancial, que la artista sabe manejar mejor que nadie y descubrir todavía la sabiduría de su fuerza elemental" (1992, s.p.). En 1997, Víctor Guédez escribe que "la obra reciente de Patricia van Dalen replantea una curiosa convivencia entre las dos tendencias básicas del arte abstracto […]. En Efecto, una revisión retrospectiva de su obra nos pone en contacto con una dinámica pendular, en donde se alternan etapas de fuerte acento expresivo, cósmico y espiritual, con otras en donde predomina una inquietud orgánica y compositiva […]" (1997, s.p.). En 1990 participó en la colectiva "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela (GAN) y "Nueva pintura abstracta. Ocho planteamientos" (itinerante por el Museo Soto, el Museo Francisco Narváez y la Sala RG). Con una producción esencialmente pictórica, la artista también ha ejecutado intervenciones del espacio e instalaciones de envergadura, así como obras y proyectos vinculados a la arquitectura. La GAN posee de Patricia van Dalen una obra de gran formato (108 x 193 cm), Rosa flamboyanes: el fuego y el agua (acrílico sobre papel entelado, 1987).

2 Exposiciones individuales

1985 "Pinturas y dibujos", Galería Minotauro, Caracas

1987 "Pinturas y dibujos", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Pinturas y collages", Galería Siete Siete, Caracas

1988 "Pinturas", Alianza Francesa, Caracas

1990 Sala RG

1992 "Huracán", Galería Uno, Caracas

1993 "Primavera", Sala Mendoza

1994 "Primavera II", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1995 "Obras recientes", Galería Altamira, Caracas

1996 "Collages", Librería Monte Ávila Editores Latinoamericana, Complejo Cultural Teresa Carreño, Caracas

1997 "Casa/jardín/ventanas", Biblioteca Central, USB

1998 "Adviento", Fundación Shell de Venezuela, Caracas

1999 "Espirales", Galería 39, El Hatillo, Edo. Miranda / "Espiral II", MBA / "Del cosmos al jardín", Museo de los Niños, Caracas

3 Premios

1989 Premio Luis Eduardo Chávez, XLVII Salón Arturo Michelena / Mención de honor, II Bienal de Guayana

1990 Mención de honor, Salón de Pintura 50º Aniversario BCV

1991 Segundo premio, II Bienal Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas

1992 Primer premio, sección bidimensional, I Salón Nacional de Artes Visuales, MAVAO

2001 Premio único, concurso de ideas para la Galería Mural de la autopista de Prados del Este, Caracas

4 Colecciones

Banco Mercantil, Caracas / CAMLB / Casa Christian Dior, París / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / MACCSI / Maczul / MBA / Museo de Ciudad Bolívar

5 Fuentes

- Guédez, Víctor. Cosecha 97 (catálogo de exposición). Caracas: Grupo Li Centro de Arte, 1997.

- Guevara, Roberto. "Huracanes y pirámides". En: Huracán (catálogo de exposición). Caracas: Galería Uno, 1992.

- Ossott, Hanni. "Patricia van Dalen: entre el fervor del color". En: Pinturas y collages (catálogo de exposición). Maracaibo: CAMLB, 1987.

- Ramos, María Elena. "La imaginación de la transparencia". En: La imaginación de la transparencia (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1988.

- Ramos, María Elena. Pistas para quedar mirando. Fragmentos sobre arte. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1991.

LD

Van Lansberge

Henrique

n. Bogotá, h. 1829

m. Coro, 1854 (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Dibujante y editor. Hijo de Reinhardt Eranz van Lansberge, cónsul de Holanda en Bogotá, y Victoria Rodríguez Escobar, hija del coronel José Ignacio Rodríguez, militar patriota partidario de Simón Bolívar. En enero de 1841, Reinhardt van Lansberge llega a Caracas con su familia como encargado de negocios, cargo que ocupa hasta fines de 1855. Años más tarde regresa a Holanda y, en 1857, lo nombran gobernador de las Indias Orientales. En 1853, su hijo publica en Caracas la obra Venezuela pintoresca o Vistas de las principales ciudades, pueblos, ríos, lagos y montes de la República de Venezuela (Caracas: Imprenta de Carreño Hermanos), con ilustraciones suyas litografiadas por Adolfo Weykopf. Al público se le ofrecía "por entregas de cuatro vistas y diez y seis páginas de texto con doce viñetas, a seis reales la entrega" (Diario de Avisos, 7 de enero de 1854). Venezuela pintoresca contenía, en un total de 33 páginas, 23 grabados, 7 de ellos a página completa, con vistas de pueblos y ciudades (La Guaira, Los Teques, Macuto, Las Lajas, La Vega, Antímano y Caracas); paisajes urbanos (Iglesia de San Francisco, Casa de Gobierno); retratos (Francisco de Miranda y Simón Bolívar); escudos, y "el primer mapa de Venezuela impreso en el país" (Drenikoff, 1982, p. 35). Esta modesta publicación fue el primer intento en el país por conciliar en una misma página la impresión tipográfica y la ilustración litográfica. Con Venezuela pintoresca, Van Lansberge se proponía atraer la mirada del europeo hacia el Nuevo Continente: "si en Europa se admira la mano del hombre, en América es imposible hallar palabras que expresen lo que se siente al contemplar la obra de Dios" (Venezuela pintoresca, p. 1). Partícipe de la vida cultural caraqueña, actuó en las veladas musicales y tableaux vivants de la posada Europa, donde también participaron Melbye y Pissarro, entonces en Caracas (Diario de Avisos, 7 de enero de 1854). En 1854 van Lansberge promueve y funda el diario La Ilustración, del cual se editaron los números correspondientes a los días 17, 24 y 31 de mayo y 7 de junio; en ellos publica artículos ilustrados de personalidades como el doctor José de Mosquera (arzobispo de Bogotá), Andrés Bello, Rafael María Baralt y José María Vargas, respectivamente, además de poesías de José Antonio Calcaño. La edición de los dos primeros ejemplares se hicieron en la imprenta de George Corser y la de los dos últimos en la misma pero entonces propiedad de Van Lansberge. En el tercer número se anunciaba su taller de imprenta y litografía en la calle de Leyes Patrias, 12, frente a la Tesorería. A causa de críticas al gobierno de José Gregorio Monagas publicadas en La Ilustración, es perseguido y huye a Coro, donde se une a las fuerzas rebeldes del coronel Juan Garcés, jefe de operaciones en Coro y Maracaibo. En un enfrentamiento con las tropas de Juan Crisóstomo Falcón, mueren Garcés y Van Lansberge en el sitio de Coduto de Coro. Existen discrepancias entre algunos autores sobre la fecha de la batalla. Según Francisco González Guinán (1891-1915, V, p. 370), aconteció en junio; Gabriel Giraldo Jaramillo (1959, p. 47), señala el 16 de agosto, y de acuerdo con Manuel Segundo Sánchez (1964, II, p. 135) y Aníbal Gil Peña fue el 16 de julio. Los tres autores coinciden en el mismo año, 1854.

2 Colecciones

Academia Nacional de la Historia, Caracas / BN / Fundación Boulton

3 Fuentes

- Cuenca, Humberto. Imagen literaria del periodismo. Caracas: UCV, 1980 (segunda edición). Primera edición en 1961.

- Daes de Ettedgui, Berenice. Pintores y dibujantes extranjeros en el siglo XIX venezolano. Nacionalidad, permanencia y producción (tesis inédita). Escuela de Artes, UCV, 1987.

- Drenikoff, Iván. El arte de la ilustración en la imprenta venezolana durante el siglo XIX. Caracas: Congreso de la República, 1982.

- Gil Peña, Aníbal. Juan Garcés, arquetipo militar coriano. Caracas: Imprenta Nacional, 1954.

- Giraldo Jaramillo, Gabriel. "Un periodista olvidado: el venezolano colombo-holandés Henrique van Landsberge [sic]". En: Boletín de la Academia Nacional de la Historia, XLI, 165. Caracas, enero-marzo 1959, pp. 45-47.

- González Guinán, Francisco. Historia contemporánea de Venezuela, 15 vv. Caracas: Tipografía El Cojo, 1891-1915. Segunda edición en Caracas: Ediciones de la Presidencia de la República, 1954.

- Sánchez, Manuel Segundo. Obras. Caracas: BCV, 1964.

BDE

Varela

Abigaíl

n. Caracas, 9.2.1948

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor. Hijo de Abigaíl Varela y Elba Gimeno. Toma cursos de modelado de cerámica con Hiroshi Kawagiri, en Caracas (1973-1975), realiza cerámica utilitaria, y entre 1976 y 1977 publica dibujos y fotografías en la revista En Ancas (Maracay). En 1977 participa en cursos de dibujo en el Instituto Neumann, y en 1978 en la Escuela Cristóbal Rojas. En 1979 realiza un curso de tecnología audiovisual en el Ateneo de Caracas. Durante esta época dirige talleres de cerámica en técnica de modelado y dibujo en diferentes casas de la cultura del distrito Sucre del Edo. Miranda. Fue miembro fundador de la Asociación de Jóvenes Escultores de Venezuela (1982). En sus primeras esculturas Varela trabaja a partir de figuras en silueta vacía, luego comienza a experimentar con el volumen. De esta época es su serie Reflejos cotidianos (1979). Un rasgo particular de su obra es la temática de la figura femenina; sus mujeres, que semejan a la Venus de Willendorf, son de vientre protuberante, en contraste con la cabeza y miembros disminuidos. El artista hace los soportes muy estilizados, lo que le otorga una sensación de ingravidez a los volúmenes que parecen tener una connotación abstracta sin escapar de la figuración. Sus mujeres van acompañadas de elementos humorísticos y al mismo tiempo fetichistas, tales como zapatos de tacón alto, carteras, pelotas, cajas, entre otros. Sus personajes están poseídos por una movilidad especial. La escultura de Varela se caracteriza por lo táctil de las superficies, realizadas en bronce pulido y por lo general, de pátina oscura; en la primera fase de su producción modela en cerámica, técnica que, según el artista, es la que más disfruta. En cuanto al bronce afirma ser autodidacta, apoyándose en la experimentación y en la investigación.

2 Exposiciones individuales

1978 Galería Centro Bella Vista, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

1981 Escuela de Artes Plásticas Carmelo Fernández, San Felipe

1982 "Multitudes", Galería G, Caracas

1986 Galería Freites, Caracas

1990 Galería Freites, Caracas

1992 Galería Freites-Revilla, Boca Ratón, Florida, Estados Unidos

1993 Galería Espacio, San Salvador

1994 Galería Freites-Revilla, Boca Ratón, Florida, Estados Unidos / Galería Katharina Rich Perlow, Nueva York

1995 Galería Cynthia Bourne, Londres

1997 Galería Katharina Rich Perlow, Nueva York

1998 Galería Freites, Caracas / Galería Freites-Revilla, Coral Gables, Florida, Estados Unidos

1999 "Acercamiento a lo humano", Galería Freites, Caracas / Galería Katharina Rich Perlow, Nueva York

2000 "Obras recientes", Galería Freites-Revilla, Coral Gables, Florida, Estados Unidos / Galería Elaine Baker, Boca Ratón, Florida, Estados Unidos

3 Premios

1976 Mención honorífica, Salón de Cerámica Taller Guayasamín, Caracas / Mención honorífica, IV Salón Nacional de las Artes del Fuego, Sala Braulio Salazar / Premio a la mejor obra en pequeño formato, II Salón Nacional de Escultura en Pequeño y Mediano Formato, Dirección de Cultura, UC

1977 Premio Dirección de Cultura de la UC, Salón Nacional de Escultura de Pequeño y Mediano Formato, Valencia, Edo. Carabobo

1978 Mención especial, I Salón Nacional de Escultura, Museo de Barquisimeto

1984 Premio Julio Morales Lara, XLII Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Fundación Polar, Caracas / MACCSI / Museo al Aire Libre Andrés Pérez Mujica, Valencia, Edo. Carabobo / Museo al Aire Libre Mariano Picón Salas, Mérida / Museo de Escultura al Aire Libre, Huelva, España / Museo de Esculturas, Parque Bolivariano Minas de Aroa, Edo. Aragua

5 Fuentes

- Abigaíl Varela escultor. Caracas: Fundación Cultural Chacao, 2000.

- Archivo del artista.

- Cinap, V 80.

MMHR

Vargas

Edmundo

n. Jacura, Edo. Falcón, 26.6.1944

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Dibujante. Estudió en la Escuela Arturo Michelena y en la Escuela de Teatro Rafael Zapata (1960-1963). En 1966 Jacobo Borges lo invitó a formar parte del equipo del espectáculo audiovisual Imagen de Caracas como asistente de dirección fílmica y montaje del dispositivo. Entre 1967 y 1969 trabajó como dibujante publicitario. En 1968 realizó la escenografía para la película Sin fin de Clemente de la Cerda y en 1970 viaja a Alemania contratado por una agencia de publicidad; allí, junto a Maricarmen Pérez, realiza tres cortometrajes de dibujos animados. En 1975 regresa a Venezuela y se establece en Valencia (Edo. Carabobo), ciudad en la que funda la galería y marquetería Novomarc y donde vive actualmente. En 1976 crea con otros artistas de la región el taller de diseño Forma y Comunicación. En 1979 integró el grupo de jóvenes dibujantes de la muestra "Manos de siempre signos de hoy. Dibujo actual de Venezuela", organizada por la GAN, y en 1981 fue incluido en "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Segunda parte" (GAN). Sus dibujos se inscriben en las tendencias figurativas del llamado boom de los años setenta, con un trazo rápido y gestual y escenas cotidianas ironizadas.

2 Exposiciones individuales

1977 Sala Braulio Salazar / Galería Carmelo Fernández, Caracas

1978 Galería Viva México, Caracas

1979 Galería Viva México, Caracas

1980  Galería Viva México, Caracas

3 Premios

1963 Medalla de oro, XXI Salón Arturo Michelena

1964 Mención de honor, Salón Anual de Coro

1976 Premio Club de Leones, XXXIV Salón Arturo Michelena

1977 Premio Antonio Edmundo Monsanto, XXXV Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / GAN

5 Fuentes

- Cinap, V 122.

ENA

Vargas

Rafael

n. Pedregal, Edo. Falcón, 24.10.1915

m. Maracaibo, 14.12.1978

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Tallista y pintor. Entre 1916 y 1947 vivió en Los Puertos de Altagracia (Edo. Zulia), donde realizó trabajos como carbonero, cortador de leña para hornos y obrero durante ocho años en la línea férrea Los Puertos de Altagracia-Mene de Mauroa. Posteriormente se residenció en Cabimas (Edo. Zulia) donde trabajó como agricultor. A partir de 1967 se dedicó a tallar aves en madera policromada con colores brillantes. Posteriormente éstas fueron evolucionando hacia aves fantásticas, de plumajes exuberantes. Hacia 1968 conoció a Carlos Contramaestre, quien le facilitó materiales para pintar sobre lienzos; incursiona en la pintura sin perspectiva continuando con las representaciones de pájaros sobre paisajes planos, e introduciendo gradualmente otros animales hasta llegar a la figura humana en escenas costumbristas. En 1968 realizó su primera exposición en la Biblioteca Pública de Cabimas (Edo. Zulia), y ese mismo año expuso en la Galería XX2 de Caracas, en donde incorporó los marcos a los cuadros, pintándolos de colores vivos; asimismo realizó pequeñas obras de carácter religioso. "Vargas trajo de su pueblo natal falconiano Pedregal, las visiones inocentes que poblaron de pájaros y luces incandescentes el mundo de su infancia y que durante más de 10 años maravillaron los ojos de los niños. Este tallista singular produjo los gallos más hermosos de plumajes llameantes que sólo tienen parangón con la vitalidad mágica y fuerza avasallante de los gallos de Mario Abreu" (Contramaestre, 1978).

2 Exposiciones individuales

1968 Biblioteca Pública, Cabimas, Edo. Zulia / Galería XX2, Caracas

1969 Galería de la Caja Popular de Occidente, Maracaibo / Galería La Gárgola de Tancredo, Maracaibo

1970 Galería Track, Caracas / Galería Helena Pávlu, Caracas

1972 Galería La Otra Banda, Mérida

1978 Galería de Artes Visuales, LUZ

3 Premios

1969 Premio First National City Bank, Salón D'Empaire

4 Colecciones

CAMLB / Mamja

5 Fuentes

- Calzadilla, Juan. Pintores venezolanos del común. Caracas: CANTV, 1975.

- Cinap, V 144.

- Da Antonio, Francisco. El arte ingenuo en Venezuela. Caracas: Shell de Venezuela, 1974.

IMV

Vargas

Viviano

n. Canoabito, Edo. Carabobo, 2.12.1917

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor. Hijo de Valentina Vargas. Gran parte de su vida transcurrió en una hacienda de café, dedicado a labores del campo en las cercanías de Canoabo (Edo. Carabobo). Hacia 1929 acompañaba a su tío Pedro Vargas, quien elaboraba muebles e instrumentos musicales. Para esta época realizó sus primeras tallas de pájaros y burritos. Hacia 1957 se dedicó a la elaboración de juguetes en madera para sus hijos y en 1970 realizó su primer tríptico tallado con machete y navaja. En 1983 sus piezas son expuestas por primera vez en Valencia (Edo. Carabobo); al año siguiente fue incluido en la primera muestra de artistas populares que organizó la Dirección de Cultura de la UC en la Galería Braulio Salazar. En 1985, junto con Gregorio Palencia (artista de la región), participa en una muestra en el Salón Ejecutivo del Club La Playa de Pequiven (Morón, Edo. Carabobo), y en 1986 expone tallas de Bolívar en la UPEL de Caracas. En 1988 expone con Carlos Osorio, Aristóteles Belisario y Tulio García en la Galería de Arte Gala de Valencia (Edo. Carabobo). En 1990 participa en la II Bienal Salvador Valero, y en el X Salón Nacional de Arte Popular de Fundarte (MACCSI) con una Virgen de Coromoto de un metro de altura, realizada en corteza de aguacate. En esa ocasión recibió el Premio MACCSI. Este mismo año el Museo de Petare incluyó los trípticos del artista en la muestra "Santos de botella: de lo colonial a lo contemporáneo". Formó parte junto a Emilita Rondón, Navor Terán y Felicinda Salazar, entre otros, de "Caminos y maderas de la navidad" (Sala CANTV) con varias obras de temática religiosa. Viviano Vargas busca la esencia de la forma, evitando los detalles, movido por su rápida percepción e intuición. En sus trípticos y tallas obtiene un equilibrio en sus asimetrías. Cada tríptico y cada talla son logrados por una combinación diferente de formas geométricas en cuyo seno anidan niños divinos, santos y pesebres. En 1991, la Galería de Arte Luis Guevara Moreno (Valencia, Edo. Carabobo) realizó una muestra homenaje con artistas de la región y, en 1994, el Museo de Petare realizó una muestra antológica en la que se exhibieron 32 tallas realizadas todas en madera policromada.

2 Exposiciones individuales

1994 "Madera con corazón", Museo de Petare

3 Premios

1990 Premio MACCSI, X Salón Nacional de Arte Popular, Fundarte, MACCSI

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Polar, Caracas / MACCSI / Museo de Petare

5 Fuentes

- Cinap, V 170.

- Madera con corazón. Antológica de Vargas Viviano (catálogo de exposición). Petare: Museo de Petare, 1994.

LMR

Vásquez Brito

Ramón

n. Porlamar, Edo. Nueva Esparta, 29.8.1927

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Inocente Vásquez y Mercedes Brito. Su infancia transcurre entre las islas de Margarita y Coche, donde vivían sus abuelos. A los 13 años ingresa al seminario de Cumaná pero poco después regresa a Margarita. En 1943 viaja a Caracas, donde estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (hasta 1947) con Rafael Monasterios, César Prieto y Pedro Ángel González, entre otros. En 1946 realiza su primera exposición individual en Porlamar (Edo. Nueva Esparta) e ingresa al personal de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas como auxiliar del taller de vitrales. En 1949 obtiene una beca del gobierno argentino para hacer un curso de especialización en grabado en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova de Buenos Aires, donde estudia litografía hasta 1950. A su regreso obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas en el XI Salón Oficial con una figura de mujer sentada, Placidez. Continúa su trayectoria docente en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, primero como adjunto al taller de grabado, que dirigía Pedro Ángel González hasta 1958, y luego como su profesor titular; igualmente ejerce como profesor del taller de vitrales y del de pintura y dibujo, hasta 1973. Entre 1958 y 1959 se encarga de la subdirección de la Escuela. Hacia 1950 produce obras cubistas que se alejan de la visión figurativa adoptada en sus inicios. De 1953 a 1959 desarrolla piezas de tendencia abstracta de gran rigurosidad geométrica, incorpora collages con papeles de colores y crea pinturas y relieves con esmalte industrial, de intención mural, bajo la influencia del neoplasticismo. Entre 1955 y 1956 realiza el proyecto de policromía de los bloques de viviendas de la urbanización caraqueña 23 de Enero.

Hacia 1960 abandona el abstraccionismo geométrico para incursionar en la abstracción informal, y realiza cuadros resueltos con texturas y tonalidades oscuras, con apariencia de paisajes subjetivos. En 1962 integra la representación venezolana que asiste a la Bienal de Venecia. A partir de ese año, y durante algunos meses, abandona la pintura por problemas políticos. Para 1965 inicia una serie de paisajes, donde la evocación de las líneas y las formas sugieren el espacio abierto. El artista toma como pretexto el paisaje y la luminosidad de la isla de Margarita e incorpora elementos figurativos. En estas obras, que conjugan las normas del informalismo con la tradición del paisaje, la luz vibra a través de una pincelada rápida y de una materia de gran riqueza. Vásquez Brito hace un magnífico despliegue de blancos en sutil equilibrio de azules con rápidas manchas rojas y verdes. Sus paisajes, 12 pinturas y 5 dibujos realizados entre 1965 y 1966, son expuestos un año más tarde en una colectiva en la Sala Mendoza junto con los trabajos de Víctor Valera y Enrique Sardá. En 1967, el Inciba publica una monografía sobre el pintor, escrita por Francisco Da Antonio, en la que éste señala: "frente al pintor la tela se desnuda y se reviste luego con un denso empaste blanco cuya propia textura —mezcla de vinílicos y arena— descorporiza la entidad telúrica convirtiéndola finalmente en el campo de investigación que reclamaba para sí el artista" (1967). Ese año presenta una individual en la Galería de Arte Moderno (Caracas), 20 óleos que "plantean un nuevo tratamiento del blanco que en nada recuerdan a Reverón. Pero el blanco de Brito no es puro, tiene diversidad de tonos." (Zuloaga, 1967). En 1968 obtiene el Premio Arturo Michelena en el XXVI Salón Arturo Michelena con tres obras, Punto blanco; Perla, luz, mar, y ¿De dónde surge? Al año siguiente repite su participación en el XXVII Salón Arturo Michelena y recibe el Premio Arístides Rojas con Remansos en el XXX Salón Oficial.

En 1971 realiza una serie de obras sobre el Complejo Hidroeléctrico de Guri, y otras con la temática del puente sobre el lago de Maracaibo. En 1973 viaja a París para preparar una muestra en la Galería Drouant, que presentará en 1974 con Alirio Rodríguez y Virgilio Trómpiz. A su regreso expone junto a este último en la Galería de Arte Moderno (Caracas), obras de su serie del puente sobre el lago de Maracaibo; en ellas existe una mayor depuración en sus blancos y azules, y a través de las nubes, y los grises de una ciudad en crecimiento, se presienten los objetos, el agua, el mar, los barcos, las torres de perforación de petróleo y la ciudad. Desde 1979 se establece en El Tirano (Margarita, Edo. Nueva Esparta), sin perder sus nexos con la capital. En 1981 expone en la Galería Freites (Caracas). "Lo fundamental para mí es el paisaje. Mis paisajes anteriores eran distintos, como recuerdo de mi niñez, pero ahora, con estos dos años de permanencia en la isla, veo el paisaje en forma distinta. Ahora el color es fundamental. Antes era muy subjetivo, usaba mucho blanco, actualmente los colores son más brillantes y la pincelada mas fuerte" (Vásquez Brito, 1981). En 1983 participó en la XVIII Bienal de São Paulo, y exhibe en la Galería Freites pinturas en gran formato con la acostumbrada temática del paisaje marítimo y el recurso de la figura femenina. En 1986 inaugura "Paisajes marinos" (Galería Freites), óleos de mediano y gran formato, en los cuales incorpora el polvo de mármol, material con el que trata el lienzo antes de comenzar a pintar en aquellas zonas donde va a ubicar el mar y la costa, creando así un juego de textura especial. En 1988, el Museo Francisco Narváez organiza una retrospectiva del artista, "Materia y luz del espacio recobrado". Este mismo año, César Bolívar realiza el cortometraje Vásquez Brito… el mar. Su obra ha sido exhibida en colectivas como la III Bienal de Artes Visuales de Oriente (Cumaná, 1990) y "Presencia del artista plástico de la provincia" (Sala de Exposición de la Gobernación del Distrito Federal, Caracas, 1991), así como en diversas muestras individuales. La GAN posee en su colección obras de su etapa abstracto-geométrica (Abstracción, 1956) y paisajes (Cortan pedazos de eternidad, 1977, y Acaricio el paso de los sueños, 1978).

2 Exposiciones individuales

1946 Centro Social, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

1950 Galería Antú, Buenos Aires

1953 Galería Espiral, Escuela Cristóbal Rojas

1961 MBA

1963 Galería Minotauro, Caracas

1967 Galería de Arte Moderno, Caracas

1970 Galería de Arte Moderno, Caracas

1972 Galería de Arte Moderno, Caracas

1974 Galería de Arte Moderno Internacional, Caracas

1978 Centro de Arte Alejandro Freites, Caracas

1979 Galería Arte/Contacto, Caracas

1981 "Existencias ocultas", Galería Freites, Caracas

1982 Galería Alejandro Freites, Caracas

1983 "La seducción del paisaje", Galería Freites, Caracas

1985 Galería Mundo de Arte, Maracaibo

1986 "Paisajes marinos", Galería Freites, Caracas

1987 Galería Freites, Caracas

1988 "Materia y luz del espacio recobrado", Museo Francisco Narváez

1991 "Vásquez Brito: transparencias", Galería Freites, Caracas / Gobernación del Distrito Federal, Caracas

1992 "Paisajes marinos", Galería Arteconsult, Panamá / Galería Freites-Revilla, Boca Ratón, Florida, Estados Unidos

1993 "El mar: el siempre mar", Galería Freites-Revilla, Florida, Estados Unidos / "Alquimia de la serenidad", Sala Cultural Corpoven, Puerto La Cruz

1995 "El destierro de una realidad", Galería Freites, Caracas

1998 "La luz haciendo camino a los sueños", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo

2001 "La luz revive ilusiones", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo

2002 "Homenaje a Vázquez Brito", Ateneo de Caracas

3 Premios

1949 Premio José Loreto Arismendi, X Salón Oficial

1950 Premio Oficial de Artes Plásticas, XI Salón Oficial

1962 Segundo premio, II Salón Anual de Artes Plásticas y Aplicadas del Estado Aragua, Casa de la Cultura, Maracay

1966 Premio Antonio Edmundo Monsanto, XXIV Salón Arturo Michelena

1967 Premio Arístides Rojas, XXVIII Salón Oficial / Premio CVF, XXVIII Salón Oficial

1968 Premio Arturo Michelena, XXVI Salón Arturo Michelena

1969 Premio Arístides Rojas, XXX Salón Oficial

1983 Premio Conac, II Bienal de Artes Visuales, MACC

4 Colecciones

Aeropuerto Internacional Simón Bolívar, Maiquetía, Edo. Vargas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BCV / Cadafe, Caracas / CVG / Fiscalía General de la República, Caracas / Fundación Polar, Caracas / GAN / MACCSI / Mamja / ME / MRI / Museo de Ciudad Bolívar / Museo Francisco Narváez / Museo Soto / Pinacoteca del Colegio José Hernández, Chivilcoy, Argentina / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

5 Fuentes

- Antillano, Sergio. Los salones de arte. Caracas: Maraven, 1976.

- Cinap, V 16.

- Da Antonio, Francisco. Ramón Vásquez Brito. Caracas: Inciba, 1967.

- Zuloaga, Elisa Elvira. "La exposición de Vásquez Brito fue la más visitada el domingo". En: La República. Caracas, 25 de septiembre de 1967.

ENA

Vásquez

Félix

a. Edo. Lara, mediados del siglo XIX

1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y tallista. Decoró la Iglesia de la Concepción en Barquisimeto, en cuyo bautisterio realizó un gran cuadro mural, El bautizo de Jesús por San Juan, mandado a hacer por el padre José Macario Yépez. También realizó el púlpito de madera y se le adjudicaba el altar, sustituido posteriormente por uno de mármol.

2 Fuentes

- Silva Uzcátegui, R.D. Enciclopedia larense. Caracas: Impresores Unidos, 1941.

AS

Vásquez

Óscar

n. Caracas, 30.4.1949

m. Caracas, 20.8.2002

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Diseñador gráfico. En 1965 inició estudios en la Escuela Cristóbal Rojas, los cuales continuó en el Centro Gráfico del Inciba (1967-1968) y el Taller de Arte Experimental de Caracas (1968-1971). Diseñó tapas de discos para el Círculo Musical y fue diseñador gráfico de Fundateatro. En 1971 formó, con Santiago Pol y Víctor Hugo Irazábal, el Taller 12, que funcionó como taller de pintura y diseño en el Ateneo de Caracas hasta 1975. Como grupo, expusieron "Mamita tápame que tengo frío" (Ateneo de Caracas, 1973). Fue el director artístico de las revistas El Farol e Imagen, se especializó en el área de afiches y fue miembro del taller gráfico de Fundarte, donde diseñó el emblema (1974) y la colección editorial Breves (1976). Como diseñador gráfico de la GAN (1980-1983), consolidó sus publicaciones que llegaron a adquirir una marca distintiva. Esta etapa fue reconocida en la "Exposición internacional del arte del libro" de Leipzig, Alemania, en 1982. Posteriormente trabajó para Maraven (1983-1985) y en 1986 fundó, junto con Waleska Belisario y Carolina Arnal, ABV Taller de Diseño. En 1991 diseñó la colección Memorabilia para la editorial Monte Ávila. Durante la década de 1990 destacó su diseño de libros para la Fundación Bigott y la Fundación Polar. Participó en exposiciones colectivas como "Intergrafis" de Berlín (1973), "Colectiva de diseñadores gráficos venezolanos" (MBA, 1977), en la Bienal del Afiche de Varsovia (1978 y 1980) y en "Paquete erótico" (Sala Ocre, Caracas ). Hay referencias de su trabajo en el Anuario internacional de diseño gráfico (Suiza, 1975) y El diseño gráfico: desde los orígenes hasta nuestros días (Madrid: Alianza, 1988-1989). En 1990 expuso sus "planos blancos", resultado de veinte años de trabajo, en los que usaba el corte y el doblez para lograr soluciones tridimensionales.

2 Exposiciones individuales

1990 "De planos", Galería Sotavento, Caracas

3 Premios

1979 Mención, "Primera exposición anual del libro, el afiche y la fotografía", GAN-BN; por el cartel Día de la Marina de Guerra

1980 Mención, "Segunda exposición anual del libro, el afiche y la fotografía", GAN-BN; por Re-cuentos (Caracas: Fundación Mendoza, 1977)

1982 Diploma de honor, "Exposición internacional del arte del libro", Lepizig, Alemania; por diversos catálogos para la GAN / Mención, "Cuarta exposición anual del libro y la fotografía documental", Caracas; por Bolívar, Bello y el porvenir (Caracas: Fundación Mendoza, 1981)

1983 Mención, "Quinta exposición anual del libro", BN; por Venezolanos del siglo XX (Caracas: Fundación Mendoza, 1982) / Mención, III Bienal del Cartel, BN; por el cartel Maraven, somos todos

1986 Mención (compartida con Gerd Leufert), "Séptima exposición anual del libro ilustrado", BN; por Desde el mar de las alturas (Caracas: Fundación Mendoza, 1985)

1988 Mención, "Novena exposición anual del libro"; por Giotto y compañía (Caracas: Fundación Mendoza, 1987) y Organización básica (Caracas: Maraven)

1989 Diploma de honor, "Exposición internacional del arte del libro", Lepizig, Alemania; por Informe anual Venalum (Caracas) / Mención (compartida con Carolina Arnal y Waleska Belisario), "Décima exposición anual del libro ilustrado", BN; por Informe anual Venalum (Caracas)

1991 Premio Gráfico Nacional, categorías libro tapa dura (Fiestas tradicionales de Venezuela. Caracas: Fundación Bigott) y catálogo (Víctor Hugo Irazábal. Caracas: Financorp)

1993 Mención Fundalibro, categoría mejor libro ilustrado; por Miguel von Dangel: la batalla de San Romano (Caracas: Fundación Polar)

1994 Premio ANDA; por Imagineros de la fe (Caracas: Fundación Bigott)

1995 Premio al mejor libro, Fundalibro; por La pesca artesanal en la costa caribe de Venezuela (Caracas: Fundación Bigott, 1994)

4 Colecciones

BN / MBA / MOMA / Museo del Afiche, Varsovia

5 Fuentes

- Cinap, V 159.

AS-ENA

Vegas

Federico

n. Caracas, 30.3.1953

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Federico Vegas y Joice Chumaceiro. Estudió economía en la Universidad Tufts (Boston, Massachusetts, Estados Unidos, 1972-1977) donde asistió a talleres de pintura y dibujo (1975-1976). En 1987 cursa estudios de dibujo e ilustración en el Instituto Federico Brandt. En 1990 inicia su actividad expositiva en el Salón del BCV y en 1991 participa en el XVI Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay) y en una colectiva en la Sala Alternativa (Caracas) en la cual exhibe Hacia afuera, óleo incorporado desde ese año a la colección de arte latinoamericano contemporáneo del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. En 1993 participa en "Emerging Latin American Artist" (McM Gallery, Nueva York), donde aborda la cruz como elemento interventor del espacio. Más allá del simbolismo religioso, las imágenes de Vegas vuelven sobre un elemento anclado en la memoria visual del hombre. En 1994 forma parte de "Encuentro" junto a Ernesto León, Erma Parra y Mariana Duekman (Centro de Bellas Artes, Maracaibo) y expone "Los juegos perdidos" (Galería Namia Mondolfi), telas de gran formato en las que recrea juegos infantiles: metras, ludo, rompecabezas, dominó, damas, aviones y papagayos. Eduardo Planchart, escribió: "el pintor mantiene su amor por los colores terrosos, ocres, y continúa insistiendo en la huella como elemento plástico. En el caso de 'Los juegos perdidos' se profundiza en lo vivido al convertirse en un indicio que despierta en el espectador las experiencias estéticas y lúdicas de su infancia. El uso del collage, al pegar sobre el lienzo el yute hace, en conjunto, con el tratamiento del color que su paleta pierda visceralidad y gane intuitividad. Al crear diversos niveles texturales la obra asume connotaciones de umbral que acercan al espectador a otras dimensiones" (1994). En 1995 presenta "Grandes inventos" en la Galería Díaz Mancini (Caracas). En esa ocasión, sus cuadros revelan una visión personal de las creaciones del hombre. "Borraduras, trazos, números, letras, garabatos, que se dispersan abiertamente en el espacio a la manera de apuntes distraídos o de dibujos de niños, el terminado intencionalmente artesanal, de chorreados y salpicados que se deshacen de todo formalismo tradicional […], son rasgos característicos de las nuevas estéticas" (Bello, 1995). En 1996 exhibe "Pura pinta", una serie de 25 obras de 160 x 130 cm en las que personajes, como la cantante de ópera, el militar o el político, "se insinúan mediante el uso del blanco y del fondo crudo en el más puro estilo reveroniano" (Vivas, 1996). En el discurso plástico de Vegas, el objetivo no está en lograr la perfección técnica sino en armar un lenguaje poético que permita equilibrar las fuerzas de los colores primarios y los secundarios con las atmósferas.

2 Exposiciones individuales

1991 "Contrafigura", Sala Alternativa, Caracas

1992 Galería Astrid Paredes, Caracas

1993 Galería Sen, Madrid

1994 "Los juegos perdidos", Galería Namia Mondolfi, Caracas

1995 "Grandes inventos", Galería Díaz Mancini, Caracas

1996 "Pura pinta", Sala RG

1998 "Memoria de paisaje", Grupo Li Centro de Arte, Caracas

3 Colecciones

CAMLB / MACCSI / Metropolitan Museum of Art, Nueva York

4 Fuentes

- Bello, Milagros. Grandes inventos (catálogo de exposición). Caracas: Galería Díaz Mancini, 1995.

- Planchart Licea, Eduardo. Los juegos perdidos (catálogo de exposición). Caracas: Galería Namia Mondolfi, 1994.

- Vivas, Zuleiva. "Pinta pinta pinta". En: Pura pinta (catálogo de exposición). Caracas: Sala RG, 1996.

ENA

Vegas

Toña [María Antonia]

n. Caracas, 6.6.1952

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora y dibujante. En 1974 se gradúa en psicología en la UCAB. Ese mismo año se inicia en la expresión plástica con Mercedes Pardo. Entre 1975 y 1976 realiza un curso básico de artes plásticas en el Hornsey College of Art de Londres y, entre 1978 y 1981, completa sus estudios de artes gráficas en el Cegra con Manuel Espinoza, Édgar Sánchez, Alirio Palacios y María Elena Ramos. Durante sus estudios en esa institución, participó en el taller de fabricación de papel a mano con Juan Manuel de la Rosa (1978). Asimismo, en 1979, se inicia en la fotografía con Christian Belpaire —quien le proporciona una nueva visión en el ordenamiento del espacio y el sistema de zonas— y estudia análisis fotográfico con Claudio Perna (USB). A finales de los años setenta se dedica a lo que será un hito en su producción, el collage. Las obras de esta época, de gran fuerza estructuradora y orden riguroso, caracterizadas por la presencia de negros y grises así como por la definición de una verticalidad espacial. En 1979 participa en la importante muestra "Senderos en el papel", con alumnos egresados del Cegra en la GAN, donde expuso dos aguafuertes de pequeño formato. A principios de los años ochenta, contrariamente a la corriente del boom del dibujo, marcadamente figurativo, Toña Vegas se acerca a la abstracción con una serie de exploraciones de su mundo interior, caracterizadas por la simultaneidad de espacios donde cada vez va ganando más importancia la presencia de la luz. Así expone en el Salón de Jóvenes Artistas de 1981 (MACC) su serie Caja (carboncillo y collage), en la que destaca el gesto, la mancha y la línea. En 1981 es directora artística del largometraje La boda de Thaelman Urguelles y realiza la escenografía del corto La casita rosada de Abraham Pulido. En 1985 participa nuevamente en el Salón Nacional de Jóvenes Artistas en el MACC. Atraída por la obra de Pablo Picasso y Kurt Schwitters, sus collages presentan un cambio definido por el uso del color; sus composiciones han perdido su característica vertical aunque siguen poseyendo una fuerte estructura. Entre esos trabajos se encuentra una serie de collages basados en objetos encontrados como pasajes de avión, envoltorios, etc., de una pulcritud intachable (1986). Asimismo, es directora artística del largometraje La canción de la montaña de Alberto Arvelo Mendoza. Junto con Iván Estrada y Gil Otero crea el proyecto de diseño editorial del departamento de publicaciones de Fundarte y diseña portadas para los libros de esa institución (1981-1986). En 1987 expone collages sobre madera con Iván Estrada en la Galería Siete Siete (Caracas). Diseña la escenografía y el vestuario para las obras de teatro Sueño de una noche de verano de William Shakespeare (1987) y Petición de mano de Antón Chéjov (1990), dirigidas por Eduardo Gil. A comienzos de la década de los noventa trabaja acuarelas sutilmente coloreadas que inician un giro donde romperá la estructura de sus composiciones anteriores, que continuará posteriormente con pasteles y tinta hacia 1995. En 1991 realiza el diseño del libro El territorio del arte es enigmático de Alejandro Otero, publicado por el MACCSI. Toña Vegas ha dirigido talleres en el MBA (1994 y 1996), el IUESAPAR y el Taller Nacional de Artes Visuales Héctor Poleo (1995). Entre sus últimos trabajos se encuentra la serie Hilos (collages) y "obras oscuras". La artista ha comentado sobre su creación: "el trabajo es para mí un espacio de revelaciones, de encuentros. Existen contenidos que quieren ser expresados, que necesitan tomar forma y hacerse visibles. Hay momentos, instantes a veces, en que algo en mí se encuentra lo suficientemente abierto y de alguna manera contacta esos contenidos".

2 Exposiciones individuales

1995 "Acuarelas", Sanarte

2000 "Hilos y cimiento", Sala Alternativa, Caracas

3 Colecciones

Fundación Polar, Caracas

4 Fuentes

- Núñez, María Elena. [Presentación]. En: Acuarelas (catálogo de exposición). Caracas: Sanarte, 1995.

FH

Vegas

Wolfgang

n. Caracas, 14.5.1958

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Ceramista. Hijo de Carmen Rodríguez y Félix Vegas. Entre 1988 y 1994 realizó diferentes talleres de cerámica con Cándido Millán, Alberto Guédez, Juan Méndez y con la ceramista holandesa Hellen Speiktra, en el Taller Escuela Arte Fuego y en el IUESAPAR. Desde sus inicios en los años ochenta, sus piezas se han orientado hacia una expresión escultórica relacionada con el expresionismo y la instalación. En ellas "están presentes elementos cerámicos que se complementan con otros materiales y objetos, para plantear una idea que motorice reacciones y sensaciones en el espectador mediante el montaje escenográfico" (Barbieri, 1998). Paralelamente a su actividad escultórica ha incursionado en el campo de la cerámica decorativa y funcional, en la que el uso de baja temperatura en las quemas proporciona a sus creaciones una extensa gama de colores. Sus primeras piezas eran ensamblajes en los cuales la cerámica era elemento predominante y la temática estaba centrada en monumentos de ciudades. Ha participado en numerosas colectivas, entre ellas: "La técnica y el arte del barro" (Galería Tito Salas, 1989), "Presencia del arte cerámico de Venezuela" (Galería Arte Hoy, Caracas, 1991), "Barros comunicantes" (Sala CANTV, 1992), "Nuevas versiones de la forma" (Los Espacios Cálidos, 1992), "Interpretaciones del barro" (MACMMA, 1993) y "Formas y expresiones" (Galería de Arte, USB, 1995). En 1990 obtiene el Premio Nacional de Artes del Fuego con Silla para las sillas: homenaje a Ionesco, realizada en arcilla. A partir de este momento ha utilizado la silla como tema de investigación. "Pequeño trono de poder, Desfile patriótico, Trono de mis enemigos son algunas de las obras conceptuales en las que el arte cerámico presenta el arte como hecho. En su elaboración está presente lo matérico, destacándose las huellas y las fallas que se procesan en el proceso de factura" (Barbieri, op. cit.) En 1994 recibe en el Salón de Arte del Concejo del Municipio Libertador (Ateneo de Caracas), el Premio Municipal en la especialidad tridimensional, con Pequeño trono de poder, ensamblaje con madera y arcilla. Desde finales de 1997 reside en España.

2 Exposiciones individuales

1975 "Monumentos de ciudad", Galería Viva México, Caracas

1978 Galería Ángel Boscán

1981 Embajada de Venezuela, París

1989 Galería Viva México, Caracas / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

1990 AVAP

2000 Design Luzerner Gallery, Nevenkirch, Suiza

2001 Parcus Céramique, Carougue, Suiza

3 Premios

1988 Beca de trabajo, I Bienal Nacional de Artes Plásticas, Caracas

1990 Premio Nacional de Artes del Fuego, XVII Salón Nacional de Artes del Fuego, Galería Braulio Salazar / Segundo premio de cerámica, IV Salón de Artes, Maracaibo

1992 Premio único de cerámica, III Salón Nacional de las Artes Visuales de Calabozo Antonio Lazo Martí, Edo. Guárico

1994 Primer premio, categoría tridimensional, Salón Municipal de Artes Visuales Juan Lovera, Ateneo de Caracas

1998 Premio recomendación del jurado, Mashiko International Competition, Mashiko, Japón

2000 Premio del jurado, The 2000 International Orton Cone Box Show, Kansas City, Estados Unidos / Premio recomendación del jurado, Mashiko International Competition, Mashiko, Japón

4 Colecciones

Country Yinko Ceramics Museum, Taipei, Taiwan / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

5 Fuentes

- Archivo del artista.

- Barbieri, Nelly. El movimiento cerámico en Venezuela. Caracas: Conac, 1998.

DJ

Venegas

Gipsy

n. Chivacoa, Edo. Yaracuy, 30.12.1949

1 Vida y obra

1 Vida y obra

Pintora y grabadora. Realizó estudios en la Escuela Cristóbal Rojas y en el Centro de Arte Gráfico del Inciba (1967-1970). En 1971 viaja a Roma, donde cursa conservación, restauración y diseño industrial. Fue jefe del departamento de conservación y restauración de la GAN desde 1980 hasta 1997. Su obra ha estado representada en varias exposiciones colectivas: el VI Salón Anual de Arte (Casa de la Cultura, Maracay, 1968), el IV Salón de la Joven Pintura y Escultura (Dirección de Cultura, UCV, 1968), "Artistas venezolanos de hoy" (USB, 1971), "CH-C" (Ateneo de Caracas, 1971), "Joven actualidad venezolana II" (Galería Estudio Actual, Caracas, 1971) y el I y II Salón Nacional de Jóvenes Artistas (Maracay, 1971 y 1972). Ha cultivado la pintura, la escultura y el grabado, destacando de su producción los Ritmo-cromo-sonoros, obras de participación construidas con espirales de metal que producen movimientos vibratorio-sonoros. En 1973 expuso con José Páez en la Galería Banap (Caracas).

AS-ENA

Vengoechea

Julio

n. Panamá, 1940 (datos en estudio)

m. Caracas, 23.4.1987

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. En 1950 se radica en Maracaibo. Entre 1955 y 1964 viaja a Estados Unidos, donde obtiene el título de ingeniero industrial en el Instituto Tecnológico de Georgia. En 1969 se establece en Caracas. Entre 1970 y 1973 se traslada a Brasil para realizar estudios de posgrado en la Universidad Católica de Río de Janeiro e inicia su actividad como fotógrafo. Desde 1973 hasta 1976 desarrolla sus "recomposiciones" fográficas, imágenes de teatro y travestis. En 1976 cursa estudios de fotografía en la New School for Social Research de Nueva York, con George Tice y Jill Lynne. Ya en Venezuela, fue director de los servicios audiovisuales de la BN (1977-1979). En 1979 adquiere la nacionalidad venezolana. A partir de la década de los ochenta, la fotografía a color se hace recurrente y Vengoechea es uno de los primeros que la utiliza en sus trabajos. Colores fuertes, composición equilibrada dentro del recuadro fotográfico, el fragmento casual de una sombra, son algunos de los elementos más usados. "Su preocupación estética ha sido la de enmarcar en yuxtaposiciones los diversos colores encontrados en las ciudades —paredes, ventanas, carros, anuncios—. De este modo, Vengoechea compone enriquecedores espacios a color, sin desmedro del culto por las formas" (María Teresa Boulton, 1990). En 1981 realiza fotografías en blanco y negro sobre el desnudo masculino visto a través de un espejo, o enunciado por calcomanías adheridas al cuerpo. En 1982 se publica el libro de fotografías Maracaibo: las paredes del sueño, con textos de Laura Antillano (Cuadernos Lagoven). Este mismo año, junto a Paolo Gasparini, Roberto Fontana, Bárbara Brändli y Federico Fernández, entre otros, forma parte de la colectiva "Los venezolanos", realizada en la Photographer's Gallery (Londres). En 1988 el Centro de Bellas Artes de Maracaibo y la BN en Caracas organizaron una retrospectiva como un tributo al fotógrafo. "Teatro, modas, escenas de matrimonios, travestis, desnudos, retratos. En todas estas fotografías pareciera que la composición se inspira en el intento de hacer evidente la realidad de lo artificial […]. Una especial atención por la capacidad de imprimir una segunda naturaleza o por la potencia de producir nuevas realidades […]. La metrópolis, la tecnología, lo construido, el artificio: una fina elaboración conceptual es la que hace del trabajo fotográfico de Julio Vengoechea un importante documento de nuestra realidad y nuestro siglo" (Vethencourt, 1988).

2 Exposiciones individuales

1974 "Fotoritmia", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1975 "Recomposiciones", Librería Cruz del Sur, Caracas / "Julio Vengoechea", Galería Banap, Caracas

1979 "Forma, textura y color", Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

1980 "Julio Vengoechea en Nueva York", Galería de Artes Visuales, LUZ

1981 "Elementos del paisaje urbano", Galería Siete Siete, Caracas / "Visión de tres ciudades", BID, Washington / "Vengoechea", Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo / Mambo Café, Caracas

1982 "Las paredes del sueño", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Imagen y perspectiva del paisaje urbano", Instituto Nacional de la Cultura, Panamá / "La ciudad: presencia/esencia", Galería Siete Siete, Caracas

3 Exposiciones póstumas

1988 "Retrospectiva", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Retrospectiva", BN

4 Premios

1973 Cuarto premio, Salón de Arte Fotográfico, Maracaibo

1974 Primer premio, Salón de Fotógrafos Profesionales del Zulia, Maracaibo / Mención de honor en fotografía a color, Salón de Fotógrafos Profesionales del Zulia, Maracaibo

1982 Premio de adquisición, fotografía documental, BN-GAN / Primer premio de fotografía a color, II Salón de Fotografía, Gobernación del Distrito Federal, Caracas

1986 Primer premio (compartido con Gabriel Morera), I Concurso de Fotografía Estée Lauder "El eterno arte del maquillaje", Los Espacios Cálidos

5 Colecciones

BN / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Gobernación del Distrito Federal, Caracas / Instituto Nacional de Cultura, Panamá / Museo de Arte Moderno de América Latina, OEA, Washington / Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

6 Fuentes

- Boulton, María Teresa. Anotaciones sobre la fotografía venezolana contemporánea. Caracas: Monte Ávila, 1990.

- Cinap, V 74.

- Vethencourt, Fabiola. Julio Vengoechea. Retrospectiva (catálogo de exposición). Caracas: BN, 1988.

ENA

Ventrillon-Horber

Charles

n. París, 26.2.1899

m. Caracas, 9.12.1977

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Dibujante, pintor y acuarelista. Trabajó durante su infancia como ayudante en el taller de esmalte de su padre y recibió clases de dibujo de su madre, alumna de la Escuela Superior de Artes Decorativas. En 1916 ingresa en la Academia Germain Pilon (escuela de plateros) para estudiar dibujo a mano alzada con el profesor Bourgogne. Ese mismo año sigue cursos de dibujo de animales en el Museo de Historia Natural de París con Millot, de modelado en la Escuela Boulle con Glandzin, y de acuarela con Pierre Vignal, quien influyó en su obra. En 1917 ingresa a la Academia Julian y, estudia dibujo, pintura y composición con Schommer, Déchenaud, Gervais y Royer; posteriormente ingresa al taller de Jean-Paul Laurens, quien se vuelve su maestro más influyente. Ese año estudia escultura con el profesor Paul Maximilien Landowski, bajorrelieve con Bouchard y dibujo en las academias Colarossi y La Grande Chaumière. En 1918 estudia decoración mural al fresco, decoración teatral y puestas en escena con René Pilot, así como pintura à la colle. Aprende la tradición del fresco, en la que se empleaba una pintura acuosa de una transparencia similar a la de la acuarela. Estudia con Laurens hasta la muerte de éste en 1921 y posteriormente con sus hijos, Jean-Pierre y Paul-Albert Laurens. Asiste al Salón de Artistas Franceses ininterrumpidamente, desde 1923 hasta 1934. En 1925 es nombrado profesor de la Academia Julian, donde fue profesor de Francisco Narváez; también es nombrado miembro de la Sociedad de Artistas Franceses. Ese año recibe una mención de honor por su participación en el Salón de Artistas Franceses. También en este año contrae matrimonio con Nicolasa Parra Ruiz, venezolana sobrina del general Cipriano Castro. Tres años después viaja a Puerto Rico, en donde pinta paisajes. En 1930 participa en el Salón de Invierno y en 1931 en el Salón de Artistas Coloniales (París). Ese año viaja por corto tiempo a Venezuela con su esposa, y durante su permanencia realiza retratos y paisajes. En 1936 realiza uno de sus encargos más importantes al decorar la Ópera de la Academia de Música y Danza de París; ese año participa en el Salón de los Independientes, así como en tres colectivas en Bakú (Azerbaiján), Madrid y Buenos Aires. Por entonces se dedica al estudio de los insectos, tema que le preocupó desde la infancia y del que se ocupaba en el Museo de Historia Natural de París. Participa en los salones de la Sociedad de Artistas Franceses entre 1938 y 1941. En 1939 estalla la Segunda Guerra Mundial y Ventrillon es nombrado jefe de camuflaje para elaborar montañas y escenarios artificiales que permitieran ocultar a las tropas de los aviones en el campo de batalla. Su misión es suspendida y el artista parte con su familia a un pueblo de Bretaña (Francia). De este período son Autorretrato (guache sobre cartón, 1939) y Laguna (guache sobre papel, 1943), ambos en la colección GAN, en los que se aprecia su preocupación por la representación fiel de las formas, el uso del trazo suelto y una gran riqueza de colorido. Durante su estancia en Bretaña, los nazis sospechan que Ventrillon es un espía inglés y a los dos años es llevado por la Gestapo al campo de concentración de Rennes (Francia). Tiempo después es liberado y se refugia con su familia en una finca, hasta la llegada de los aliados; durante el inicio de la posguerra trabaja como dibujante anatómico y quirúrgico de un hospital americano en Rennes.

En 1945 viaja a Venezuela, donde se establece definitivamente con su familia. Ese año participa en el VI Salón Oficial y dicta la cátedra de escenografía en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, entonces dirigida por Antonio Edmundo Monsanto. En 1946, año de su exposición en el MBA, pinta el óleo El Ávila desde la carretera de Baruta —cuando se dora el Ávila—, adquirido por el MBA (hoy en la colección GAN). En 1947 da clases de escenografía en la Escuela de Capacitación Teatral y participa en el VIII Salón Oficial. Según el pintor Luis Domínguez Salazar es en 1949 cuando realiza el mural para el Cine Lido en Chacao. El mural, derrumbado en 1978, era de una superficie curva de 70 m² y representaba cuatro figuras femeninas danzando alrededor de un hombre. Desde 1949 trabaja como investigador en el Instituto de Zoología Tropical de la UCV, donde inicia, a partir de 1950, una intensa actividad docente en las facultades de Ingeniería (cátedras de dibujo técnico, dibujo general y dibujo topográfico), Arquitectura (cátedras de dibujo a mano suelta, modelado, acuarela y guache) y Ciencias (cátedra de dibujo para biólogos); de singular importancia fueron sus clases de dibujo para biólogos (iniciadas en 1953), en las que enseñaba su particular método de investigación de la vida animal a partir de la realización de dibujos. Ventrillon estudió la estructura y funcionalidad de las chicharras y, por medio de sus dibujos, dedujo el mecanismo del canto de estos insectos. En 1953 realiza una serie de acuarelas de la zona colonial de La Guaira, para la Comisión Nacional de Urbanismo, la cual se ocupaba de la conservación de la zona antigua del puerto. En 1954 obtiene la nacionalidad venezolana. En 1958 pasa a ser profesor de la Facultad de Ciencias, aunque continúa colaborando con la Facultad de Arquitectura y Urbanismo. En 1967 participa en la exposición colectiva "Paisajes de Puerto Rico" (Ayuntamiento de San Juan de Puerto Rico). En 1975 es jubilado por la Universidad y se crea el Taller Libre de Dibujo Ventrillon-Horber de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, el cual dirige hasta su muerte, acaecida dos años después.

En 1979, sus ex alumnos del Taller Libre de Dibujo y del Centro de Información y Documentación de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo organizan con sus dibujos una exposición en homenaje al maestro. La temática paisajista de Ventrillon lo ha asociado con la pintura de los maestros de la Escuela de Caracas, sin embargo, Francisco Da Antonio señala que la visión plena de "un aire de cierta distancia, de sutil refinamiento formal" lo separa de esa escuela; para Da Antonio, Ventrillon se identifica con las tendencias del naturalismo posimpresionista francés. Respecto a su técnica comenta: "se nos muestra como pintor colorista inmerso en atemperada luminosidad mediterránea y, en ningún caso, rememorativa por lo cálido de su temperatura, de los paisajes del posfauvismo en Derain. Sus acuarelas son ciertamente notables. Y si bien no pueden conceptuarse como ejemplo de una proposición expresiva cuyo acento signifique un hallazgo dentro del contexto de su propia labor, resulta imposible inadvertir la excelente factura de su ejecución, la transparencia y calidad de sus tintas y, en más de una de ellas, una cierta modernidad cuya audacia no encontramos en el resto de su producción. La serie de sus desnudos acuarelados, por ejemplo, evidencian una rotundidad de diseño cuyos ritmos alcanzan, por momentos, la plenitud de las formas" (1980, p. 8). Ventrillon figura en el diccionario de E. Bénézit. Publicó dos libros: Tratado de dibujo para biólogos (Caracas: Monte Ávila, 1973), texto que refleja su interés por la docencia así como su habilidad como dibujante, y Cícadas de Venezuela (1975); además ilustró Primores de navidad, de María Luisa Planchart (Caracas, 1952); Vivir, de Enrique González Rincones (Caracas: Talleres Tipográficos Stiges, 1955), y Técnicas quirúrgicas, de Francisco Rivero (Caracas: Condor, 1955). La GAN posee en su colección 13 obras de este artista, entre óleos, acuarelas, aguadas y guaches.

2 Exposiciones individuales

1946 "Exposición de 80 obras del pintor francés Ch. Ventrillon-Horber", MBA

3 Exposiciones póstumas

1977 "Retrospectiva-homenaje del profesor Charles Ventrillon-Horber", Galería Marcos Castillo, Caracas

1980 "Charles Ventrillon-Horber", GAN

1985 Galería Ocho Arte, Caracas

4 Premios

1918 Premio de desnudo, Academia Julian, París / Premio de torso desnudo, Academia Julian, París / Premio de retrato vestido, Academia Julian, París / Premio de composición, Academia Julian, París

1925 Mención de honor, primera categoría, Salón de Artistas Franceses

1930 Premio Eugène Thirion, Salón de Artistas Franceses

1931 Medalla de plata, Salón de Artistas Franceses

1943 Premio Pillini, Salón de Artistas Franceses

1947 Premio Arístides Rojas, VIII Salón Oficial

5 Colecciones

Colegio de las Hermanas Franciscanas, Caracas / GAN / MRE

6 Fuentes

- Bénézit, E. Dictionnaire critique et documentaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs, 2. París: Librería Gründ, 1976 (cuarta edición).

- Cinap, V 19.

- Da Antonio, Francisco. "Charles Ventrillon-Horber". En: Charles Ventrillon-Horber (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1980.

MGC

Vera León

José María

n. Caracas, 2.3.1874

m. París, 24.7.1926

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo del comerciante Santiago Vera y Guadalupe León. En 1887 figuraba, al lado de Pedro Zerpa, Cruz Álvarez García y Victoriano de Vicente Gil en la nómina de alumnos de la Academia de Bellas Artes, cuya dirección había sido encomendada a Emilio J. Mauri. En 1895 expone una Naturaleza muerta entre 150 obras de artistas mayores y jóvenes, en la muestra homenaje al centenario del nacimiento del mariscal Antonio José de Sucre, realizada en el Palacio Federal (El Tiempo, 23 de febrero de 1895), y en 1896 sus obras se destacan, junto con las de Pedro Zerpa y de Vicente Gil, entre los artistas jóvenes que exponen en la Apoteosis de Miranda (Martín Zuloaga y Tovar, El Tiempo, 6 de julio de 1896). Al ganar ese año con su obra El mendigo el primer premio del Concurso de Pintura de la Academia de Bellas Artes, fue pensionado por el Gobierno para seguir estudios en París, donde ingresó a la Academia Julian como alumno de Jean-Paul Laurens. En esa época realiza La confesión (1897, colección GAN). Al serle suspendida la pensión en 1899, decidió quedarse en París y para sufragar sus gastos se dedicó al trabajo de copista, especializándose en obras de maestros españoles, actividad en la cual se destacó. En 1904, 1912 y 1913 fue aceptado en el Salón de Artistas Franceses. En 1912 realiza Paisaje y en 1913 una Vista del Lido de Venecia; poco después, en 1918, se interesará por las vistas de Bretaña y realizará marinas. Aunque no fue miembro del Círculo de Bellas Artes, participó en las exposiciones del grupo: en 1913 en el I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes con Estudio de mujer, "serenamente bonita y mórbida, ensoñada en una pose tranquila" según Leoncio Martínez (El Universal, 10 de septiembre de 1913) y en 1914 en el II Salón Anual del Círculo de Bellas Artes con un paisaje de Luxemburgo (El Nuevo Diario, 5 de septiembre de 1914). Ese año fue designado cónsul de Venezuela en Suiza, pero al estallar la Primera Guerra Mundial viaja a España, país donde realiza Estampa sevillana (colección Berta Ramella de Báez). En 1917 regresó a Caracas y, en 1919, presentó una exposición individual con una centena de obras en la UCV, entre ellas su Dante, Infierno, canto XXIII, que fue expuesta en el Salón de París de 1913, Jesús sobre las aguas y copias de Velázquez, Van Dick y Tiziano. La revista Actualidades (15, IV, 11 de abril de 1920), hizo una extensa reseña de su obra antes de que regresara a París a comienzos de 1920. En 1924 pintó el retrato de Luis López Méndez, por encargo especial de la Cancillería venezolana. Su obra conocida (que abarca los temas de las naturalezas muertas, los interiores, los paisajes y los retratos) es escasa y ha sido expuesta en raras oportunidades; la más reciente fue en "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" (GAN, 1980). La GAN posee en su colección Entierro de Cristo, copia de Tiziano; Felipe IV de caza, copia de Velázquez; La confesión (1897), y Retrato de dama (1918). Parte de su legado fue reunido en "José María Vera León, del simbolismo al modernismo", exposición organizada en el Museo Arturo Michelena (Caracas, 2000), donde resaltaban las escenas de grupos y paisajes de ejecución rápida. Según Juan Calzadilla, una de las obras de Vera León, El purgatorio, colocada en 1910 en la Iglesia de La Candelaria (Caracas), fue arrancada y destruida por manos anónimas. Según consta en las actas del Registro Principal, Vera León fallece en París a los 52 años. Sus restos fueron trasladados a Venezuela e inhumados en el Cementerio General del Sur el 15 de noviembre de 1926. En Francia, Vera León "pudo recibir las influencias de Daumier y, posteriormente, la de los simbolistas, aproximándose a Puvis de Chavannes a comienzos de siglo, cuando expuso varias veces en el Salón de los Artistas Franceses. Su exposición presentada en Caracas en 1919 pasó inadvertida, a despecho de que Vera León había pintado algunas obras impresionistas, que mostró en esa oportunidad" (Erminy y Calzadilla, 1975, p. 48).

2 Exposiciones individuales

1919 UCV

3 Exposiciones póstumas

1927 Academia de Bellas Artes

2000 "Del simbolismo al modernismo", Museo Arturo Michelena, Caracas

4 Premios

1896 Premio de pintura, Academia de Bellas Artes

5 Colecciones

GAN / MRE

6 Fuentes

- Archivo Cementerio General del Sur, Caracas, Inhumaciones, XXIII.

- Archivo Registro Principal de Caracas, La Candelaria, Defunciones.

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Cinap, V 21.

- Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.

- José María Vera León, del simbolismo al modernismo (catálogo de exposición). Caracas: Museo Arturo Michelena, 2000.

- Nucete-Sardi, José. Notas sobre la pintura y escultura en Venezuela. Caracas: Ediciones González y González, 1957 (tercera edición). Primera edición en 1940.

AS

Vera

Eduardo

n. Caracas 27.8.1962

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Monumentos públicos 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Escultor. Hijo de Eduardo Vera y Marina Díaz. Entre 1986 y 1990 realiza estudios en la Escuela Cristóbal Rojas. Desde 1993 hasta la actualidad se desempeña como instructor en el área de escultura en el Taller Angelina Curiel del Conac. Entre sus participaciones en exposiciones colectivas se encuentran: el XVI Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay, 1991), la I y IV Bienal Nacional de Arte de Puerto La Cruz (Edo. Anzoátegui, 1991 y 1997), "Símbolos del centro" (IVIC, 1991), "Dialogo con Federico Brandt" (Los Espacios Cálidos, 1993), "Jardín de esculturas" (CIV, 1995), el XXVI y XXXIII Salón Juan Lovera (1996 y 2003), el III Salón del Reciclaje (Ateneo de Caracas, 1998), "Ensamblaje Arte y parte" (Sala Cultural Pdvsa, Puerto La Cruz, 1998), "39 artistas venezolanos" (Semana de la Cultura de Venezuela en Cuba, 1999), "Sendero de esculturas" (Unimet, 2000), "Concurso internacional de escultura monumental en nieve" (Québec, Canadá, 2001 y 2002) y la I Bienal de Escultura Trazos (Galería Trazos, Caracas, 2004). Eduardo Vera conjuga en sus piezas elementos naturales como la madera, el mármol y el hierro. "En sus trabajos, observamos como estos materiales se conjugan en composiciones que rebaten lo que podríamos llamar la lógica de pesos, volúmenes y texturas. Un tronco de madera que culmina siendo mármol, láminas gruesas de hierro (cuyo espesor y corte son simulaciones) que sostienen pesados trozos de mármol. De esta manera, Eduardo Vera llama nuestra atención hacia los materiales, mostrándonos sus propiedades, haciendo evidente su textura, su masa, su peso. Construyendo una poética de lo imposible" (Chacón, 1994).

2 Exposiciones individuales

1994 "Tres propuestas escultóricas", Galería La Florida, Caracas

1997 "Fiat Lux", Espacio Onírico, caracas

1997 "Alternativa 3", Sala Alternativa, Caracas

1998 "Piedra, metal y madera", Sala Alternativa, Caracas

3 Premios

1995 Primer premio de escultura, III Salón Cristóbal Rojas, Los Teques

1996 Premio Joven Artista, AVAP, Caracas

1997 premio pedro barreto, iv bienal de arte de Puerto la Cruz, Edo. Anzoátegui

4 Monumentos públicos

1996 Yubiwa, CIV

2000 Alfil, Unimet

5 Colecciones

Galería Municipal de arte moderno, puerto La Cruz / Gobernación del Estado Miranda, Los Teques

6 Fuentes

- Chacón, Katherine. Abstracción-figuración tres propuestas escultóricas (catálogo de exposición). Caracas: Galería de Arte Florida, 1994.

DJ

Veraméndez

Dionisio

n. Guarenas, Edo Miranda, 1.10.1936

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor autodidacta. Hijo de Narciso Veraméndez y Eduvigis Martínez. Creció en el seno de una familia numerosa y de escasos recursos económicos. Cuando tenía tres meses de edad sus padres se mudan a Petare (Edo. Miranda). Entre 1947 y 1948 asistió a la escuela, donde ganó su primer premio de pintura. Desde muy joven desempeñó numerosos oficios. En 1966 se acerca al Taller Libre de Arte, donde su director, Celso Pérez, lo anima a que se dedique a la pintura. Ese año participa en dos colectivas del Taller y al año siguiente realiza su primera individual en la Galería Bellini. En 1977 viaja a Francia en donde visita museos y galerías. La técnica que usa para elaborar sus obras es la del puntillismo, y la temática presente en su obra gira en torno al folclore venezolano, los motivos patrióticos y el anecdotario popular. Francisco Da Antonio señala que su producción se puede dividir en tres etapas: entre 1966 y 1968, cuando sus obras despliegan un colorido festivo y cálido; entre 1969 y 1972, cuando sus trazos se hacen más minuciosos y el cromatismo se atempera; y a partir de 1973, cuando el punto se engrosa y se distribuye sobre las sesiones de la tela para producir distintos efectos visuales. "Lo evocado por la pintura de Veraméndez se pone de parte de la naturaleza pura, no de la ciudad, puesto que el artista no pinta lo que ve sino lo que recuerda y añora su imaginación. Hasta su técnica es un ejercicio limpio y casto que evoca en sus apretados y casi infantiles paisajes montañosos la factura de un neoimpresionista, con sus densas y apretadas puntuaciones donde los colores brillan y se exaltan mutuamente siguiendo un dictado puramente intuitivo. El paisaje ondulante proporciona un telón de fondo a la fea y accidentada topografía de Petare, que los papagayos remontan como en una perpetua fiesta en sus cuadros" (Calzadilla, 1975).

2 Exposiciones individuales

1967 Galería Bellini, Caracas

1968 Galería Marcos Castillo, Caracas

1971 Galería Sans-Souci, Caracas

1976 Sala Horizonte, Caracas / Galería Carmelo Fernández, Caracas

1977 Galería Marchand de Arte, Caracas

1978 Galería La Saletta, Caracas

1983 Salón de Exposiciones, ME

3 Premios

1948 Segundo premio de pintura, Colegio Diego de Losada, Caracas

1968 Quinto premio, Salón de la Petroquímica, Caracas / Primer premio, concurso, Corporación de Fomento Turístico, Caracas

1970 Segundo premio, Certamen Valores Pictóricos del Municipio Sucre, Concejo del Municipio Sucre, Petare, Edo. Miranda

1971 Mención honorífica, Salón de Pintura, Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas

1975 Diploma, Salón de la Plástica Joven, Instituto de Petroquímica, Caracas

1976 Mención honorífica, Salón de la Escuela Naval de Venezuela, Catia La Mar, Edo. Vargas / Mención de honor, I Salón de Pintura de la CAVN, Caracas

4 Fuentes

- Calzadilla, Juan. Pintores venezolanos del común. Caracas: CANTV, 1975.

- Cinap, V 22.

- Da Antonio, Francisco. "Dionisio Veraméndez: ¿un pintor retinal?". En: Dionisio Veraméndez (catálogo de exposición). Caracas: Galería Carmelo Fernández, 1976.

- Da Antonio, Francisco. El arte ingenuo en Venezuela. Caracas: Shell de Venezuela, 1974.

MACA

Verenzuela

Oswaldo [Enrique]

n. Caracas, 14.4.1947

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Grabador y escultor. Hijo de Julia Barroso y Rafael Verenzuela. Realizó estudios en la Escuela Cristóbal Rojas (1963-1968). Participó en el proyecto de alfabetización y educación de adultos de la OEA en países del Caribe (1972-1973), bajo la guía de Félix Adams. Durante los años setenta, formó parte de agrupaciones organizadas para la difusión y enseñanza de las artes gráficas, como el Centro Gráfico (Caracas); el Cegra, en el cual interviene en sus inicios, y posteriormente, en 1976, el TAGA. En 1977 obtiene una mención honorífica en el I Salón Nacional de Grabado en el Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández (Alcaldía de Maracaibo) con Blanco 69. Desde 1992 conforma junto a un grupo de artistas el Taller de Artes Gráficas El Thaller, donde desarrolla la enseñanza del grabado y participa en exposiciones conjuntas que anualmente organizan maestros y discípulos. Su investigación plástica se expresa originalmente en las formas y relieves que exentos de color surgen sobre el soporte blanco del papel. Su trabajo se fundamenta en el movimiento ocasionado por la línea que construye diferentes planos, y en el volumen creado para desdoblar la luz en el espacio. El color es proporcionado por la naturaleza de los materiales empleados, pues, aunque aplica ocasionalmente tintas en sus grabados, su interés esencial es "atrapar la luz, dominarla; y luego sobre la superficie diseminarla o sectorizarla; para dejar testimonio de su total existencia" (Suárez, 1981). Como escultor, parte de la superficie bidimensional de tablones de madera (usualmente caoba), que labra y horada para alcanzar distintos planos sucesivos donde los relieves dan lugar a gradaciones lumínicas y de movimiento. Actualmente realiza nuevas experiencias en las que utiliza el yeso como medio, el mármol y la madera. En conjunto, su obra presenta un carácter orgánico que el artista relaciona con elementos de la naturaleza, por ejemplo, las composiciones de suaves curvas y formas ondeantes las clasifica como serie Agua, y aquellas en las que aparecen múltiples líneas dinámicas en ascenso y descenso a modo de llamas son agrupadas en la serie Fuego. Actualmente es profesor de grabado en la Escuela Cristóbal Rojas. La GAN posee en su colección grabados representativos de Verenzuela realizados entre 1976 y 1981, entre ellos Blanco 40 (intaglio, 1977).

2 Exposiciones individuales

1980 Sala de la Caja de Ahorros de Asturias, España / Club Internacional de Prensa, Madrid / Estación de tren, Burdeos, Francia / Galería Étoile du Sud, París / Museo del Folklore, Roma

1981 Casino de Navia, España / Centro Internacional de Prensa, Madrid

3 Premios

1977 Mención honorífica, I Salón Nacional de Grabado, Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

1981 Primer premio, II Salón Nacional de Grabado, Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández, Alcaldía de Maracaibo

4 Colecciones

BCV / BN / Casa de la Cultura, Varsovia / GAN / MAO / Museo de Arte Contemporáneo, San José de Costa Rica / Museo de Gráfica Omar Rayo, Roldanillo, Colombia

5 Fuentes

- Cinap, V 83.

- Suárez, Marina. "Oswaldo Verenzuela o la supremacía del blanco". En: Suplemento Cultural de Últimas Noticias. Caracas, 13 de diciembre de 1981.

CL

Verkaik

Kees

n. Amsterdam, 15.7.1942

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Libros ilustrados 4 Fuentes

1 Vida y obra

Ilustrador. Hijo de Leen Verkaik y Jo Hypken. Realizó estudios en la Escuela de Artes Gráficas de Amsterdam (1956-1961) y fue instructor en la Famous Art School de Amsterdam (1967-1970). En 1973 se radica en Venezuela, luego de una larga travesía de dos años navegando por el Atlántico, junto a su esposa Tineke. Ilustrador de El Diario de Caracas (1980-1985), son notables los dibujos sobre caballos que realizara para el suplemento hípico y que fueron motivo de una exposición en 1985 en la Galería Félix (Caracas). Ha dejado innumerables dibujos en revistas institucionales, ilustraciones en periódicos y portadas para libros de textos escolares. En su producción está manifiesto el inconfundible estilo de su dibujo suelto a plumilla o a lápiz con sólo algunos planos o zonas específicas que cubre con colores a la acuarela, lo que les da la sensación de dibujos inconclusos o bocetos. En los almanaques Curazao Stichting Monumenten Fonds Aruba y Zoutmanstraat 1 Oranjestaat, Aruba (1999), introdujo colores más intensos cubriendo mayores superficies. Actualmente realiza una serie de dibujos para el IPC sobre arqueología y Venezuela prehispánica. Ha participado en exposiciones colectivas como II Salón de Arte Centro Plaza (Caracas, 1974), "Exposición de dibujos actuales" (Concejo Municipal del Distrito Federal, Caracas, 1979) y II Bienal Nacional de Dibujo y Grabado (Museo de Arte La Rinconada, 1984).

2 Exposiciones individuales

1975

Galería Banap, Caracas

Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1982

"París en Caracas", Galería Euro Arte, Caracas

1984

"Acuarelas y dibujos", Galería Félix, Caracas

1985

"Carreras de caballos", Galería Félix, Caracas

1988

"Acuarelas y dibujos de Venezuela", Galería Félix, Caracas

3 Libros ilustrados

1971 Venezuela suya, de Aquiles Nazoa. Caracas: Corporación de Turismo de Venezuela

1974 Fauna de Venezuela y su conservación, de Eduardo López de Ceballos. Caracas: Editorial Arte

1975 Panorama de una empresa, de IBM de Venezuela. Caracas: Editorial Arte

1976 Caracas para todos, de Gabriel Rodríguez. Caracas: CSB

1977 Un hombre diáfano, de J.L. Salcedo Bastardo. Caracas: Cultural Venezolana

1978 Arquitecturas de Villanueva, de Juan Pedro Posani. Caracas: Lagoven

1978 Cristóbal Colón sueña a América, de Gabriel Rodríguez. Caracas: Editorial Arte

1982 Mi cocina, de Armando Scannone. Barcelona: Caspe 172

1993 Encuéntrame: fiestas populares venezolanas, de Ernesto Ruiz. Caracas: Ekaré

4 Fuentes

- Cinap, V 84.

- Consalvi, Simón Alberto. Kees Verkaik: acuarelas y dibujos de Venezuela (catálogo de exposición). Caracas: Galería Félix, 1988.

RS

Vestrini

Renzo

n. Florencia, Italia, 22.5.1906

m. Maracaibo, 29.10.1976

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo del agrónomo Gino Vestrini y María Bianca Lori. Su infancia transcurre en los alrededores de Livorno (Italia). En 1917 inicia estudios de pintura junto al artista Tomassi, a quien abandona después de cuatro años. Fue deportista destacado, llegando a participar en las Olimpiadas de Amsterdam (1928), en las competencias de remo. Estudia ingeniería en Roma y Pisa (Italia); al graduarse, trabaja junto a su padre en la dirección de obras de ingeniería en los puertos de Cannes, Toulon y Bastian (Córcega), en Francia. Entre 1933 y 1937 participa en algunas muestras colectivas, en el Grupo Labronico (Livorno, 1933) y el Salón Anual de Toulon (1936 y 1937). Vive en París entre 1938 y 1940, año en el cual se radica en Marsella (Francia) y forma parte del Grupo de los 5, con Embrogiani, Serra, Ferrari, Mandini y Seyssand. En 1946 participa en el Salón Anual de Marsella y al año siguiente se traslada junto con su esposa y sus tres hijas a Venezuela y se instala en la localidad de Betijoque (Edo. Trujillo), donde continúa pintando. Vive en otras ciudades como Valera (Edo. Trujillo) y Maracaibo. En esta última realiza obras de construcción como la Iglesia del Padre Claret, la Iglesia de los Olivos, el edificio de la CVP, el Centro América y el puente España. La obra de Vestrini fue figurativa hasta 1950, cuando empieza a desarrollar una etapa informalista con predominio del color (1952-1960). De esta etapa destaca su participación en el salón "Espacios vivientes" (Palacio Municipal, Maracaibo, 1960). Pionero del informalismo en Venezuela, Vestrini expuso durante este período en más de 15 colectivas, entre ellas el XIII Salón Arturo Michelena (1955), el Salón D'Empaire (1957-1960), en el Palacio Municipal (Maracaibo, 1958 y 1959) y el Salón Anual (La Habana, 1960). En 1960 inicia una nueva etapa, con nuevos materiales y colores, para desarrollar un informalismo matérico (1960-1963). En este período participa en el Salón Anual de Nueva York (1961). Entre 1962 y 1963, forma parte del grupo 40 Grados a la Sombra y fue jurado en el Salón D'Empaire. En 1963 se establece en un pequeño pueblo de la región toscana (Italia). De esta época es su participación en el Salón Giraldi (Livorno, 1965). En 1970 realiza obras dentro del expresionismo rítmico. Utilizó mecates, cuerdas e hilos para lograr formas abstractas tejidas donde predomina el ritmo. En 1972 retorna a Venezuela y se residencia en Puerto La Cruz por casi cuatro años. En el último período de su trayectoria artística (1971-1976), su propósito fue crear materia con el color. En 1976 regresó a Maracaibo, donde muere ese mismo año. Sobre este artista, Carlos Contramaestre escribió: "Vestrini, sin duda fue un pionero con extraordinaria intuición creadora, que vivió en la provincia cultivando una pintura muy lejana al conformismo existente. Sus investigaciones y hallazgos de la materia las realiza en la misma época en que Fautier estaba dedicado a penetrar en el magma, como resultado de sus primeros Ottages, y que diera lugar al movimiento informalista" (1982).

2 Exposiciones individuales

1937 Galería Etienne, Toulon, Francia

1951 Club Shell, Lagunillas, Edo. Zulia

1955 Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Galería-librería Sardio, Caracas

1957 Galería-librería Sardio, Caracas / Centro Profesional del Este, Caracas

1959 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1960 Galería Chaudum, París / Galería Monte Napoleone, Milán / Galería San Giorgio, Venecia

1961 "Retrospectiva", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1962 Galería G, Caracas / Galería 40 Grados a la Sombra, Maracaibo

1963 Galería Monteleone, Milán

1967 Galería San Marco, Venecia

1968 Galeria Giraldi, Livorno, Italia

1970 Galería Monteleone, Milán

1971 Galería Banap, Caracas

1972 Galería Banap, Caracas

1973 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1974 Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui / Galería Portobello, Caracas

1975 Galería Gaudí, Maracaibo / Galería Banap, Caracas

1976 Centro de Bellas Artes, Maracaibo

3 Exposiciones póstumas

1977 Colegio de Abogados, Maracaibo / Galería La Otra Banda, Mérida

1978 "Retrospectiva", Galería Montecarlo, Maracaibo

1979 Galería de Artes Visuales, LUZ

1986 "Retrospectiva", Museo de Arte Colonial, Espacio Alterno, Mérida

4 Premios

1957 Mención honorífica, IV Salón D'Empaire / Premio Energía Eléctrica de Venezuela, IV Salón D'Empaire

1958 Premio Sociedad de Fomento, V Salón D'Empaire

1960 Segundo premio, VII Salón D'Empaire

5 Colecciones

Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / Mamja

6 Fuentes

- Cinap, V 23.

- Contramaestre, Carlos. Retrospectiva (catálogo de exposición). Mérida: Museo de Arte Colonial, 1986.

MACA

Vicente Gil

Victoriano de

n. Soria, España, h. 1866

m. Caracas, 10.9.1939

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Victoriano de Vicente y Tomasa Gil. Llegó a Caracas en 1881. Inició sus estudios de dibujo en la UCV para luego continuarlos, en 1887, en la Academia de Bellas Artes, dirigida para ese momento por Emilio J. Mauri. Fueron sus compañeros de estudio Pedro Zerpa, José María Vera León y Cruz Álvarez García. Compartió su interés por la pintura con la música, ya que formó parte de la estudiantina enviada a Nueva York en 1889, en la cual tocaba la bandurria. En 1892 realiza el retrato en creyón de Diego Bautista Urbaneja (colección GAN) y en 1895 el Retrato de mujer, sobre paleta, una foto montada y sobrepintada (colección GAN). Fue colaborador de El Cojo Ilustrado desde el 15 de enero de 1894; sus dibujos al creyón fueron muy celebrados y los expuso en 1895 en la exposición homenaje al centenario del nacimiento de Antonio José de Sucre, donde incluyó flores (El Tiempo, 23 de febrero de 1895), y en 1896 en la Apoteosis de Miranda, en la cual sobresalió entre los artistas más jóvenes (Martín Zuloaga y Tovar, El Tiempo, 6 de julio de 1896). De Vicente abrió un taller de fotografía y fue en este ramo colaborador de El Cojo Ilustrado (1 de febrero de 1898). No sólo su pintura estaría influenciada por la técnica fotográfica sino que incluso practicó la técnica de incluir y alterar fotografías en el espacio pictórico. De Vicente tenía su taller fotográfico en la esquina de Las Marrones, donde realizó el retrato de José Pachano de la Plaza en 1898 (colección Carlos Eduardo Misle). En 1899, la prensa reseña los retratos al óleo y a tinta del doctor Andrés J. Vigas, de "parecido admirable" (El Tiempo, 7 y 27 de abril de 1899), y cuando Cipriano Castro entra con sus tropas a Caracas el 22 de octubre, De Vicente Gil realiza su retrato, reproducido en El Cojo Ilustrado el l de noviembre de 1899. En 1901 dirigía con Cruz Álvarez García el taller de grabado del diario El Pregonero, donde dibujaba facetas de la vida caraqueña. Ese mismo año fue subdirector de la Academia de Bellas Artes, y en 1902 sustituyó a Mauri en la dirección, cargo en el que permaneció hasta 1904. En la Academia creó la cátedra de paisaje que luego regentará Pedro Zerpa. Ya desde 1901, El Cojo Ilustrado (15 de octubre) celebraba "los modelos inagotables de la naturaleza" que interesaban a De Vicente, reproduciendo en sus páginas sus paisajes de San Bernardino (1 de enero de 1900) y Anauco, Sabana del Blanco y Gamboa (1 de noviembre de 1901). En 1906 se encuentra en Europa perfeccionando sus estudios en la Academia Julian, época en que realiza su Amor campesino (colección Círculo Militar), mientras El Cojo Ilustrado reproduce sus Leñadores (1 de enero de 1906). En 1925 viaja a Italia y a Buenos Aires, y regresa a Venezuela poco después. Al año siguiente expone 34 cuadros "de intensa fuerza expresiva" (El Nuevo Diario, 28 de julio de 1926) en el Club Maracay (Maracay), luego, en Caracas, paisajes de España, Francia, Argentina y Venezuela. Ese mismo año publica un ensayo sobre Arturo Michelena en la revista Cultura Venezolana (nº 62, enero-febrero). En 1935 expuso retratos en Caracas (Billiken, 1 de agosto de 1935). De Vicente falleció en Caracas a los 73 años, según consta en los libros del Cementerio General del Sur. Uno de sus cuadros, Los leñadores o Amor campesino, que perteneció a la colección del antiguo MBA, se encuentra actualmente en la colección Círculo Militar.

2 Exposiciones individuales

1926 Club Maracay, Maracay

3 Colecciones

Círculo Militar / GAN

4 Fuentes

- Academia Nacional de Bellas Artes. Documentos relativos a la solemne inauguración de este instituto verificada el 2 de octubre de 1887. Caracas: Imprenta y Litografía del Gobierno Nacional, 1887.

- Archivo Cementerio General del Sur, Caracas, Inhumaciones, XXVII.

- Archivo Registro Principal de Caracas, La Candelaria, Defunciones.

- Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.

- Cinap, G 12.

- Misle, Carlos Eduardo. Venezuela siglo XIX en fotografía. Caracas: CANTV, 1981.

- Primer libro venezolano de literatura, ciencias y bellas artes, 2 vv. Caracas: Tipografía El Cojo-Tipografía Moderna, 1895.

- Vigas, Andrés J. "V. Vicente Gil, sub-director de la Escuela de Bellas Artes". En: El Cojo Ilustrado. Caracas, 15 de octubre de 1901, pp. 639-640.

AS

Vidal Fourset

Miguel

n. Francia, h. 1871

m. Caracas, 28.2.1907

1 Vida y obra 2 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo de S. Vidal y Mariana Fourset. No se conocen obras suyas. En 1907 se propuso reunir a los representantes de la prensa capitalina para realizar un retrato de grupo que las divergencias del gremio no permitió (El Bazar, 18 de enero de 1907). Vidal falleció ese año, a la edad de 36 años, como registran los libros del Cementerio General del Sur.

2 Fuentes

- Archivo Cementerio General del Sur, Caracas, Inhumaciones, XVII.

- Archivo Registro Principal de Caracas, San Juan, Defunciones.

- Dorronsoro, Josune. Significación histórica de la fotografía. Caracas: Equinoccio, 1981.

AS

Vidal Orozco

Marcelo

n. Caracas, 26.4.1889

m. Caracas, 5.5.1943

1 Vida y obra 2 Exposiciones póstumas 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo de Ramón Vidal y Manuela Orozco, ambos de origen español. Recibe su formación artística en la Academia de Bellas Artes, donde es alumno de Emilio J. Mauri y de Antonio Herrera Toro. En 1912 forma parte del Círculo de Bellas Artes y participa con estudios en sus exposiciones y salones: en la exposición preliminar de enero de 1913; en el I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas) de septiembre de 1913, donde expuso una "mancha" (El Universal, 10 de septiembre de 1913); en el II Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas) de septiembre de 1914 con una "mancha" y un interior (El Nuevo Diario, 5 de septiembre de 1914), y en septiembre de 1915 en el III Salón Anual del Círculo de Bellas Artes (Teatro Calcaño, Caracas), con el conjunto más copioso de la exposición, obras que, según Leoncio Martínez, daban la idea "mejor que de simples estudios violentos, de una pintura sintética, que aprecia los grandes planos de color y los fija con instintiva seguridad" (La Revista, 26 de septiembre de 1915). En su época temprana realiza varios retratos, entre los cuales destaca Retrato de mi padre (1909, colección Josefina Vidal), por su especial tratamiento plástico, en el que se evidencia un alejamiento del academicismo imperante de la época. Posteriormente incursiona en el tema del paisaje, el cual no abandonará en adelante, prefiriendo los de Macuto, Catia, San Bernardino y del valle de Caracas. En sus primeros paisajes predomina una paleta rica en tonalidades ocres, tierras y sepias, como lo podemos apreciar en Paisaje (entrada a Baruta) (1915) y Paisaje (fábrica de pólvora, El Polvorín, Catia) (1915, colección Gustavo Planchart), ambos óleos sobre tela. En 1917, al igual que sus compañeros del Círculo de Bellas Artes, conoce los postulados impresionistas europeos, traídos a Venezuela por Samys Mützner y Nicolás Ferdinandov y ratificados posteriormente en 1919 con la presencia de Emilio Boggio en Caracas. A partir de entonces su producción experimenta un cambio; se interesa por estudiar los efectos lumínicos del trópico, e incrementa su paleta con tonos violetas, con lo cual imprime a su obra un sello personal bastante alejado del verismo tan caro a sus compañeros del Círculo. Muestra de ello son obras como Paisaje (1920, colección GAN) y Mar al atardecer (sin fecha, colección Mario Rossi). En 1925 realiza su único viaje a Europa. Resulta difícil precisar el momento en que Vidal se aleja del oficio pictórico, lo cierto es que ya a mediados de la década de 1920 su producción artística disminuye notablemente hasta el inicio de los años cuarenta. A su regreso de Europa el artista se dedica a gerenciar la fábrica de pólvora de su familia, ubicada en lo que se conoce como El Polvorín, en Catia (Caracas). Ya en los primeros años de la década de los años cuarenta retoma la pintura, y de esta nueva etapa en su obra se conoce una serie de paisajes marinos, donde frecuentemente se encuentra al velero como protagonista principal. De esa época es Marina —con barco— (óleo sobre cartón, 1943, colección GAN). Participa en el II y III Salón Oficial (1941 y 1942). Marcelo Vidal fallece en Caracas en 1943, víctima de un ataque al corazón cuando regresaba de una jornada de trabajo pictórico en el litoral central. En 1944, en el marco del V Salón Oficial, le fue rendido un homenaje póstumo, en el cual fueron expuestas 22 de sus obras. Enrique Planchart comenta acerca del artista: "para sus comienzos pintaba […] en tal forma que recuerda su inmediata ascendencia española, por su vigorosa simplificación en grandes planos de color al tratar el natural como puede verse en sus dos paisajes de Catia [Capilla de Catia, 1908 y Carretera de Catia, 1909], sin embargo tal simplificación es resultado de un instinto seguro del color, puesto de manifiesto en su habilidad para evitar la monotonía, mediante una especie de abundancia al modelar con la pincelada y en el contraste establecido, no sólo entre los tonos mismos, sino además entre ése como dibujo interno y la sencillez de contornos de los objetos representados" (1956, p. 208). La última etapa del pintor ha producido menos entusiasmo en la crítica: "Vidal ensayó volver a la pintura en los últimos años y comenzó a trabajar en una serie de marinas, mientras pintaba en el litoral, pero ya era tarde, su obra escasa pero sensible, como correspondía a su talento, ya estaba concluida" (Erminy y Calzadilla, 1975, p. 75).

2 Exposiciones póstumas

1951 "Marcelo Vidal. Exposición retrospectiva de su obra", Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas

3 Premios

1908 Mención honorífica, Academia de Bellas Artes

4 Colecciones

GAN / Museo Arturo Michelena, Caracas / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas

5 Fuentes

- Archivo Registro Principal de Caracas, La Candelaria, Defunciones.

- Cinap, V 25.

- Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.

- López Méndez, Luis Alfredo. El Círculo de Bellas Artes. Caracas: Inciba, 1969. Segunda edición en Caracas: Editora El Nacional, 1976.

- Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.

- Planchart, Enrique. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979.

- Semprum, Jesús. Visiones de Caracas y otros temas. Caracas: CVF, 1969. Primera edición en 1913.

MCh

Vielma Vielma

José Ignacio

n. Mérida, 1.2.1950

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo, pintor, grabador y escultor. Hijo de Luvin Vielma y Julia Vielma. Realizó estudios en la Escuela de Pintura Cristóbal Rojas (Barinas, 1962-1965) y en la Escuela Arturo Michelena (1965-1969); fueron sus maestros Luis Guevara Moreno, Luis Chacón y Braulio Salazar. En 1971 ingresa en el Centro Gráfico del Inciba, donde permanece hasta 1974. A partir de 1975 comienza a interesarse por la fotografía y realiza cursos y talleres en el Instituto Neumann (1976-1978). Desde 1980 se establece en Barinas, donde ha continuado su trabajo fotográfico iniciado en los pueblos del sur del Edo. Mérida, gracias al diario contacto con el medio rural. Carlos Contramaestre se manifestó así sobre Vielma: "el ojo aguzado del artista se ha detenido no para congelar la imagen y detenerla en el tiempo, sino para entregarle el brillo de la luz cambiante, los gestos vitales o la espesura de una pátina, que habla de pasados y presentes que habitan sin violencia la retina en busca de lo real. Resulta difícil para un fotógrafo que trabaja con la imagen, lograr hacer resaltar otros valores intrínsecos aunque invisibles al mismo proceso y que de manera automática determinen la expresión y sentido verdadero de esa búsqueda" (1980). En las fotografías de Vielma, los ángulos elegidos por él seducen al espectador, con un aire primitivo que se desprende de la policromía y que envuelve a los personajes, que aparecen como devueltos a la vida. Estos aspectos de las fotografías de Vielma se valoran aún más con lo que su ojo testimonia desde perspectivas originales, una suerte de mundo marginal ligado a las costumbres y festividades populares que marcan el alma de los campesinos. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, entre ellas, el VII Salón de Arte de Occidente (Mérida, 1987), XV Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay, 1990), la I Bienal Internacional de Arte (Mérida, 1992) y "Fotografía contemporánea de Venezuela" (La Habana, 1995).

2 Exposiciones individuales

1969 Instituto de Orientación en Arte, Caracas

1980 "José Ignacio Vielma. Fotografías", Coordinación de Actividades Culturales, Facultad de Humanidades, ULA

1981 Concejo Municipal, Barinas

1987 Centro de Bellas Artes, Guanare

1989 Museo de Arte de Maracay

1992 "Indios, llaneros y travesados", Academia de Historia, Arauca, Colombia

1993 "José Ignacio Vielma. Fotografías", Biblioteca Central Luis Fadul Hernández, Barinas / "Indígenas del estado Apure", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1994 "Retrospectiva", Museo Alberto Arvelo Torrealba, Barinas

2000 "Petroglifos de Barinas", Casa Simón Bolívar, La Habana

2003 "Los antiguos símbolos sagrados", Museo Arqueológico, ULA / "Foto fija de la película El Carrao", Teatro Teresa Carreño, Caracas

2004 "19 escritores barineses", Galería Universitaria de Arte, Unellez / "Llanos, horizontes de hierbas. Fotografías de José Ignacio Vielma", Ateneo de Caracas

3 Premios

1963 Primer premio, "Centenario de Arturo Michelena", Liceo O'Leary, Barinas

1968 Mención de honor, "Exposición de fin de curso", Escuela Arturo Michelena

1984 Premio estímulo en pintura, Salón Julio T. Arze

1987 Tercer premio de escultura, VII Salón de Occidente, Corpoandes

4 Colecciones

BN / Casa de las Américas, La Habana / Casa Simón Bolívar, La Habana / Museo Alberto Arvelo Torrealba, Barinas / Museo Arqueológico, ULA

5 Fuentes

- Contramaestre, Carlos. "La intangible poesía". En Fotografías de Ignacio Vielma (catálogo de exposición). Mérida: Facultad de Humanidades, ULA, 1980.

ENA-GPV

Vigas

Oswaldo

n. Valencia, Edo. Carabobo, 4.8.1926

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Hijo del doctor José de Jesús Vigas y Nieves Linares. En 1936, muere su padre y vive alternativamente en Valencia, Tinaquillo y, de 1941 a 1946, en Guacara (Edo. Carabobo). Durante esos años, a la par de sus estudios primarios y secundarios, realiza sus primeras pinturas, dibujos e ilustraciones. En 1942 obtiene su primera distinción al ilustrar un libro de poesía en el I Salón de Exposición de Poemas Ilustrados, organizado por el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo). Al año siguiente, en esa misma institución, realiza su primera exposición individual, en la que expone paisajes, bodegones, flores y motivos de carácter fantástico. En 1943 obtiene la medalla de honor en el I Salón Arturo Michelena con Hojas rojas. Las obras de este período evidencian su interés por el cubismo, sin abandonar la representación figurativa. En 1945 se traslada a Mérida a estudiar medicina en la ULA. En esta etapa participa activamente en la vida cultural de la universidad, realiza ilustraciones para la revista Tribuna Universitaria y forma parte del grupo fundador del Ateneo de Mérida. En 1949 se muda a Caracas para continuar la carrera de medicina en la UCV. Se integra al grupo del Taller Libre de Arte y junto con otros artistas funda la revista Taller. En este período la figura humana es el centro temático de su pintura. A diferencia de Wifredo Lam, con quien se le asocia, Vigas se inclinó entonces por un trazo agresivo y el raspado como expresión plástica, dejando en ocasiones áreas de la tela sin tocar. Para estos años trabaja su serie Las brujas, síntesis visual proveniente de las vanguardias artísticas de comienzos de siglo con la estética de las culturas precolombinas. "Los componentes de hechicería que ingresan como valor trascendental en la pintura de Oswaldo Vigas, están más en sus atmósferas que en sus alusiones figurativas. Lo sombrío de sus climas plásticos, sus invenciones formales, geométricas y a un tiempo orgánicas, óseas a la vez que musgosas; sus desoladas nocturnidades, recogen la imagen de la tierra a la manera mítica en que la teme el animismo colectivo" (Nazoa, 1970). En 1952 obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas con Gran bruja (colección Lagoven) y el Premio Arturo Michelena con Mujer maternal (colección Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo).

Al año siguiente se establece en París, trabaja en el taller de litografía de Marcel Jaudon en la Escuela Superior de Bellas Artes y toma cursos libres de historia del arte en La Sorbona. Este año es invitado a tomar parte en el proyecto de la síntesis de las artes para la Ciudad Universitaria de Caracas, para la cual realizó cinco murales (Edificio del Rectorado y Plaza del Rectorado). A finales de 1953 predominaban en sus creaciones los colores oscuros, materia más densa, dibujo más acentuado, y formas cada vez más abstractas como en Edificaciones (colección GAN, 1954). En 1955, comisionado por el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo), organiza desde Francia la participación del grupo de artistas venezolanos residentes en Francia y de artistas de la escuela de París en la "Exposición internacional de pintura" (Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo). En 1957 regresa a Venezuela y expone en la Sala Mendoza; para esa época realiza una serie de "objetos", pinturas geométricas de acabado gestual que rememoran las formas contundentes del arte prehispánico. Al año siguiente vuelve a París como agregado cultural de la Embajada de Venezuela y coordina la publicación de la revista Señales (hasta 1962). Fue comisario por Venezuela en la XXXI Bienal de Venecia en 1962. Durante ese período incursiona en el informalismo matérico y realiza una serie de aguafuertes con la técnica del agua de azúcar. En 1964 regresa a Venezuela y la UC edita una monografía sobre el artista escrita por el crítico noruego Karl K. Ringström. Ese año recibe nuevamente el Premio Arturo Michelena con una obra de tendencia informalista, Parameras. Su experiencia informalista enriquece su reencuentro con la figuración y a mediados de los años sesenta retoma las formas esenciales de sus brujas en una serie de "personagrestes", ejecutada con pinceladas violentas y carga matérica, interrumpida brevemente a finales de la década por un retorno a la abstracción. En 1965 es nombrado director de cultura de la ULA y junto a Juan Astorga trabaja en la creación del Mamja.

A partir de 1970 se establece en Caracas y reanuda su trabajo en las series María Lionza y Señoras. Es nombrado director de la División de Arte del Inciba en 1971. A comienzos de 1972 viaja a Estados Unidos y se dedica a desarrollar un conjunto de serigrafías. A su regreso, en este mismo año, renuncia a su cargo en señal de protesta por las censuras que el Estado impuso en el I Salón de Gráficas y Dibujo en el Centro de Bellas Artes de Maracaibo, cuya realización debió ser suspendida. De 1974 a 1975 forma parte de la Comisión Preparatoria y Organizadora del Conac. En 1976 es nombrado miembro de la Junta Asesora del MBA y de la GAN, que empieza a funcionar en mayo de este año bajo la dirección de Manuel Espinoza. En 1978 forma parte del comité organizador del I Encuentro Iberoamericano de Críticos de Arte y Artistas Plásticos. En 1979, la GAN realiza una muestra antológica de su obra realizada entre 1943 y 1977. En 1981 se incorpora al grupo Proposición 20, y exhibe en el MBA tapices diseñados por él y ejecutados en los talleres de St. Cyr (Francia). Ya en 1971, el artista había realizado trabajos de este tipo en talleres de Portugal y Francia, los cuales continúa posteriormente con tapices tejidos por artesanos de Toluca (México) y después con un conjunto realizado en España. Paralelamente ejecuta numerosas piezas en cerámica: relieves en placas de refractario y gres, moldes para platos, óxidos a la parafina bajo cubierta, etc. "En las cerámicas de Oswaldo reaparecen no pocos de los seres fantásticos que ocupan todo el espacio de sus pinturas, tapicerías y gráficas, pero ahora reducidas a la dimensión de un talismán" (Pineda, 1981). Supervisa la ejecución de un relieve-mural en gres encomendado por el Ateneo de Caracas y en 1983 realiza guaches y gráficas, inspiradas en Simón Bolívar. En 1985 presenta sus primeras esculturas en bronce, consecuencia de las experiencias en cerámica de inicios de los ochenta. En 1986 trabaja en torno al tema de la crucifixión (a partir de bocetos que se remontaban a los años cincuenta), la paz, la madre, el niño y los pájaros. El espacio en la obra de Vigas comienza a poblarse de signos y formas no figurativas, a partir de planos irregulares que se orientan hacia composiciones geométricas cada vez más lineales pero de un carácter gestual. "Rectángulos y cuadrados están interceptados por barras pronunciadas que recuerdan a Hartung, incluso por el aspecto monocromático de estas composiciones, pues Vigas alcanza la plenitud de este período con telas resueltas en base a blanco y negro, de sugerencia gráfica. Es evidente que sigue habiendo aquí un clima sugerente, una atmósfera degradada que aleja a estas obras de la concepción puramente planística, propia del abstraccionismo geométrico" (Rodríguez, 1980).

En 1990 el MACCSI organizó una retrospectiva con más de 200 obras entre pinturas, esculturas, tapices, cerámicas, joyas y artesanía. En ocasión de esta muestra, la compañía Lagoven produce para su serie Cuadernos el cortometraje dedicado a la vida y obra del artista, Oswaldo Vigas: renovación en el origen. Este mismo año es invitado a Montreal (Canadá) y participa en la muestra "Latinartca 63: maestros del arte latinoamericano contemporáneo". En 1990 se publica un nuevo libro sobre la obra de Oswaldo Vigas, con textos del crítico francés Gastón Diehl. En 1992 viaja a Mónaco y participa en el XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo, donde recibe el primer premio con Crucifixión VII. En 1993, en el Palacio de la Moneda de París, organiza la muestra "Vigas desde 1952 hasta 1993", que reúne alrededor de 137 creaciones entre pinturas, guaches, esculturas, cerámicas y dibujos. En 1995 expone en "Tapicerías de hoy sobre muros de antaño" (Francia y Tokio), un tapiz realizado con ocasión de los Juegos Panamericanos de Caracas (1982). En 1996, la muestra "Oswaldo Vigas: un hombre americano" es presentada en la Casa de las Américas de La Habana con motivo del tercer aniversario de la Casa Simón Bolívar. En 1999 es homenajeado en la séptima edición de FIA. Actualmente sus pinturas tienden a la simplicidad, con algunos toques de color y grandes zonas de tela sin tocar. De su trabajo, la GAN posee en su colección un significativo número de obras datadas entre 1957 y 1987.

2 Exposiciones individuales

1942 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1943 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1945 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1946 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1952 "Oswaldo Vigas: 1946-1952", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Instituto Nacional de Puericultura, Caracas / "Oswaldo Vigas: 1946-1952", MBA

1954 Galería Cuatro Vientos, Caracas

1956 "Blanc et Noir", Galería La Roue, París

1957 Museo de Arte Contemporáneo, Madrid / Galería de Arte Contemporáneo, Caracas / "Oswaldo Vigas: 1952-1957", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Oswaldo Vigas: 1953-1957", Sala Mendoza / "Oswaldo Vigas: 1952-1957", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1958 "Blancos y negros", Sala Mendoza

1961 "Peintures récentes", Galería La Roue, París

1963 Galería Neufville, París

1964 "Oswaldo Vigas, pinturas de los años 1960-1964", Sala Mendoza / Galería Prisma, Instituto Gómez Cardiel, Cumaná / Ateneo de Caracas / ULA / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1965 "Oswaldo Vigas: pinturas de los años 1960-1964", Casa de la Cultura, Maracay / "Oswaldo Vigas: pinturas de los años 1960-1964", Centro de Bellas Artes, Maracaibo

1966 "Las brujas, árbol genealógico", Galería XX2, Caracas

1967 "Vigas: pinturas 1965-1967", Sala Mendoza / "Venezuelan Witches", BID, Washington

1969 Casa del Maestro, Tinaquillo, Edo. Cojedes

1970 "Mitificaciones", Sala Mendoza / Galería Bon Art, Valencia, Edo. Carabobo

1971 Teatro Bellas Artes, Maracaibo / "Oswaldo Vigas: pinturas 1945-1971", Centro de Historia Larense, Barquisimeto

1973 "Oswaldo Vigas: pinturas recientes", Galería Antañona, Caracas / "Oswaldo Vigas 1943-1973", Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá / "Oswaldo Vigas: serigrafías", Galería San Diego, Bogotá / "Mitos y figuraciones", Galería Portobello, Caracas

1974 "Óleos y acrílicos", Galería Bancarios, Caracas

1977 "Oswaldo Vigas: imagen de una identidad expresiva", Instituto Nacional de Cultura, Museo de Arte Italiano, Lima / "Ancestors", Consulado de Venezuela, Nueva York

1978 "Cien dibujos de 1965 a 1978", Galería La Trinchera, Caracas / "Oswaldo Vigas, una mitología americana", Galería El Callejón, Bogotá / Galería Durban, Caracas

1979 "Oswaldo Vigas, la poesía ancestral", Galería Gaudí, Maracaibo / "Ritos elementales, dioses oscuros", GAN / Instituto Panameño, Panamá

1980 Embajada de Venezuela, París

1981 Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / MBA

1982 Sala de Exposiciones, Colegio de Abogados del Estado Mérida, Mérida

1884 "Ídolos y personajes", Galería Durban, Caracas

1990 "Oswaldo Vigas, de 1942 a 1990", MACCSI

1992 "Los duendes", Itagalería, El Hatillo, Edo. Miranda / "Vigas: tapices y cerámicas", Centro Cultural Consolidado, Caracas / "Grabados, dibujos y serigrafías", Alianza Francesa, Caracas

1993 "Vigas desde 1952 hasta 1993", Palacio de la Moneda, París

1994 "Oswaldo Vigas en París", GAN / Galería Internacional Corinne Timsit, París

1995 "Mutantes, peleles, contorsionistas y otros", Galería La Tour des Cardinaux, L'Isle-sur-la-Sorgue, Francia / "Obras recientes", Galería Li, Caracas

1996 "Comadres, equilibristas, peleles y otros engendros", Galería de Arte Ascaso, Valencia, Edo. Carabobo / "Oswaldo Vigas: un hombre americano", Casa de las Américas, La Habana

1997 "Obras claves", Comandancia General de la Aviación, Caracas

1998 Galería Aldo Castillo, Chicago / "En el camino siempre", Sala Sidor

1999 Embajada de Francia, Caracas / Restaurant Il Pinolo, Tokio

2000 "Entes, colonieras y recuerdos de viaje", Galería Dimaca, Caracas

2002 Instituto Nacional de Ciencias Aplicadas, Lyon, Francia / "Ideografías de París, 1952 - 1957", MACCSI

3 Premios

1942 Premio a la mejor ilustración, I Salón de Exposición de Poemas Ilustrados, Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1943 Premio Ateneo de Valencia, I Salón Arturo Michelena

1949 Primer premio, I Salón de Pintura, Ateneo de Mérida

1950 Premio Lastenia Tello de Michelena, VIII Salón Arturo Michelena

1952 Premio Oficial de Artes Plásticas, XIII Salón Oficial / Premio John Boulton, XIII Salón Oficial / Premio Arturo Michelena, X Salón Arturo Michelena

1955 Premio Compañía Shell de Venezuela, "Exposición internacional de pintura", Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

1956 Segundo premio, III Salón D'Empaire / Premio de adquisición, Gulf Caribbean Art Exhibition, Museo de Houston, Texas

1958 Premio Puebla de Bolívar, XIX Salón Oficial

1959 Premio de adquisición, Exposición de Arte Latinoamericano Contemporáneo, Palacio de la Inquisición, Cartagena, Colombia

1964 Premio Arturo Michelena, XXII Salón Arturo Michelena

1973 Primera mención, I Bienal de Arte Latinoamericano, Museo de Arte Moderno de Sogamoso, Colombia

1992 Grand Prix S.A.S Le Prince Reinier III, XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo, Principado de Montecarlo, Mónaco

4 Colecciones

Ateneo de Caracas / Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BCV / Biblioteca Nacional, París / Casa de las Américas, La Habana / Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Fundación Noa Noa, Caracas / Fundación Polar, Caracas / GAN / Instituto de Tecnología Carnegie, Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos / MACCSI / Mamja / MBA / MRE / Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá / Museo de Arte Moderno, Bogotá / Museo de Arte, San Francisco, California, Estados Unidos / Museo de Cartagena, Colombia / Museo Nacional, Wroclaw, Polonia / Museo Raoul-Jean Moulin, París / UCV

5 Fuentes

- Cinap, V 26.

- Diehl, Gastón. Oswaldo Vigas. Caracas: Armitano, 1990.

- Nazoa, Aquiles. Mitificaciones de Oswaldo Vigas (catálogo de exposición). Caracas: Sala Mendoza, 1970.

- Pineda, Rafael. Y ahora la tierra y el fuego (folleto). Valencia: Cerámicas Carabobo, 1981.

- Rodríguez, Bélgica. La pintura abstracta en Venezuela 1945-1965. Caracas: Maraven, 1980.

ENA

Vila i Prades

Julio

n. Valencia, España, 1875 (datos en estudio)

m. (datos en estudio)

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Pertenecía a la escuela valenciana. Fue alumno de Sorolla y Bastida. Vivió largos años en Buenos Aires. Pintó escenas costumbristas, como Cantos gitanos, y cuadros históricos como La heroica, cuyo tema es la retirada francesa en la Primera Guerra Mundial. Sus obras fueron difundidas por El Cojo Ilustrado a comienzos de la década del diez: San Martín y O'Higgins en la cumbre de los Andes (1 de diciembre de 1910) y Vendedora de cacharros (1 de febrero de 1912). En 1916 se encontraba pintando los plafones y figuras alegóricas del Palacio de Gobierno de Tucumán (Argentina). Realizó los cuadros evocativos del Cabildo Abierto del 25 de mayo de 1810 que adornan el Congreso Nacional en Buenos Aires. Hacia 1917 visitó Nueva York en varias ocasiones y ese mismo año realizó en Caracas retratos de Henriqueta Márquez de Tejera y Juan Vicente Gómez, reseñado en la prensa (El Nuevo Diario, 24 de julio de 1917). Asimismo existe un retrato bocetado de Bolívar, actualmente en el Museo Bolivariano de Caracas y uno de cuerpo entero de Juan Vicente Gómez reseñado en Billiken en 1923. En 1924 realizó un retrato de grandes dimensiones de Pizarro (colección Palacio Municipal, Lima). "La derivación etrusca del temperamento de Julio Vila i Prades se denuncia en esa preponderancia voluptuosa y en esa magnificencia del tono, la influencia levantina traducida en la gama con los fuertes colores primitivos y la inclinación de exagerar un valor como alma palpitante de la creación" (Cisneros, 1917).

2 Colecciones

Congreso Nacional, Buenos Aires / Museo Bolivariano, Caracas / Palacio de Gobierno, Tucumán, Argentina / Palacio Municipal, Lima

3 Fuentes

- De Cisneros, François G. de."Un pintor valenciano". En: Actualidades. Caracas, 21 de octubre de 1917.

AS

Villamizar

Luis

n. Maracay, 7.8.1947

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Artista de medios mixtos. Trabajó en el taller de Carlos Cruz-Diez (1974-1975) y realizó estudios de publicidad en Caracas y Florida (1977). Desde 1976 ha participado en numerosas colectivas, entre ellas, el V Salón de Jóvenes Artistas (Asociación Pro-Venezuela, Caracas, 1977), "Hecho en Venezuela" (MACC, 1977), "Images: Messages d'Amérique Latine" (Centro Cultural Municipal, París, 1978), "Venezuelan Artists in New York" (Consulado de Venezuela en Nueva York, 1985 y 1989), "From the Other Side" (Terne Gallery, Nueva York, 1987) e "Il Sud del Mondo" (Galleria Civica d'Arte Contemporanea, Marsala, Italia, 1991). Desde 1977 realizó experiencias in situ en los Médanos de Coro, Edo. Falcón (Mamas de la tierra, Men at Work y Guías perdidas), con las que inició una serie de manifestaciones afines al land art y el arte conceptual, que registró en secuencias fotográficas. Durante ese período se propuso confrontar lo real en un espacio definido con obras de carácter efímero. Villamizar no se impone materiales determinados, sino que los enlaza progresivamente, pintándolos y fabricando formas sobre ellos hasta insertarlos directamente en la naturaleza. De esta manera trabajó "paisajes reciclables" como Cartoneros de Bello Monte (1976), experiencias como Un día como hoy (escultura sonora, 1977, Caracas), medios audiovisuales como Shhh (película súper ocho, 1978) y obras multimedia como Gesto y huella (pintura viviente y producción de video integrado a danza y música, I Festival de Caracas, 1979). En 1982, su obra El Atlas de mis sentidos (1981), secuencia fotográfica de carácter conceptual, fue premiada en el VII Salón Nacional de Jóvenes Artistas. Entre 1982 y 1989 vivió en Nueva York, donde cursó estudios avanzados en la School of Visual Arts (1984-1986). A partir de las enseñanzas de Rubén Núñez, durante la década de los ochenta, introdujo el elemento de difracción de la luz en sus trabajos. En esa época siguió sus experiencias con Viacrucis (escenografía para el grupo Coreoarte, Ateneo de Caracas, 1988) y Esferas en la cresta (Médanos de Coro, Edo. Falcón, 1991). En 1992 su obra in situ, Caimán del Orinoco, fue reconocida en la III Bienal de Guayana (San Félix, Edo. Bolívar). Ese año realizó la muestra "Sotavento en venta (se vende galería de arte)" (Galería Sotavento, Caracas), en donde intervino el espacio arquitectónico. Zuleiva Vivas comentó en esa ocasión: "la obra de Luis Villamizar consiste en actualizar nuestros sentidos acerca de la condición del arte de fin de siglo; para este artista lo inmaterial, un impreciso idealismo, se impone a la actitud materialista y pagana de los ochenta" (1992). En 1993 expuso las series La conquista del espacio y Siete lajas ecológicas (Galería Leo Blasini, Caracas). Según María Elena Ramos, en "los trabajos de Villamizar es posible establecer directas relaciones entre la naturaleza, la ciencia, el arte. Un punto común para ellas; el espacio como algo dinámico, cargado de relatividad, dependiente de las distintas relaciones del hombre con la materia y el universo" (p. 30, 1987). La colección GAN posee de este artista Lunes 7:30 a.m. (acero, hierro, pintura industrial sobre madera, 1993), reconocida en el LI Salón Arturo Michelena.

2 Exposiciones individuales

1978 "Inercia gestual", Sala Anexa, Fundación Mendoza

1988 "Frescos" (instalación), Galería Arbronce, Caracas

1992 "Sotavento en venta (se vende galería de arte)", Galería Sotavento, Caracas

1993 "El deseo de ser arte", Galería Leo Blasini, Caracas

3 Premios

1982 Beca de estudios, área de arte no convencional, VII Salón Nacional de Jóvenes Artistas, MACC

1991 Premio Antonio Edmundo Monsanto, XLIX Salón Arturo Michelena

1992 Premio Alcaldía del Caroní, sección arte efímero, III Bienal de Guayana, San Félix, Edo. Bolívar

1993 Premio Juan Lovera, LI Salón Arturo Michelena

4 Colecciones

Fundación Noa Noa, Caracas / Fundación Polar, Caracas

5 Fuentes

- Cinap, V 48.

- D'Amico, Margarita. "Ellos dicen, ellos hacen". En: Papel Literario de El Nacional. Caracas, 30 de julio de 1978, p. 4.

- Ramos, María Elena. "La relatividad del espacio". En: Arte y naturaleza. Caracas: Lagoven, 1987.

- Vivas, Zuleiva. Sotavento en venta (se vende galería de arte). Caracas: Galería Sotavento, 1992.

ENA

Villanueva Brandt

Ani [Ana Isabel]

n. Caracas, 8.7.1954

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Acciones 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Pintora y artista de medios mixtos. Hija de Manuel Villanueva y Mary Brandt. Por la rama materna es heredera de una tradición iniciada por su abuelo, el pintor Federico Brandt, integrante del Círculo de Bellas Artes. Durante la década de los sesenta realiza estudios de secundaria, arte e historia del arte en el Assumption Convent (Suffolk, Inglaterra). Posteriormente, durante sus viajes a Venezuela, Inglaterra y Hungría, aprende ballet clásico, arte, danza del drama y música. En los años setenta cursa estudios de psicología en la UCAB, de sociología y ciencias políticas especializadas en subdesarrollo en la Universidad de Essex (Inglaterra), de taoísmo en la École Practique des Hautes Études (París) y de gerencia en el IESA. Así mismo, profundiza sus conocimientos de danza contemporánea con el grupo Macrodanza (Caracas) y luego en París. Ani Villanueva es una de las artistas más representativas del arte del performance en Venezuela. Sus acciones han sido ejecutadas en importantes museos y salas de exposición del país y del exterior. Entre éstas, a nivel nacional, destacan: Ánima (1985); De la Escuela de Atenas a la Nueva Escuela de Caracas, bajo la dirección de Diego Barboza (1985); Iguana, con Carlos Villanueva y los artistas ingleses Tom Dixon y Chantal Coady (1986); Sueño de Eneas, dirigido por Sammy Cucher (1988); Liberalia (1992); Passagem. Fertilidad y nacimiento, con la artista brasileña Celeida Tostes (1992), y Casos de moda. Como en la tele (2004). En el ámbito internacional sobresalen Boa (Teatro Astoria, Londres, 1986), Demonomanía (Festival Internacional de Teatro, Patio Herreriano, Valladolid, España, 1987), Garlands (South Art Gallery, Miami, Florida, Estados Unidos, 2001) y Sor Juana Inés de la Cruz (Museo de Arte, Miami, Florida, Estados Unidos, 2002). Sobre Garlands, Trina Collins ha manifestado: "ante todo sentir el aroma de salvia, luego fotografías digitales de guirnaldas de flores del Nepal, música electrónica, descalzos entramos a un ambiente de meditación. En el piso estaban distribuidas fotos de ofrendas encastadas en platos de resina. En el centro una figura sentada cubierta con un manto de imágenes de ofrendas impresas. […] ¿Qué era esa necesidad de integrarse al Universo en vez de socializar e involucrarse en las no-conversaciones? […] Villanueva creó una combinación de espacio público y sagrado. Aquí estaba una performista con la valentía de hacer lo impensable: Nada. […] En suma cerré mis ojos realmente conmovida" (2001).

Paralelamente a sus performances y siguiendo la tradición familiar, en la década de los noventa Villanueva incursiona en el ámbito de la pintura. En sus obras predomina el color como elemento expresivo y la temática de la naturaleza, especialmente la de Choroní (Edo. Aragua), lugar donde instala su taller y pasa largas temporadas practicando el buceo. La vegetación, los animales y el mundo marino de este lugar son los motivos fundamentales del conjunto de pinturas al óleo que integran las series Alamar y Peces y demás hierbas. "No se trata de una pintura de ribetes naturalistas, ni una ilustración de fondos marinos. Ani Villanueva crea sus propios cardúmenes, sus propias especies, sus mitologías de sirenas, dioses marinos, animales maravillosos que pueblan sus pinturas como si lo hubieran hecho siempre" (Guanipa, 1994). A finales de los noventa presenta en la Galería Artsforum de Nueva York, dentro de la exposición colectiva "Small Works", un conjunto de pinturas de las series Bio Pop y Puntos de vista, que consisten en miradas e intervenciones muy cercanas sobre pieles y texturas naturales. En el catálogo de la muestra, Dominique Nahas expresa que "el arte de Villanueva se ve como una experiencia en la que patrones de puntos azules sobre fondo rojo en Coney, o las formas biomórficas en el fondo puntilleado color ladrillo en Aroa Lobster I, o los puntos blancos y negros y líneas azules que se mueven sobre el fondo moteado gris en File Fish I y II y el juego iridiscente entre organismos rojos y negros en Yellow fin Grouper, parecen flotar y suspenderse muy cerca como en un sueño frente al observador. A través de estos trabajos, la artista demuestra un talento naturalista para explotar las estructuras de la identidad metamórfica de la naturaleza. El juego entre la parte y el todo, entre lo artificial y lo natural, entre lo micro y lo macroscópico, entre la lectura interna y la externa, es el engranaje del trabajo de la artista. Es en la elasticidad y en la mutación de formas donde Villanueva expresa su 'reacción total ante la vida' para usar las palabras de Henry James al describir la reverencia sacra a la belleza de la creación" (1999).

Posteriormente su pintura se va simplificando hasta llegar a la Serie de movimiento y luz que muestra en la Galería de Sylvana Faccini (Miami, Florida, Estados Unidos). Son grandes lienzos envueltos con vinil y plástico, lo cual produce efectos ópticos que conducen al mundo de lo tridimensional y generan un tipo de danza orgánica interna en las piezas. Es así como a partir del año 2001 expande sus exploraciones hacia el arte de la instalación y comienza a realizar ensamblajes de materiales industriales de uso cotidiano no degradables combinados hasta lograr formas y texturas que recuerdan naturalezas, células, corales y fondos marinos. Desde 2002 sus obras constituyen una síntesis en la que la artista incorpora todas las artes que ha practicado hasta el momento: el performance, la pintura, el ensamblaje y la instalación. Exhibida en la Kracer Art Gallery (Miami, Florida, Estados Unidos), Use-less Objects, una serie de objetos, texturas y videos actuales, es la primera muestra de esta tendencia, a la que han seguido en 2004, la exposición "Trends I y II", presentada en la feria "Arte Americas" (Miami) bajo la curaduría de Milagros Bello, y "Casos de cosas" (Galería Alternativa, Caracas). Sobre esta última, Víctor Guédez expresó: "esa presencia de objetos acoplados con sospechosas perfecciones, conjugados con calculadas geometrías y dispuestos para revelar fantasías, caprichos y delirios, nos remite a una ecología plástica a partir del plástico y a un registro orgánico a partir de lo inorgánico. En este conjunto lo reconocido se integra a lo extraño y lo lúdico se convierte en subversión perceptiva. Aquí la irracionalidad de un utensilio se racionaliza mediante un ejercicio compositivo para volverse a convertir en irracionalidad metafórica" (2004).

2 Exposiciones individuales

1993 "Pinturas", Galería Palio, Caracas

1994 "Alamar", Galería K, Caracas

1995 "Peces", Librería Monte Ávila Editores Latinoamericana, Complejo Cultural Teresa Carreño, Caracas

1996 "Peces y demás hierbas", Galería César Sassoon, Caracas

1998 "Tropicalia", Sacred Grounds Bettcher Gallery, Miami, Florida, Estados Unidos

2001 "Garlands", South Art Gallery, Miami, Florida, Estados Unidos / "Small Works. Paintings", South Art Gallery, Miami, Florida, Estados Unidos

2002 "Use-less Objects", Kracer Art Gallery, Miami, Florida, Estados Unidos

2004 "Casos de cosas", Galería Alternativa, Caracas

3 Acciones

1982 Cuadro móvil (en el marco de la exposición "Ventanas al tiempo" de Mary Brandt), Sala Mendoza

1983 Luna Express (en el marco de la exposición "Zapatos celestiales" de Gabriel Morera), Los Espacios Cálidos

1984 Embryo (con La Otra Tropa y Youri Messen Jaschin), Ateneo de Caracas / La torta que camina (con Evelyn Paván, Sonia Rodríguez y Youri Messen Jaschin), Ateneo de Caracas / B-Mutante, una noche de noviembre (con Óscar Armitano y Hernán Suárez), Los Espacios Cálidos

1985 Ánima (en el marco de la exposición "Vírgenes, no santas" de Raquel Cisneros), Galería El Daguerrotipo, Teatro Municipal, Caracas / De la Escuela de Atenas a la Nueva Escuela de Caracas (dirigida por Diego Barboza), GAN / Boa, Taller Metropolitano de Artes Visuales, Caracas / Salamandra (con Jennifer Binnie), Festival Marco Antonio Ettedgui, Sala Rajatabla, Caracas / Iguana (con Tom Dixon, Chantal Coady y Carlos Villanueva), El Cayude de Paraguaná, Edo. Falcón

1986 Meteorita (con Milton Becerra), MBA / Winky Von Posch (video-arte y performance;  con Verónica Vega, Sammy Cucher, Miguel Noya, Boris Izaguirre y Mark Prizemann; filmado entre Caracas y Londres) / Boa, Teatro Astoria, Londres

1987 Demonomanía (con el grupo Test Department), Festival Internacional de Teatro, Patio Herreriano, Valladolid, España

1988  Sueño de Eneas (performance y video-arte; dirigido por Sammy Cucher) / Berlín (concierto, performance y multimedia de Miguel Noya y Sammy Cucher), Celarg

1989 Anabelle Lee (con José Antonio Hernández-Diez), Galería Sotavento, Caracas / Azzurra (en el marco de la exposición "Esculturas" de María Elisa Castro), Los Espacios Cálidos

1990 Sal Aman Andra (con Tulio Díaz; en el marco de la exposición "Los 80. Panorama de las artes visuales en Venezuela"), GAN

1992 Liberalia (en el marco de la exposición "Gramática del espacio" de Domingo Álvarez), MBA / Passagem. Fertilidad y nacimiento (con Celeida Tostes), I Bienal Barro de América, MACCSI

1993 Passagem. Fertilidad y nacimiento, CAMLB

2001 Garlands, South Art Gallery, Miami, Florida, Estados Unidos / "Palma Palm Art Show", Jardín Botánico, Miami, Florida, Estados Unidos

2002 Sor Juana Inés de la Cruz (en el marco de la exposición "Ultrabarroco. Aspectos del post-latin american art"), Museo de Arte, Miami, Florida, Estados Unidos

2004 Casos de moda. Como en la tele, MBA y Galería Alternativa, Caracas

4 Premios

1985 Premio de arte no objetual, XLIII Salón Arturo Michelena (por el performance De la Escuela de Atenas a la Nueva Escuela de Caracas, dirigido por Diego Barboza)

1988

Primer premio, Festival de Video, Bruselas (por el video Sueño de Eneas, dirigido por Sammy Cucher)

5 Colecciones

CAMLB / GAN / MACCSI / Maczul / MBA / Museo de Arte, Miami, Florida, Estados Unidos / UC

6 Fuentes

- Collins, Trina. "Among Garlands" [http://www.miamiartexchange.com/pages/2001/03/23_collins.html]. Miami, 2001.

- Guanipa, Moraima. "El acuario personal de Ani Villanueva". En: El Universal. Caracas, 21 de octubre de 1994.

- Guédez, Víctor. "La nueva dimensión de los utensilios". En: Papel Literario de El Nacional. Caracas, 9 de octubre de 2004.

- Márquez, Felipe. "El color aparente". En: Alamar. Ani Villanueva Brandt. Pinturas (catálogo de exposición). Caracas: Galería K, 1994.

- Nahas, Dominique. Small Works (catálogo de exposición). Nueva York: Artsforum Gallery, 1999.

TS

Villaparedes

Esteban

n. Caracas, 3.6.1933

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor. Entre 1951 y 1956 realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, con Rafael Ramón González, Pedro Ángel González y Ramón Martín Durbán. A partir de 1952, siendo aún estudiante, empezó su participación en el Salón Oficial, en la sección de pintura y esmalte sobre metal. Su temática artística está inscrita en la figuración imaginativa: paisajes, figuras humanas y flores a la manera de Héctor Poleo y Virgilio Trómpiz, como Antes de la fiesta (1974). En l956 junto a Luis Domínguez Salazar y Nicolás Piquer expone una serie de paisajes en la Galería Lauro (Caracas). Durante este período fue reconocido en el XIV y XV Salón Arturo Michelena (1956 y 1957). En 1958 continúa su formación en la Academia de Roma y es incluido en la "Primera muestra de artistas latinoamericanos", realizada en esa ciudad. En 1969 recibió el premio Antonio Esteban Frías del XXX Salón Oficial. En l972 expone en la Galería Framauro (Caracas) figuras femeninas, infantes y flores "tratados en una forma, donde el dibujo y el color se complementan […] produciendo un todo armónico, que deja en el espectador un goce estético portador de un estado de suave reposo" (Piquer, 1972). En sus pinturas, la figura humana (en particular rostros de mujeres mestizas) es el centro de estudio con un recurrente uso de combinaciones de claroscuros con colores vivos y armónicos. Desde finales de los años setenta combinó su actividad de pintor con la de escenógrafo para televisión.

2 Exposiciones individuales

1969 Galería Botto, Caracas

1970 Galería Bellini, Caracas

1972 Galería Framauro, Caracas

1977 Centro de Arte Alejandro Freites, Caracas

3 Premios

1956 Premio Club de Leones, XIV Salón Arturo Michelena

1957 Premio Antonio Herrera Toro, XV Salón Arturo Michelena

1969 Premio Antonio Esteban Frías, XXX Salón Oficial

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo

5 Fuentes

- Cinap, V 28.

AS-ENA

Villarroel

Freddy

n. La Asunción, 29.8.1947

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y grabador. A los 18 años presenta sus dos primeras muestras, una en la biblioteca del Liceo de Aplicación (Caracas) y otra en la Galería Espiral de la Escuela Cristóbal Rojas (1965). En 1967 participa en "Cuatro jóvenes experimentan" (Galería Espiral, Escuela Cristóbal Rojas) y al año siguiente en el XXIX Salón Oficial. Desde 1969 participa en el Salón Arturo Michelena. Durante los años setenta exploró las técnicas gráficas; en 1976 expone en el Taller de Grabado del MACC y en 1977 en el I Salón Nacional de Grabado en el Museo Municipal de Artes Gráficas Balmiro León Fernández (Alcaldía de Maracaibo). En 1978 realiza estudios de pedagogía en artes plásticas en el IUMPM. Fue profesor auxiliar de la cátedra de grabado en la Escuela Cristóbal Rojas (1967-1968), y entre 1969 y 1974 realiza cursos libres nocturnos de dibujo y pintura en la Escuela de Artes Plásticas Carmelo Fernández de San Felipe, donde posteriormente será profesor de artes visuales (1975-1978). Entre 1977 y 1982 ejerce como profesor de artes gráficas, diseño bidimensional y pintura del IUMPM. Entre sus numerosas participaciones en muestras colectivas pueden destacarse: "Manos de siempre, signos de hoy. El dibujo actual en Venezuela" (exposición itinerante de la GAN, 1979), la I Bienal de Jóvenes Artistas (MACC, 1981), "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Segunda parte" (GAN, 1981), "Sendero, signo y presencia" (Galería Lisandro Alvarado, Barquisimeto, 1982), el II Salón de Pintura (Museo Francisco Narváez, 1987), "Reinauguración de dibujos" (Galería Viva México, Caracas, 1988), el Salón Nacional de Pintura Armando Reverón (Museo de La Rinconada, 1989), la V Bienal de Dibujo (MAVAO, 1990), la I Bienal Nacional de Artes Plásticas de Oriente (Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz, 1991), el XII Salón Fondene (Antigua Casa Aduana, Pampatar, Edo. Nueva Esparta, 1991) y la IV Bienal Nacional de Artes Plásticas de Oriente (Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz, 1997), entre otras. Freddy Villarroel refleja en sus lienzos un mundo de signos y gestos, de imágenes y palabras que recuerdan el constructivismo de Joaquín Torres García y Manuel Quintana Castillo. Según lo expresa el artista, "no es un paisaje netamente dicho, sino un paisaje de carácter conceptual, no es la composición tradicional del paisaje, no se habla del paisaje como tal, sino de vivir la atmósfera del paisaje en sí, de su contenido profundo y espiritual, no la copia directa de los elementos". En sus obras une distintos planos siguiendo una geometría libre que desafía el equilibrio de la composición clásica.

2 Exposiciones individuales

1965 Biblioteca, Liceo de Aplicación, Caracas / Galería Espiral, Escuela Cristóbal Rojas

1968 Galería de la Caja Popular de Occidente, Maracaibo

1977 Galería Carmelo Fernández, Caracas

1985 "Un paisaje y algo más", Galería El Nido del Callejón, Caracas

1986 Galería El Galpón, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

1987 "Signos y sentimientos para un paisaje", Galería El Callejón, Caracas

1988 Galería Siete Arte, Barcelona, Edo. Anzoátegui / "Vigencia de un documento", Museo Carmelo Fernández, San Felipe

1989 "Un poema, signos y color", Galería Viva México, Caracas / "Un poema, signos y color", Sala de Arte del Sur, EAP, Puerto Ordaz

1990 "Contrastes y afirmaciones", Galería Uno, Caracas / "Mar e imagen", Galería Arte Bocetos, Caracas / "Mar e imagen", Galería Imagen Gallery, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

1993 "El afuera de los sentidos", Galería Braulio Salazar / "La voluntad de mis germinaciones", Galería K, Caracas

1994 "Fragancia inmutable de lo común", Galería 125, Caracas

1995 "Nuevas naturalidades", Museo Francisco Narváez

1998 "Extroversión del sentimiento íngrimo", Fundación de Arte Contemporáneo Nouveau, Santo Domingo / "Un paisaje para Malena", Casa de Bolívar, La Habana

1999 "Anaforismo de la nada", Fundación Shell de Venezuela, Caracas / "Herrajes y buhardillas para un paisaje", Galería Ars Forum, Caracas

3 Premios

1975 Tercer premio, Salón Nacional Colegio de Profesores de Venezuela, Barquisimeto / Premio Bernardo Rubinstein, XXXIII Salón Arturo Michelena

4 Fuentes

- Cinap, V 112.

- Villarroel, Fraddy. Nuevas naturalidades (catálogo de exposición). Porlamar: Museo Francisco Narváez, 1995.

MVSB

Villasmil V.

Pedro

n. Maracaibo, 29.6.1895

m. Maracaibo, 30.1.1924

1 Vida y obra 2 Premios 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y fotógrafo. Recibió clases de dibujo con Julio Arraga en el Colegio Pestalozziano de Maracaibo, donde recibió los primeros premios durante tres años consecutivos. Sus cuadros aún permanecían en ese colegio en 1924. Villasmil fue asimismo alumno de Manuel Ángel Puchi Fonseca en las clases de dibujo y pintura de la Escuela de Artes y Oficios de Maracaibo. En 1912, en la exposición anual de la Escuela, mereció un segundo premio. Fue miembro fundador del Círculo Artístico de Maracaibo en 1916 y director de la Academia de Desnudo, instalada el 2 de agosto de 1918. Villasmil pintó en 1919 el plafón de la Sala de Exposición del Círculo la alegoría del arte pictórico, con José Castillo y Hermes Romero. El 19 de abril de 1921 expuso un retrato de Simón Bolívar, de tamaño natural. También en 1921 fue designado junto con Castillo y Nephtalí Rincón para dirigir las clases de dibujo del Círculo, donde expuso el 19 de abril un retrato de Bolívar, de tamaño natural, y El sueño del pescador y Guatachó, cuadro de costumbres guajiras. El 20 de junio de 1922, en la exposición conmemorativa del segundo aniversario del Círculo, exhibió Jesús entre los doctores de la ley, obra que no sólo es una de las de "mayores dimensiones que se ha pintado en el Zulia, sino también la más rica en belleza" (González Peña, 1924, p. 60). En ocasión del centenario de la batalla naval del lago de Maracaibo, el 24 de julio de 1923, el Círculo realizó una exposición en la cual Villasmil expuso un retrato del almirante José Padilla. Sus fotografías eran apreciadas por sus vistas marabinas. El pintor falleció en 1924, siendo director del Círculo. Entre otras obras, González Peña destacó Bailarina húngara. Parte de su producción, severamente dispersa, fue expuesta en 1969 en "Pintura zuliana en las colecciones de Maracaibo" (Casa de la Cultura Andrés Eloy Blanco, Maracaibo). Algunas de sus fotos, como el retrato de Mercedes Campos (plata en albúmina, h. 1910, colección Kurt Negel) y el de Walter von Jess Lossada (tarjeta postal, plata en gelatina, h. 1918, colección Kurt Negel) fueron expuestas en la muestra "El retrato en la fotografía venezolana" en la GAN (1993).

2 Premios

1912 Segundo premio, "Exposición anual", Escuela de Artes y Oficios, Maracaibo

3 Colecciones

Casa de la Cultura Andrés Eloy Blanco, Maracaibo / Catedral de Maracaibo / Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo

4 Fuentes

- González Peña, Simón. Ensayo sobre la historia de las artes en el Zulia. Maracaibo: Tipografía Excelsior, 1924.

- Soto, Evencio A. Bodas de plata del Círculo Artístico del Zulia 1916-1941. Maracaibo: Sección de Literatura del Círculo Artístico del Zulia-Tipografía La Columna, 1942.

AS

Villasmil

Edwin

n. Maracaibo, 31.3.1947

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Murales 4 Premios 5 Colecciones 6 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y dibujante. En 1962 se trasladó a Barquisimeto, donde realizó estudios en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar y en el Instituto Pedagógico de Barquisimeto. Entre 1972 y 1974 se radicó en Nueva York y trabajó en artes gráficas y escultura. En 1975 regresa a Barquisimeto y colabora en periódicos y revistas. En esta ciudad, formó parte del grupo Simbiosis y dirigió la Galería La Medusa; al año siguiente, con Álvaro Montero, Miriam López y Fran López, fundó el Centro Cultural Lea y trabajó como actor y escenógrafo en montajes del Centro Experimental de Arte Dramático. Paralelamente a estas actividades dictó clases en el Colegio Universitario Fermín Toro de Barquisimeto. Ha participado en exposiciones colectivas como el XXVII, XXVIII, XXIX, XXX y XXXVI Salón Arturo Michelena (1969-1972 y 1978), el Salón Regional de Pintura en Maracaibo (1972), el Spring Festival New Canaan (Galería de Arte, Universidad de Yale, New Haven, Connecticut, Estados Unidos, 1973) y la I Bienal Nacional de Artes Visuales (MBA, 1981). Su obra bidimensional se caracteriza por el uso exclusivo del blanco y negro. El contorno de las figuras es preciso y toda la obra ofrece un acabado mecánico, como si fuese hecha con plantillas, que va estructurando el negro sobre el blanco del soporte. Dentro de esta tendencia ha absorbido la estética de los cómics, para mostrar universos deshumanizados, "ciudades maquinales", como el artista las ha denominado. Villasmil utiliza un humor en el que combina la burla, el erotismo y sobre todo la seriedad de la denuncia de sus proposiciones. Desde 1975 vive en el caserío Las Tunas, cercano a Barquisimeto, donde se dedica al trabajo agrícola.

2 Exposiciones individuales

1968 Instituto Pedagógico de Barquisimeto

1969 Galería La Gárgola de Tancredo, Maracaibo / Galería Universitaria de Arte Víctor Valera, LUZ / Instituto Pedagógico de Barquisimeto

1970 Galería Track, Caracas / Sala Braulio Salazar

1971 CIV, Barquisimeto

1972 Centro de Bellas Artes, Maracaibo / Galería CPB, Barquisimeto

1974 Consulado de Venezuela, Nueva York

1975 Galería Lisandro Alvarado, Barquisimeto

1977 Galería de Artes Visuales, LUZ

1978 Galería La Otra Banda, Mérida

3 Murales

1970 Instituto Pedagógico de Barquisimeto (destruido)

1976 Siderúrgica del Turbio, Barquisimeto

1981 Hotel Hilton, Barquisimeto

4 Premios

1968 Premio General Electric de Venezuela, XII Salón D'Empaire

1969 Premio Emilio Boggio, XXVII Salón Arturo Michelena

1971 Premio Antonio Edmundo Monsanto, XXIX Salón Arturo Michelena / Primer premio, I Salón de Jóvenes Artistas, Casa de la Cultura, Maracay

1972 Primer premio, Salón Regional de Pintura, Maracaibo

1973 Premio único, II Salón de Pintores Larenses, Barquisimeto

1974 Premio al mejor trabajo en artes gráficas, II Salón de Arte Centro Plaza, Caracas

1975 Premio Dirección de Cultura de la UC, II Salón Nacional de Escultura de Pequeño y Mediano Formato, UC

5 Colecciones

Banco Central de Ecuador, Quito / Banco Mercantil, Caracas / Casa de las Américas, La Habana / Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / Instituto de Cultura Italo Latinoamericano, Roma / Mamja / Museo Soto

6 Fuentes

- Cinap, V 31.

AS-ENA

Viloria

[Dubuc], Gisela

n. Boconó, Edo. Trujillo, 14.11.1956

1 Vida y obra 2 Premios 3 Fuentes

1 Vida y obra

Diseñadora gráfica. Hija de Ramón Viloria y Blancalicia Dubuc. Entre 1978 y 1981 estudia dibujo y pintura en la Escuela Cristóbal Rojas. Este último año cursa diseño en el Cegra hasta 1982, cuando viaja a París para estudiar artes gráficas en la Escuela Superior de Bellas Artes, donde permanece hasta 1985; paralelamente realiza cursos de ilustración y diseño con Gilles Bachelet. Al culminar sus estudios en Francia regresa a Venezuela y desde entonces se ha desempeñado como diseñadora independiente, realizando diversos proyectos como imágenes corporativas y diseño editorial para instituciones, museos y empresas, entre las que se encuentran Ediciones Maria Di Mase, Pdvsa, Fundarte, Mujabo, GAN, MACCSI, MAO, Sala Mendoza, Fundación Provincial, Fundación para la Cultura Urbana, Fundación Cisneros, Librería Kuaimare, Fundación Corp Group, Celarg y Conac, entre otros, así como las revistas Maraven y Extra Cámara. En 1995 funda junto con un grupo de diseñadores Titulus Rotulación Computarizada C.A., empresa en la que permanece hasta 1997. Ha realizado el diseño de importantes publicaciones como Anselm Kiefer. La psicología de después de la catástrofe de Rafael López-Pedraza (Caracas: Editorial Festina Lente, 1998), El cacao en Venezuela de José Rafael Lovera, Humberto Reyes y Lilian Capriles de Reyes (Caracas: Chocolates El Rey, 2000), Niños de la calle (Caracas: Mujabo, 2001), 21 fotógrafas venezolanas de María Teresa Boulton (Caracas: La Laparañona, 2003) y Fotociudad de María Elena Ramos (Caracas: CANTV, 2004), entre otras, así como las colecciones Cuadernos de la Fundación para la Cultura Urbana y Cuadernos Colección Cisneros de la Fundación Cisneros. Viloria pertenece a una generación de diseñadores gráficos activos durante las dos últimas décadas, cuya obra presta especial atención a los elementos visuales extraídos de la producción urbana y en consecuencia pertenecientes a una estética metropolitana.

2 Premios

2000 Segundo premio, IV Edición Premio Gráfico Nacional José Gianelli, categoría libro tapa dura, Asociación de Industriales de las Artes Gráficas de Venezuela, Caracas, por El cacao en Venezuela de José Rafael Lovera, Humberto Reyes y Lilian Capriles de Reyes (Caracas: Chocolates El Rey)

2001 Mención especial, Premio Cenal, por Niños de la calle (Caracas: Mujabo)

Fuentes

- Niño, Esmeralda. Entrevista a la artista.

ENA

Vitanza

Mara

n. Bolzano, Italia, 1924

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Ceramista y pintora. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de Florencia (Italia), donde expuso en una colectiva de estudiantes en 1941. En 1949 se traslada a Venezuela, dedicándose por algún tiempo a la pintura. A partir de 1953 continúa su aprendizaje en la Escuela Central de Artes y Oficios de Londres. En 1957, ya de regreso en Venezuela, se residencia en Ciudad Bolívar. A partir de 1960 sus cerámicas, además de sus óleos y acuarelas, forman parte de muestras colectivas como la "Primera gran exposición de industria y comercio" (Ciudad Bolívar) realizada ese mismo año. Su destreza le ha permitido desarrollar en gres acabados con textura de piedra tallada. Ha expuesto en colectivas como la Feria Internacional de Nueva York, pabellón de Venezuela (1968); el III y IV Salón Nacional de Artes del Fuego (1975 y 1976), y entre 1981 y 1982 en la exposición itinerante organizada por la CANTV titulada "Trato con el barro II". A partir de 1980 se dedica a la docencia en el Taller Libre de Arte, específicamente en la escuela Alejandro Colina, dependencia de la dirección de Cultura de la Gobernación del Estado Bolívar (Ciudad Bolívar), de la cual también es su directora. Entre 1982-1983 publica artículos en el diario El Progreso. Entre 1982 y 1987 forma parte de importantes muestras colectivas auspiciadas por la AVAF, entre las que se puede destacar "Tierras del Orinoco". Su experiencia con el gres se pudo observar en su exposición "Piedras lunares" (Museo de Arte La Rinconada, Caracas), donde le aplicó a las piezas una delicada técnica con tres "quemadas".

2 Exposiciones individuales

1968 Galería Banap, Caracas

1969 Galería de Arte, Puerto Ordaz

1970 Galería de Arte, UDO, Ciudad Bolívar

1971 Club Arimagua, Guri, Edo. Bolívar

1972 Casa de la Cultura, Maracay / Galería Félix, Caracas

1987 "Piedras lunares", Museo de Arte La Rinconada, Caracas

3 Premios

1941 Tercer lugar, especialidad dibujo, Ludi Juvenili dell'Arte, Florencia, Italia

4 Colecciones

Banco de Venezuela, Caracas / Museo Casa Santa Rosa, Coro / Museo de Ciudad Bolívar

5 Fuentes

- Carnevali, Gloria. Piedras lunares (catálogo de exposición). Caracas: Museo de Arte La Rinconada, 1987.

- Cinap, V 93.

AFF

Vivas Arias

Ángel

n. Maracay, 17.2.1949

m. París, 3.5.1986

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Exposiciones póstumas 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y artista de medios mixtos. Hijo de Leopoldo Vivas González y Carmen Arias. Después de vivir en Miami (Florida, Estados Unidos, 1969-1971), se instala en Londres, donde comienza a pintar. Su afición por las plantas exóticas influirá en el desarrollo de su lenguaje plástico. Entre 1973 y 1975 realiza la serie Hombres de maíz, inspirado en la novela de Miguel Ángel Asturias. Esta serie, en la que utilizó colores vivos y planos y líneas onduladas que insinuaban una iconografía casi escolar, expresaba una simbología orgánica basada en la naturaleza y el hombre en su estado primario. A partir de entonces el artista será conocido como el Hombre de Maíz. En 1973 participó en "The open air exhibition" en la Brighton Corporation de Inglaterra y en el I Salón Centro Plaza en Caracas. Entre 1974 y 1976 viaja por Europa y América. En 1975 expone, en diferentes galerías de Caracas y en el Ateneo de Barcelona (Edo. Anzoátegui), "Los hombres de maíz". Asimismo participa en el XXXIII Salón Arturo Michelena, en la "Confrontación nacional de jóvenes artistas" y en el IV Salón de Jóvenes Artistas. En 1976 participa en el XXXIV Salón Arturo Michelena, en "Once jóvenes tendencias" y en el II Salón de la Sociedad Conservacionista del Estado Aragua. En 1977 se establece en París. Realiza la serie Pinturas clorofílicas en las cuales continúa con sus investigaciones sobre las formas vegetales y pinta utilizando colores brillantes e intensos. Crea cuadros con temas marinos, en los que la figura del pez es relevante. Escribe su Credo del pez sobre la cabeza. De esta época datan las Antifotografías proyectables o Ecofotografías, y los Simbolritmos. Las Antifotografías proyectables son diapositivas de elementos naturales (pétalos, membranas vegetales, cabellos, hojas, flores secas, sangre humana, etc.), que eran proyectadas en vivo sobre el cuerpo del artista. Con esta experiencia se buscaba la creación de imágenes plásticas a partir de la naturaleza como ente portador de una estética primigenia. Vivas Arias intentaba convertirse en un medio para demostrar el hecho estético escondido en la naturaleza. Los Simbolritmos, por su parte, son composiciones realizadas a partir de la incorporación automática de jeroglifos latinoamericanos y egipcios transformados en un alfabeto de naturaleza descriptiva. En 1978 realizó su primera acción corporal (o "intervención gestual", como prefiere denominarlas el artista). Inicia sus Actos decadentes y desesperados, performances en los que el artista experimentó con diferentes materiales produciendo sonidos y gestos asociados al kitsch y a la estética ingenua. A partir de 1979 incorpora a su lenguaje plástico ensamblajes realizados con libros y objetos encontrados. Este mismo año presenta La maleta como signo, en el Gran Palais, intervención mimomusical con Alice Ferrero, Bertrand Cuttier y Ernest Peterska.

En 1980 exhibe, en el MACC, "Objetos encontrados e intervención gestual", dibujos y objetos encontrados, como zapatos, baúles, maletas, fotos viejas, paquetes de granos y hojas de papel surcadas por pentagramas caprichosamente trazados, en los cuales el artista encontraba posibilidades simbólicas y estéticas. Cada objeto estaba rotulado indicando su procedencia. Este mismo año, con Aspectos de la momificación del corpus sagratus de Ángel Vivas Arias (intervención gestual) forma parte de "Arte bípedo" en la GAN. Asimismo realiza una intervención gestual en la Galería Editions Phot-Œil (París), en la cual lanzó sobre el público tierra de la tumba de Van Gogh, después de haber pronunciado un discurso. En la misma oportunidad realizó una instalación con una serie de objetos encontrados y utilizados en sus intervenciones anteriores. En 1982 comienza a realizar los Pictodramas, especies de cuadros vivos en los que el artista utiliza su propio cuerpo como medio de expresión plástica, valiéndose de la música, el teatro, la danza y los "poemas sonoros" inventados por el artista, los cuales consistían en textos recitados en diferentes idiomas reales y ficticios. Con el pictodrama El museo pictodramático de Ángel Vivas Arias participa en el XL Salón Arturo Michelena. En 1983, en el marco del VI FITC (Espacio Alterno, GAN) y para la colectiva "Autorretrato. El artista como objeto/sujeto del arte" (Espacio Alterno, GAN), realiza el pictodrama Autorretrato, tomando como temática la historia de Dorian Gray. En 1984, en el II Festival de Erotismo en la Gare de la Bastille (París), exhibe una serie de dibujos basados en sus performances tomando sólo las representaciones simbólicas eróticas. Expone sus "Pinturas frescas" en la Galería Calligramme (París), utilizando lo que llamó el "hipercolor", silueteando las formas con bordes de tinta negra. Junto con Julio Pacheco Rivas y Asdrúbal Colmenárez expone en el espacio Art et Buffet (París). En 1985 presenta "El teatro silencioso de los libros: objetos y pinturas de Ángel Vivas Arias" en Los Espacios Cálidos. La muestra estaba conformada por libros que habían sido vaciados de su contenido para ser exhibidos como objetos, integrándoles diferentes elementos tales como perinolas, tornillos, tuercas, pistolas, muñecos de plásticos y desperdicios encontrados. Para ese año realizó dos intervenciones: una en Espacios Libres y otra en la Fuente Stravinsky, ambas en París.

En 1986 se suicida en su casa-taller en París. En 1990, la Galería Municipal de Arte de Maracay organizó la II Experiencia de Arte Efímero en homenaje al artista en el X Salón Municipal de Pintura. En 1992, el XVII Salón Aragua (Museo de Arte de Maracay) incluyó por primera vez una sección de arte efímero a escala urbana, titulada "Ángel Vivas Arias". En la evolución de su lenguaje plástico pueden distinguirse varias etapas sintetizadas: desde la pintura y el dibujo, pasando por el ready-made, a partir de la búsqueda del objeto reencontrado, hasta el performance o invención gestual, con lo cual el artista transformó su propia individualidad en la expresión de la obra de arte. De su obra, la GAN posee en su colección Pasado hecho presente en el futuro de América (acrílico y tinta sobre tela, 1974) y Libro en simbolritmo desplegable: performances y pictodramas en París de 1978 a 1983 (collage de fotografías, tinta, marcador y creyón sobre papel, 1984).

2 Exposiciones individuales

1974 "Nuevos-nuevos", Galería Antonio Machado, Madrid / Galería Prinoy, Madrid / Embajada de Venezuela, Madrid

1975 "Hombres de maíz", Sala Ocre, Caracas / "Hombres de maíz", Galería Unicornio Rojo, Cumaná / "Hombres de maíz", Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui

1976 Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / "Los lenguajes", Casa de la Cultura, Maracay

1977 "Pinturas clorofílicas", Galería G, Caracas / "Pinturas clorofílicas", Museo Antonio José de Sucre Gran Mariscal de Ayacucho, Cumaná / "Pinturas clorofílicas", Centro de Arte El Parque, Valencia, Edo. Carabobo

1978 "Antifotografías proyectables", Librairie Centre des Pays de Langue Espagnole et Portugaise, París

1980 "Objetos encontrados e intervención gestual", MACCSI

1982 "Pictodramas", Universidad de Saint-Denis, París / "Pictodramas", Atelier de Jorge Pizzani, París / "Pictodramas", Módulo Venezuela, Fundarte, Parque Los Caobos, Caracas / "Pictodramas en dos actos", Ateneo de Maracay / "Fontaine des innocents", Metro de París

1984 "Pinturas frescas", Galería Calligramme, París

1985 "El teatro silencioso de los libros, objetos y pinturas recientes de Ángel Vivas Arias", Los Espacios Cálidos

1986 "El teatro silencioso de los libros, objetos y pinturas recientes de Ángel Vivas Arias", Museo de Arte de Maracay

3 Exposiciones póstumas

1992 "Antología del desarraigo", Museo de Arte de Maracay / "Antología del desarraigo", Los Espacios Cálidos

4 Colecciones

Ateneo de Barcelona, Edo. Anzoátegui / Fundación Noa Noa, Caracas / Fundarte / GAN / MACCSI / MACMMA / Mamja / MRE / Museo de Ciudad Bolívar / Radem Museum, Hamburgo, Alemania

5 Fuentes

- Antología del desarraigo (catálogo de exposición). Maracay: Museo de Arte de Maracay, 1992.

- Cinap, V 36.

- Guevara, Roberto. "Cosas de Vivas". En: El Nacional. Caracas, 14 de octubre de 1980.

ENA

Vivas

Sandra

n. Caracas, 21.10.1969

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Colecciones 4 Fuentes

1 Vida y obra

Artista del performance, la pintura y la instalación. Hija de Fruto Vivas y Dafne Guerrero. Con año y medio de edad su familia se muda a Barquisimeto, donde transcurre su infancia vinculada con las actividades artísticas. A los seis años comienza a tomar clases de ballet clásico, además de estudiar pintura y piano. Al finalizar sus estudios secundarios viaja a Caracas, donde ingresa a la Escuela de Artes de la UCV. Simultáneamente estudia dibujo, pintura e historia del arte en el Instituto Federico Brandt (entre sus profesores se encontraban Susana Amundaraín, Walter Margulis y Ariel Jiménez). En este período toma clases de danza contemporánea; su contacto con esta disciplina y la influencia de docentes e intérpretes como Luis Viana, Julie Barsne y Hercilia López desencadena en la artista una preocupación por el cuerpo como medio y contenido de la obra de arte, que posteriormente saldrá a relucir en su trabajo de investigación. La relación del cuerpo con los objetos, el uso de la voz, el juego con las posiciones en balance y fuera de balance (características de la danza y el ballet) son elementos que serán utilizados posteriormente en su trabajo como medio para explorar tanto ámbitos íntimos como colectivos. En 1993 viaja a San Francisco (California, Estados Unidos), donde realiza una maestría en bellas artes en el Departamento de Nuevos Medios del Instituto de Arte de esa ciudad. En este período presenta su primer performance, Rock Climbing, trabajo producido como asignación académica para una materia que proponía una reflexión sobre el paisaje visto desde los nuevos medios de expresión. En 1994 filma Bolero, su primer video, en el que la artista dramáticamente canta un bolero donde la imagen y la voz están fuera de sincronía. En diciembre de 1997 regresa a Venezuela y continúa con su trabajo de video y performance. En 1998, en los Anthology Film Archives (Nueva York) conoce a Rubén Gallo le propone realizar un performance en la Feria Internacional de Guadalajara (México); durante este evento recibe una invitación, por parte de Tom Patchett (coleccionista estadounidense de arte contemporáneo), para exponer en "At the Curve of the World", una muestra colectiva en la Galería Track 16 (Santa Mónica, California, Estados Unidos). En 1999 viaja a Naivasha (Kenya), donde trabaja y convive por dieciséis días con artistas kenianos y de otros países africanos en el Taller Internacional de Artistas Wasanii; allí comienza a realizar series de pinturas basadas en el texto escrito. Los artistas africanos eran en su mayoría pintores, por lo que Vivas necesitaba comunicarse en un medio que les fuera familiar, y obtiene como resultado Carteles y Letreros, series de pinturas-texto. Las obras producidas en Kenya se extravían en el aeropuerto y a su regreso a Venezuela vuelve a producirlas, valiéndose en esta oportunidad de la proyección de diapositivas. En 1999 presenta un performance sin audiencia, del cual sólo quedó el registro fotográfico, titulado La peor de todas, homenaje a D.L., del cual posteriormente surge la video-instalación Brillar en la oscuridad es supervivencia (2000). Entre 2002 y 2003 realiza una serie de pinturas sobre madera en pequeño formato tituladas Pinturas anestésicas, con planos de color uniforme intervenidos ocasionalmente por franjas de otro color. Ha participado en exposiciones colectivas de importancia como "Videohábitats" (MBA, 2000), "Fragmento y universo" (Centro Cultural Corp Group, 2002) y "Estudio abierto, proyecto espacio" (Harrods, Buenos Aires, 2003). La producción de Vivas gira en torno a lo autobiográfico, con la intención expresa de traspasar lo anecdótico; el autorretrato como género, pero concebido de una manera más amplia que la entendida tradicionalmente, es tratado de manera extensa por la artista, mientras que lo femenino, partiendo del uso del cuerpo y de la palabra, es el sustrato sobre el que se gesta su producción. Tal como señala Ana de Azcárate: "el poder visual y conceptual del trabajo de Vivas radica en su incisiva visión de lo femenino que, en su producción reciente, trasciende el ámbito estético-político y apunta hacia lo íntimo y lo poético" (sin año). Actualmente, la artista vive y trabaja entre Caracas y Santiago de Chile. Además de los proyectos para performances, ha retomado recientemente el dibujo.

2 Exposiciones individuales

1989 "Sandra Vivas, dibujos", Ateneo de Barquisimeto

1991 "Fracciones de obra", Galería VIA, Caracas

2004 "Casi todo", Galería Alternativa, Caracas

3 Colecciones

Banco Mercantil, Caracas / Kuona Trust, Nairobi, Kenya / MACCSI / MBA / Patchett Collection, Tom Patchett, Santa Mónica, California, Estados Unidos

4 Fuentes

- Archivo de la artista.

- Archivo, Gerencia de Investigación, MBA.

- Azcárate, Ana de. "La última sábana". En Sandra Vivas. Sin ciudad, sin editorial, sin año.

MGC

Vogeler

Memo [Vogeler Rincones, Guillermo]

n. Caracas, 26.02.1948

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Fotógrafo. Hijo de Carlos Vogeler R. y Esperanza M. de Vogeler. A partir de 1979 se dedica a la fotografía. A inicios de la década de los ochenta realiza talleres en el Javitt Center de Nueva York. Su obra se ha orientado al tema del retrato y la moda, focalizada insistentemente desde un propósito hiper-estético. Ese esteticismo a ultranza lo ha vinculado con técnicas que desde la fotografía parecieran provenir de la pintura del Renacimiento. En el caso de la moda las tendencias de época lo ubican en una perspectiva que trasciende lo comercial, convirtiendo su trabajo en una búsqueda del espíritu del tiempo. Otro aspecto relevante de su propuesta es el estudio del paisaje, indagando exclusivamente los comportamientos visuales de la montaña. El Ávila, icono perteneciente a la Escuela de Caracas, territorio exclusivo de una generación representada por Pedro Ángel González y Manuel Cabré, entre otros, es retomado desde la fotografía por Memo Vogeler, haciendo contemporánea la obsesión pictórica de aquella etapa de la historia plástica moderna venezolana. Desde mayo de 1993 hasta mayo de 1995 realizó a diario una serie de tomas del Ávila con una cámara Pix Panorama, "casi desechable y totalmente mecánica", retocadas luego con hojilla y pincel. De esta serie seleccionó 24 imágenes que tituló Bitácora del Ávila. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas, entre ellas, "5 x 5" (MACC, 1988), "La invención de la continuidad" (GAN, 1997), "…de la pintura" (Espacios Unión, Caracas, 1998) y II Salón de Arte 2003 ExxonMobil de Venezuela (GAN, 2003).

2 Colecciones

BN / Fundación para La Cultura Urbana / MACCSI

3 Fuentes

- Archivo del artista.

ENA-WNA

Volker

Jorge

a. Caracas, 1847

1 Vida y obra

1 Vida y obra

Fotógrafo daguerrotipista. Se anunció en la prensa del 9 de enero de 1847, apenas llega a Caracas, señalando que su permanencia duraría hasta el día 20 de ese mes. Volker decía de sus retratos que "tienen el vigor de los grabados con todas las graduaciones que no tienen aquellos retratos hechos por los medios conocidos", y ofrecía sus servicios en la calle del Comercio, 145. Sus precios oscilaban entre los 7 pesos, los retratos grandes en marcos de madera; 6 pesos, en cajas grandes, y 5 pesos, en cajas pequeñas (El Liberal, 9 de enero de 1847). Su visita debió tener receptividad, ya que partió recién el 21 de marzo para St. Thomas (El Liberal, 27 de marzo de 1847).

AS

Von Dangel

Miguel

n. Bayreuth, Alemania, 26.9.1946

1 Vida y obra 2 Exposiciones individuales 3 Premios 4 Colecciones 5 Fuentes

1 Vida y obra

Pintor y escultor. Hijo del zoólogo polaco Félix von Dangel y de la alemana Susanne Hertrich. En 1950 su padre es contratado por el Museo de Ciencias de Caracas y fija residencia con su familia en Petare (Edo. Miranda), donde todavía vive el artista. Interesado en la taxidermia, abandona el bachillerato y se dedica a estudiar durante un año esa disciplina que posteriormente le servirá de base para desarrollar un arte vinculado con la naturaleza, dentro de un sentido religioso que sin embargo ha sido visto en muchas oportunidades como "irreverente". En 1963 se inscribe en los cursos libres de la Escuela Cristóbal Rojas; asiste a clases de decoración y al taller de grabado que dirigía Luis Guevara Moreno. Después de dos años decide no continuar, poco interesado en los enfoques académicos. Entre 1968 y 1969 comienza a trabajar por su cuenta en ensamblajes influenciados por los "objetos mágicos" de Mario Abreu, uniendo materiales de desecho extraídos del ámbito vivencial (Figura para un bar, 1974), a los que pronto integra elementos que le ofrecía el contacto con la flora y la fauna de las regiones al sur del país, adonde viaja con frecuencia. Von Dangel introduce estos elementos a su obra por diversas vías: dibujos sobre papel o sobre mapas, materias diversas (insectos, flores, hojas, rocas, tierras) encapsuladas en poliéster, esculturas a partir de animales disecados o del vaciado directo en oro de alimañas (que llama "calcos"), todo lo cual era considerado como una manera de "aproximarse al paisaje" continuando la línea cultivada en Venezuela hasta Reverón y que fue interrumpida, según el artista, por la visión de la Escuela de Caracas. El carácter polémico de las creaciones y de las actitudes del artista alcanzó niveles de escándalo en 1972, cuando el párroco de la Catedral de Caracas, monseñor Augusto Laboren, enfurecido por la profanación que a su juicio representaba la obra Retrato espiritual de un tiempo (un perro disecado crucificado con su corona de espinas), la derribó y la arrojó al patio del edificio del Palacio de las Academias, sede de la exposición de esculturas organizada por el Inciba durante el IX Congreso Latinoamericano de Psicoanálisis. En 1970, Von Dangel formó parte del grupo Artmagedón (Galería Helena Pávlu, Caracas) y expuso dibujos en una colectiva en Miami (Florida, Estados Unidos); en 1973 y 1974 participó en el I y II Premio Ernesto Avellán, y en 1979 asistió como invitado fuera de concurso a su IV edición; asimismo participó en la confrontación "11 tipos", que presentaba anualmente la Sala Mendoza. También en 1979 expone su Diario, un libro continuo de 150 m de largo con dibujos y escritos interrelacionados y, al año siguiente, concluye Retrato de mi madre.

En 1981 viaja por primera vez a Europa y este encuentro con el arte tradicional occidental arraigó más su convicción de que el clima de tensiones y de búsquedas le confieren a la creación plástica en Venezuela un carácter diferente, lo cual no había sido estimado hasta entonces en su justa importancia por el artista venezolano. En su trayecto se encuentra en Kassel (Alemania) con la Cruxifixión de Matthias Grünewald, una de sus influencias tutelares. Hacia 1982 realiza sus primeros collages sobre mapas creando un nuevo tipo de cartografía y sus primeros encapsulados. Al respecto podemos leer en el catálogo de la exposición "La imaginación de la transparencia": "hace que veamos, a través del poliéster, los fragmentos de naturaleza, viva o arrasada, vegetal o animal, detenida ahora en todo caso como fósil de la cultura: visual, táctil. Cultura también de lo documental, pues Von Dangel nos da la información precisa: dónde y cuándo se recortó la muestra" (p. 9). En 1983 participa en la Bienal de São Paulo con una de sus obras más representativas, El regreso de la cuarta nave, escultura-ensamblaje-instalación de 10 x 5 m donde sus enunciados plásticos se encontraron vertiginosamente concentrados. En 1985 inicia una serie de artículos en publicaciones periódicas y expone en Buenos Aires con otros 12 artistas venezolanos. En 1986 participa en la itinerante organizada por el Museo de América de Madrid, "Tres venezolanos en dos dimensiones", patrocinada por la American Society Art Gallery de Nueva York y la Fundación Mendoza, que recorrió San Francisco (California, Estados Unidos), Miami (Florida, Estados Unidos) y Bogotá. En esa época inicia trabajos de papel sobre madera y encapsulados como Ecce Homo (1986) y Homenaje a Bárbaro Rivas (1987). En 1989 estudia los molas de los indios cuna de San Blas (Panamá) que integra a su obra como antes lo había hecho con las pintaderas de los panare y piaroa de Venezuela, o con trozos de cerámica indígena.

En 1990 concluye y expone La batalla de San Romano, obra de 32 metros de largo distribuidos en 11 paneles, uno de sus trabajos más complejos. "Los materiales utilizados por Von Dangel son disímiles: ducos, esmaltes, óleos, escarchas, sprays, tapices, metales, espejos, cuerdas, monedas, maderas, pieles, plumas, objetos, artesanías indígenas, etc. Sus cualidades expresivas, virtuales y heterogéneas, prevalecen saturando la obra en asonancias y dispersiones que son rasgos de la fuerza, fluidez gestual e impulso instintivo. La batalla, en dilatado y abigarrante barroquismo finiquita todo equilibrio y armonía racional. Es el 'infinito sin límites', esa 'nada' que aparta al 'todo' de su congruencia cerrada (Duvignaud) lo que importa. Las formas barrocas 'vuelan'" (Márquez, 1993, pp. 83-84). Al año siguiente viaja a Martinica y expone en Bogotá y Hamburgo (Alemania) en muestras colectivas. En 1992 es invitado a Eco-Art en Río de Janeiro y al año siguiente La batalla de San Romano es enviada a la Bienal de Venecia mientras su autor concluía su serie de majas y de tauromaquia. Para Francisco Da Antonio un profundo sentimiento religioso define la obra de Von Dangel: "toda su labor plástica posee un incontestable acento místico, una profunda religiosidad. Ya desde el catálogo de su primera exposición celebrada en la Sociedad Maraury de Petare [Edo. Miranda], en 1965 […], se registraban títulos como el Triunfo de la Virgen y el Pésame a la Virgen. En su exposición del Teatro Leoncio Martínez en 1967, nuevos títulos daban testimonio de ello: Unidos por la gracia de Dios, Variaciones sobre la Crucifixión, etc. Un año más tarde su exposición en la Galería XX2 se intitulaba 'Sacrifixiones' precisamente porque el tema central de su trabajo quedaba referido al sacrificio del Salvador del Mundo. […] La iconografía de la crucifixión ha sido maravillosamente agotada por la historia del arte, pero el drama del sacrificio va más allá del deliquio litúrgico, se inserta en cada pulsación del tiempo, en la vida de cada hombre y en la de todos los hombres. Un artista cristiano como Miguel von Dangel, situado en la encrucijada de un siglo implacable como éste, no podía menos que retomar de la muerte de Cristo su dimensión abismal ('y hubo tinieblas sobre toda la tierra') y su categoría ecuménica ('se acordarán y se volverán a Jehová todos los confines de la tierra') a fin de replantear en términos también terribles la significación del Acontecimiento" (1982, pp. 348-349). En 1997 reunió sus artículos en El pensamiento de la imagen y otros ensayos.

2 Exposiciones individuales

1965 Sociedad Maraury, Petare, Edo. Miranda

1966 Galería Espiral, Escuela Cristóbal Rojas

1967 Teatro Leoncio Martínez, Caracas

1969 "Sacrifixiones", Galería XX2, Caracas / Galería Helena Pávlu, Caracas

1972 Galería El Ave que Llovía, Caracas

1974 Casa Guillo, Maracaibo / Galería El Ave que Llovía, Caracas

1977 "Escorpiones de Venezuela", Galería Ángel Boscán

1979 Galería Félix, Caracas

1982 Galería Félix, Caracas / Sala Mendoza

1984 "La cuarta nave", MBA

1985 "7 x 7 crucifixiones y ninguna redención", Interalúmina, Puerto Ordaz

1986 "Transfiguraciones", Galería Sotavento, Caracas

1987 Galería Artisnativa, Caracas

1988 "La familia sagrada", Galería Artisnativa, Caracas

1989 "Sacrofanías", Centro Armitano Arte, Caracas

1990 "La batalla de San Romano", MACC

1991 "Mapas-collage", Galería D'Museo, Caracas / "Macándulas y escolopendras", Librería Kadmos, Caracas

1992 "Obras recientes", Espacio Simonetti, Caracas

1993 "De engaños y otras lidias", MACMMA

1994 "Exposición antológica 1963-1993", GAN-Ateneo de Caracas

1995 "La elocuencia del silencio", Galería Euroamericana, Caracas / "Ostentatio vulnerum", Galería de Arte, USB

1998 "Lastenia Tello de Michelena. la saga de una pasión. En la mirada de Miguel von Dangel", Museo Arturo Michelena, Caracas

1999 "Lecturas fragmentadas", Galería D'Museo, Caracas

3 Premios

1965 Mención de honor al primer premio, Salón de Pintura Juvenil, Casa de la Cultura Germán U. Lira, Petare, Edo. Miranda

1974 Bolsa de Trabajo Fundación Cruz del Sur, II Premio Ernesto Avellán, Sala Mendoza

1991 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas / Premio AICA, Capítulo Venezuela

1992 Premio Eco Art, Río de Janeiro

2001 Premio Anual de Artes Plásticas Pedro Ángel González, Gobernación del Distrito Federal, Caracas

4 Colecciones

Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / Banco Mercantil, Caracas / BCV / Bronx Museum of the Arts, Nueva York / Colección Cisneros, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / GAN / MACMMA / MBA

5 Fuentes

- Archivo MBA.

- Calzadilla, Juan. El arte en Venezuela. Caracas: Ediciones del Círculo Musical, 1967.

- Calzadilla, Juan. Espacio y tiempo del dibujo en Venezuela. Caracas: Maraven, 1981.

- Cinap, V 38.

- Da Antonio, Francisco. Textos sobre arte (Venezuela 1682-1982). Caracas: Monte Ávila-GAN, 1982.

- La imaginación de la transparencia (catálogo de exposición). Caracas: MBA, 1988.

- Márquez, Francisco. La batalla de San Romano. Caracas: Fundación Polar, 1993.

- Miguel von Dangel. Exposición antológica 1963-1993 (catálogo de exposición). Caracas: GAN, 1994.

AS

Von Scholten

Frederick

n. Copenhague, 8.4.1796

m. St. Croix, islas Vírgenes, 2.12.1853

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Acuarelista. Hijo del oficial danés Cassimir von Scholten y hermano del gobernador general de las Indias Occidentales, Peter von Scholten. Frederick von Scholten había prestado servicio en la marina francesa y más tarde ingresó como oficial de la marina de Dinamarca. Durante el servicio en ambas tuvo la oportunidad de visitar en varias ocasiones las Indias Occidentales danesas. Los hermanos Von Scholten estuvieron íntimamente involucrados en la emancipación de los esclavos en las Indias danesas en 1848. En 1834, Frederick von Scholten fue nombrado inspector de aduanas de la isla de St. Croix. Allí vivió hasta su muerte, acaecida en 1853. Según el diario de sir Robert Ker Porter, llegó a La Guaira en el navío de guerra John [St. Jan], en compañía del capitán Holstein, comandante del barco. William Ackers, recién nombrado cónsul de Dinamarca en Venezuela y propietario de la firma Ackers and Company, con la cual Peter von Scholten mantenía relaciones comerciales, acompañó a los visitantes desde La Guaira hasta Caracas (Porter, 1966 [18 de septiembre de 1837]). Los visitantes traían documentos para el presidente Carlos Soublette y para el general José Antonio Páez, relacionados con un tratado de amistad, comercio y navegación entre Dinamarca y Venezuela, que venía negociando Peter von Scholten en Caracas desde el 24 de marzo de 1836. El 23 de septiembre de 1837, Von Scholten y Holstein parten hacia Puerto Cabello, vía Valencia (Edo. Carabobo). A su paso por Maracay se detuvieron en el hato del general Páez. La visita en Venezuela, de aproximadamente diez días, quedó registrada en las acuarelas realizadas por Frederick von Scholten: Hato La Trinidad, propiedad de Páez; Vista de los valles en los alrededores de Caracas; Escena local en Las Cocuizas (Maracay), y El Samán, cerca del hato La Trinidad, todas ellas fechadas en 1837 y que forman parte del libro de dibujos del autor. El tratado entre Dinamarca y Venezuela se firmó en marzo de 1838. Porter anota la salida del gobernador Von Scholten el 3 de abril, pero no así la de su hermano Frederick.

2 Colecciones

Museo Marítimo de Dinamarca, Copenhague

3 Fuentes

- Daes de Ettedgui, Berenice. Pintores y dibujantes extranjeros en el siglo XIX venezolano. Nacionalidad, permanencia y producción (tesis inédita). Escuela de Artes, UCV, 1987.

- Porter, Robert Ker (sir). Sir Robert Ker Porter's Caracas Diary, 1825-1842. A British Diplomat in a Newborn Nation. Caracas: Walter Dupouy Editor, 1966.

- Rolf, Walter. Los alemanes en Venezuela. Desde Colón hasta Guzmán Blanco. Caracas: Asociación Cultural Humboldt, 1985.

BDE

Vráz

Enrique Stanko

n. Veliko Tirnovo, Bulgaria, 18.4.1860

m. Praga, 20.2.1932

1 Vida y obra 2 Colecciones 3 Fuentes

1 Vida y obra

Explorador y fotógrafo. En 1877 viaja a España y luego a África, donde realiza estudios de historia natural, prepara especies zoológicas y colecciona plantas y minerales para los museos checos. En 1885 se traslada a Santa Cruz de Tenerife (España). Los escritos de Alejandro de Humboldt y de otros exploradores incentivaron su "deseo de conocer el territorio de infinitas selvas, imponentes montañas, grandiosos ríos" (Vráz, 1992, p. 75). En julio de 1889 llega a Venezuela en el vapor francés Olinde Rodríguez. De Caracas pasa al oriente del país, donde vive durante tres años en la Mesa de Punceres (Edo. Monagas). Allí se dedicó al comercio de exportación de mamíferos, aves silvestres, balatá y orquídeas, con el fin de financiar su expedición al Orinoco. Vráz se proponía coleccionar especies zoológicas y preparar pieles y esqueletos para los museos europeos. Entre el 23 de noviembre de 1892 y el 23 de marzo de 1893 recorre desde el delta del Orinoco hasta El Cocuy, zona fronteriza en la ribera izquierda del río Negro. Luego pasa a Brasil y a Perú, donde, en el puerto de Pacasmayo, en el Pacífico, concluyó la expedición en diciembre de 1893. Durante el recorrido Vráz llevó consigo una obsoleta cámara fotográfica y la cámara oscura para el cambio y revelado de las placas. Esto le permitió registrar personajes locales, vistas de ciudades, pueblos, ríos y elementos de la cultura popular. "La grandeza del paisaje, la majestuosidad del río, las sensaciones de los abigarrados colores del aire, el agua y el cielo […] clamaban por ser traspuestos en el lienzo o en el papel por la mano de un artista. Yo […] me preparaba modestamente para captar por lo menos lo más importante de este paisaje en la placa fotográfica" (Vráz, op. cit., pp. 109-110). Vráz estaba consciente de lo rudimentario de su equipo en comparación con las nuevas técnicas; eso se debía "a los 10 años sin contacto directo con Europa" donde ya se conocían las fotografías instantáneas. Las fotografías de este explorador se encuentran en el Museo Náprstek, en Praga, junto con una colección de 35 objetos y dibujos. Vráz tomó notas durante el recorrido de la expedición, donde describía sus experiencias con las diferentes tribus que conoció; reseñó en detalle el físico del indio, sus modos de vida y sus costumbres, comparándolos entre sí. Esta obra fue publicada en Praga en 1900 con el título Na Príc Rovníkovou Amerikou. Contenía 22 capítulos, de los cuales 12 corresponden a su recorrido por Venezuela. "Vráz documentó la edición original con sus fotografías, sus dibujos de campo y algunos de dibujantes que trabajaron en base a sus objetos" (Mendoza, 1992, p. 20). El 25 de agosto de 1897 el presidente Joaquín Crespo le concedió la nacionalidad venezolana, publicada en la Gaceta Oficial el 3 de septiembre del mismo año. En 1992, la obra de Vráz fue traducida al español. Vráz "tuvo el mérito, después de Pál Rosti, de ser uno de los pocos fotógrafos extranjeros de la naturaleza venezolana, el país y sus habitantes, de fines del siglo XIX" (Lancini, 1992, p. 29).

2 Colecciones

Museo Náprstek, Praga

3 Fuentes

- Lancini, Abdem Ramón. "Enrique Estalisnao Vráz, un coleccionista singular en América ecuatorial". En: A través de la América ecuatorial. Viaje por Venezuela. Caracas: Fundación Cultural Orinoco, 1992.

- Ortega Mendoza, Andrés. "Enrique Stanko Vráz 1860-1932". En: A través de la América Ecuatorial. Viaje por Venezuela. Caracas: Fundación Cultural Orinoco, 1992.

- Vráz, Enrique Stanko. A través de la América Ecuatorial. Viaje por Venezuela. Caracas: Fundación Cultural Orinoco, 1992.

BDE